El Terrario de Donovan

"HALLOWEEN H20" para Ultramundo

2012-02-25T02:45:00.000-08:00

20 años después de "La Noche de Halloween", Laurie Strode y Michael Myers disputaron su tercer combate. El resultado...psé.

Pinche aquí para ir a primera fila de ring.

Lina Romay al otro lado del espejo

2012-02-24T12:16:00.000-08:00

Se conocieron en un ascensor de un hotel de Murcia allá por principios de los 70. Desde entonces y hasta hace poco compartieron 40 años juntos. Jesús Franco y Lina Romay fueron un binomio inseparable desde los tiempos de "La Comtesse Noire", probablemente su mejor película conjunta pese a sus imperfecciones junto con "Lorna l' Exorciste". En películas de todos los géneros (porno incluido, siendo pioneros en el campo en España) durante los años 70, 80, 90 y dosmiles, la mayoría de las veces con Antonio Mayans ayudando delante y detrás de las cámaras en rodajes a cuatro pesetas. Los resultados de las películas eran variables con tendencia al desastre en la mayoría de los casos, pero Lina y Jesús siempre fueron de frente con todo para llevarlas a cabo y sobrevivir, incluso en los tiempos de la Ley Miró y en circunstancias económicas precarias. La máxima ante todas las adversidades era filmar, filmar y filmar, fuera en celuloide o en el sistema digital del que Jesús siempre fue un gran defensor. También pudimos ver a Lina en piezas de culto del cinema bis español de directores como Carlos Aured, como "Apocalipsis Sexual", al lado de Ajita Wilson.

No se olvidó Franco de agradecerle a Lina el "haberle soportado durante treinta y tantos años" durante la concesión del Goya de Honor. Lina Romay falleció de cáncer pillando a todos por sorpresa. Un abrazo para Jesús Franco, familiares y amigos.

Descanse en Paz.

"LA CAJA KOVAK" para Ultramundo

2012-02-21T11:09:00.000-08:00

Una más bien floja intentona de Daniel Monzón por triunfar antes de conseguir su objetivo con "Celda 211". Un recuerdo para el actor Davd Kelly, fallecido la semana pasada.

La caja abierta aqui.

"BILLY ELLIOT" para Ultramundo

2012-02-17T07:11:00.000-08:00

Todo un éxito en su momento, comentado desde la perspectiva que da el paso del tiempo.

Comentario aquí.

"HALLOWEEN 5" para Ultramundo

2012-02-10T09:33:00.000-08:00

La azarosa existencia de la quinta entrega de la saga de los riffs de piano siniestros en donde descubrimos que los slashers lloran.

Ración de lágrimas aquí.

"BLITZ" para Ultramundo

2012-02-07T12:03:00.000-08:00

Ahí tienen al bueno de Jason Statham promocionando el DVD de "Blitz", cinta bienintencionada pero decididamente decepcionante aunque cuente con algunos elementos positivos. Lo mejor, eso sí, viene en los extras del DVD.

Vaya aquí para averiguar en qué consisten. Y por qué es una decepción, claro.

"PESADILLA EN ELM STREET: EL ORIGEN" para Ultramundo.

2012-01-20T09:07:00.000-08:00

Hoy es día de comentar bodrios. Intentaron impulsar al pobre Freddy...para estamparlo contra la pared. Y eso que el director y "NeoFreddy" no estaban mal elegidos.

Pulse aquí para saber por qué.

"GIALLO" para Ultramundo

2012-01-20T05:56:00.000-08:00

No es que uno sea muy taurino, pero alguien debía encargarse de torear y poner banderillas a este morlaco estrábico, patizambo y ¡¡¡feeeeoooooo!!! (que diría Elsa Pataky en este engendro). Adríán Esbilla le da la estocada. La gran Asia Argento se encarga de satisfacer los deseos de los críticos más furibundos del antaño grande Argento.

Para saber si hay algo que merezca la pena salvarse, vayan aquí.

LA SEMANA MÁS LARGA (2/1/12- 8/1/12)

2012-01-10T04:17:00.000-08:00

OPERACIÓN DRAGÓN (Enter The Dragon, Robert Clouse, 1973) Las puertas de Hollywood se abrieron para Oriente en general y el cine de artes marciales en particular con la “entrada del Dragón” Bruce Lee en la película que le convirtió en mito del siglo XX. Con una trama a lo James Bond y con el blanco John Saxon y Jim “Cinturón Negro” Kelly para asegurarse así Warner la rentabilidad de la operación, la fuerza de la película son las hostias, frases contundentes (ojo a la clase al pobre chavalillo: “No pienses…¡siente!”), la banda sonora “patachula funky” de Lalo Schifrin el y carisma de su estrella en una retahíla de momentos cumbre que culminan con el homenaje a La Dama de Shanghai y que sostienen lo que podía haber sido una película de pura rutina. Calificada sin temor de Ciudadano Kane del género y con presencias legendarias de astros de las artes marciales como Bob Wall o Bolo Yeung, los “hijos” surgidos a raíz del éxito del film son incontables. Uno de ellos, Contacto Sangriento (el mejor de todos ellos), tendría no pocos vínculos en común Bolo Yeung aparte: “La tabla no devuelve golpes”.

300 (Zack Snyder, 2006) A favor de la cinta hay que decir que no comienza nada mal y que Zack Snyder no es un patán absoluto tras las cámaras. Si algo bueno tienen las películas que vi de él es que las escenas de acción pueden seguirse sin problemas y no tiene la tentación de montar 10.000 planos por segundo, que es la tentación supina de los manazas entrenados en las escuelas del videoclip a lo Michael Bay. Es de agradecer que haya sangre y vísceras, aunque sea una sangre digitalizada en exceso y hasta pechos, femeninos y masculinos. Lo malo todo eso no compensa las graves deficiencias de la película. A partir de la aparición de Leónidas (Gerard Butler y su barba) y de los restantes 299 culturistas, la película acaba haciéndose francamente insípida, alargada innecesariamente para lo que cuenta (toda la subtrama con la esposa), repleta de frases de epicismo del “todo a 1 euro” grandilocuentemente vacías y pensadas para que la juventud salga del cine citándolas verbatim y una sensación final de aburrimiento generalizado. Estilo visual frío y sobrecargado con toneladas de infografía que acaba devorando la película y del que se pueden rescatar planos aislados y poco más. Mucho ruido y pocas nueces para uno de los casos de hype condenados al olvido salvo en notas a pie de página más elevados que se recuerden y que sirvió para confirmar esa frase de que “En el país de los ciegos que es Hollywood, el tuerto es el rey”

PENTATHLON (Bruce Malmuth, 1994) Al bueno de Adolfo Lundgren le prometieron un presupuesto muy diferente del que finalmente se le ofreció para el rodaje de la película y acabó derecha al VHS en casi todo el mundo menos en España, donde acabó en cines. Historia de pentatleta alemán que huye a U.S.A. tras ganar el Oro Olímpico de Seúl 88 tras negarse a someterse a dopajes varios y que toca fondo en Los Angeles desentrenado, maldiciendo a todos y trabajando como camarero (ver a Dolph impotente cuando tres chavales de ghetto se burlan de él sin que éste pueda atraparles es impagable) para resurgir como el ave fénix entrenándose con su jefe de barra y listo para ganarse un puesto en las olimpiadas de Atlanta 96. Claro que no contaba con que su ex - entrenador neonazi le encuentre y quiera acabar con él. Pese a que las carencias de presupuesto hicieron mella en la cinta, ésta se deja ver gracias a la artesanía tras las cámaras de Bruce Malmuth (Difícil de Matar, encargado de enchufar la cámara para el jefe Stallone en Halcones de la Noche), el aire a serie B de acción de Guerra Fría de videoclub que respira y las escenas de Dolph en las últimas…aunque para estar su personaje desentrenado éste siga contando con la misma musculatura que cuando fue a Seúl. Anécdota: Dolph se entrenó con el equipo americano de Pentatlón para preparar su rol y acabó de líder del mismo en los Juegos Olímpicos de Atlanta 96. Como en el cine mismo.

DAME UN POCO DE AMOOOR! (José María Forqué, 1968) Un clásico del cine pop español de finales de los 60 con Mike Kennedy y compañía enfrentados (entre canción y canción) a un doctor a lo Fu-Manchú y a un maléfico francés con la inestimable ayuda de Tip y Coll como agentes y la hija del siniestro doctor, Shao-Ling. Combinando videoclips con esta trama de tebeo puro (en una escena con el cantante en el hospital aparecen hasta bocadillos de cómic), José María Forqué logró una entrañable cinta célebre por el final con animación revolucionaria de Francisco Macián en el que la imagen real quedaba convertida en dibujos animados, técnica después popularizada por Ralph Bakshi en su adaptación de El Señor de los Anillos. Los temas de Los Bravos siguen sonando estupendamente, Forqué se imbuye de psicodelia y pop-art y el resultado es simpatiquísimo, aunque uno prefiera dentro del género aquel Un, Dos, Tres al Escondite Inglés de Iván Zulueta que bien se merece una edición en DVD/Blu Ray decente.

MUERTOS DE RISA (Álex de la Iglesia, 1999) Confundida por muchos espectadores como una comedieta más tras ver al dúo protagonista, en realidad es la triste historia cargada de humor negro de dos personas condenadas a aguantarse hasta la muerte y más allá. Basada en anécdotas reales de dúos cómicos hispanos, gana mucho con la revisión a toro pasado, aunque la sensación que queda es de oportunidad desaprovechada por culpa de ciertas actuaciones equivocadas (Carla Hidalgo de indudable pechonalidad bien explotada por el director), gags burdos (Nino en las Olimpiadas, por muy bien metido que esté el recurso a lo Forrest Gump de meter a personajes de ficción en la realidad; el momento “hombre elefante” de Nino cuando se lo llevan arrestado) y altibajos de ritmo. Pero la labor de los secundarios como Eduardo Gómez como “el Pobre Tino”, Álex Angulo de manager o María Asquerino de “mamá Bates”, la soberbia banda sonora de Roque Baños, la mirada al mismo tiempo nostálgica y de mala leche de su director hacia tiempos pasados, la gran factura técnica de la cinta y la antológica y lúcida frase “esto del humor no tiene ni puta gracia” acaban ayudando a ver la botella medio llena al final de la película…aunque uno acabe sin saber qué hacía Cristo en un 600.

"EL DECAMERÓN" para Ultramundo

2012-01-09T10:53:00.000-08:00

La primera entrega de la "Trilogía de la Vida" pasoliniana comentada para Ultramundo. Por cierto, lo de los exploits que sufrió la cinta da para un artículo la mar de jugoso. Claro que me temo que habría mucha paja y poco grano que rascar en las películas.

Si busca fotos de gente de pelotas, busque en otro sitio, aunque algo se vea en el "juicio final". Si no, vaya AQUÍ.

"DRIVE" para Ultramundo

2012-01-03T07:58:00.000-08:00

El título que más ríos de tinta está haciendo correr en los últimos tiempos. Obra maestra para unos, buena pero sin pasarse para otros, mala y sobrevalorada para el resto. Yo todavía sigo en estado de "arrebato". Un texto un poco más largo y corregido para Ultramundo que el que salió en La Semana más Larga. En cuanto salga el DVD o Blu Ray, tengo intención de ampliarlo un poco más para cuando toque revisarla.

Pise el acelerador AQUÍ.

LA SEMANA MÁS LARGA (26/12-1/1/12)

2012-01-02T02:18:00.000-08:00

LOS VIKINGOS (The Vikings, Richard Fleischer, 1958) Mucho antes del CGI, la pantalla azul y el ordenador, el cine de aventuras se rodaba a la vieja usanza: Localizaciones en exteriores, héroes viriles, sentido del “sense of wonder”, artesanía, barcos y extras “de verdad” y dinero bien invertido en fotografía, decorados, vestuario, etc. “Los Vikingos” es una de las cimas de ese cine que difícilmente volverá, con una fotografía sobresaliente de Jack Cardiff en exteriores noruegos, un trío masculino en estado de gracia (Janet Leigh es un bello adorno...y ya), una simple pero magnífica banda sonora de Mario Nascimbene e innumerables momentos memorables para escoger (mi favorito entre batallas, halcones que dejan tuertos a la estrella, brujas, asaltos a castillos caminatas entre palas de barco y jaurías de lobos es el epílogo rumbo al Valhalla con el sol de medianoche, luego fusilado en la cosa aquella de Richard Gere como Lancelot). Hecha casi casi al alimón entre el protagonista y productor Issur Danielovitch Demsky y Richard Fleischer, ideal para quienes seguimos siendo críos pese a todo.

COMPORTAMIENTO PERTURBADO (Disturbing Behaviour, David Nutter, 1998) La Invasión de los Ladrones de Cuerpos/ The Stepford Wives para nengs de la era “Scream”. Empezó siendo una película sobre conspiraciones al más puro estilo Expediente X (su director David Nutter dirigió varios capítulos de la serie) pero las chapuzas en el montaje por parte de la MGM la convirtieron en lo que nos ocupa: una más bien sosa y desangelada cinta que empieza bien exponiendo a los personajes, sobre todo Nick Stahl presentando al inexpresivo Marsden a los grupitos en los que se divide el instituto (los duros, los nerds, los “estudiantes sospechosamente perfectos”) pero pronto el déja vu y el progresivo desinterés acaban malogrando la idea. Más que a la juventud, uno prefiere echar un vistazo a los veteranos: Bruce Greenwood de villano, un William Sadler quasimodesco y el bueno de Steve Railsback añorando los tiempos en que veía a Mathilda May en pelotas en Lifeforce (El “Star Wars de los ochenta” decían Golan y Globus en la publicidad. Jojojo).

AGÁCHATE, MALDITO (Giú la Testa, Sergio Leone, 1971) Para muchos, “la peor” de Sergio Leone y es comprensible. Sin embargo, aunque quede a considerable distancia de sus hitos anteriores, tiene un buen número de set-pieces que compensan sus defectos: Juan (un inadecuado Rod Steiger en un papel en principio pensado para Eli Wallach) siendo humillado y atracando un carruaje de ricachones racistas, la presentación del revolucionario del IRA que encarna un gran James Coburn, el dúo estelar acabando con todo un ejército y volando por los aires un puente, los fusilamientos “goyescos”, algunas de las explosiones más contundentes jamás vistas, los trucajes con maquetas de trenes volando por los aires cortesía de Antonio Margheriti, un villano como sacado de las mejores películas sobre nazis (lo que permitió más de una lectura política, aparte de las revolucionarias), Steiger y su terrorífico descubrimiento en la gruta, una banda sonora sorprendente y hermosa de Morricone y el progresivo descenso desde la óptica cómica del principio hasta el trágico final nocturno, que prefigura Érase una Vez en América sustituyendo el opio con el que De Niro ensoñaba con un canuto con el que uno de los dos protagonistas se verá en el cielo con sus dos seres más queridos.

DRIVE (Nicolas Winding Refn, 2011) El Michael Mann más ochentero y el Walter Hill de The Driver han tenido un hijo y las gotitas del semen estaban impregandas de Tangerine Dream, Giorgio Moroder con los sintetizadores renovados y del espíritu del Vivir y Morir en Los Angeles de William Friedkin. Podría seguir buscando más referentes, pero de momento esos son los más importantes. En la era del CGI, del cine "neng", de los diosecillos entronizados de efímero reinado y de la falta de alma en el cine, llega un danés gafotas que, bebiendo de ricas y buenas fuentes (referidas con ironía por el personaje de Albert Brooks cuando recuerda su pasado de productor de cine de acción "arty"), no se propone reinventar argumentalmente el género, sino hacer un ejercicio de estilo sobre sustancia recordando ese tipo de cine...mientras logra el milagro de que parezca algo absolutamente novedoso.

Y ahí es donde entra el ESTILO. Un estilo del tamaño de la Catedral de Santiago donde una fotografía de Newton Thomas Siegel inundada de neón, iluminación azulada nocturna prodigiosa y gusto estético, una banda sonora hipnótica cortesía de Cliff Martinez y el grupo Kavinsky con los referentes arriba enunciados, un impecable montaje de Matthew Newman de una claridad impecable y un sonido digno de estudio (ejemplo claro: el atraco con Standard, la espera en el coche cronómetro en mano, el silencio y...el disparo. ¡Qué bote en la sala!) se unen para atrapar al espectador.

Qué curioso que, no siendo éste un film de acción típico "a lo Bruckheimer", acabe conteniendo las mejores escenas de "tiros, hostias y persecuciones" vistas en mucho tiempo. Da igual que sean breves: Por fin escenas de coches a toda hostia, embistiéndose y dándo vueltas de campana sin trampas, trucos ni cartones, aparentemente: Habría, en todo caso que pillar el Blu-Ray (compra justificadísima en este formato para poder apreciar el trabajo hecho en el film) para comprobarlo. Por fin escenas de disparos contundentes, de purito gore (porque aquí la sangre corre...y mucho. Y con tajadas que "no duelen"). Aviso para mentes políticamente correctas: de las hostias no se libran ni las "víbroras".

Un reparto magnífico con Brooks, Ron Perlman, Oscar Isaac de maridito y que, por fortuna, evita los clichés que su personaje ofrecía (celos y enfrentamiento con el conductor y tal), una deliciosa Carey Mulligan, la ciudad de Los Angeles, el mondadientes y los coches que encabeza un Ryan Gosling carismático a rabiar como "hombre sin nombre" del Siglo XXI ayuda a redondear la historia de un solitario del que poco sabemos en busca de un hogar, el "calor humano" y que encuentra su efímera felicidad en una chica y su hijo. Suya es, por cierto, la escena del año: ella, una bofetada, un ascensor, un matón, un estrechamiento de manos, un beso al ralentí (que aprenda otra gente cómo se usa este recurso como Dios, Buda, Alá o Seagal manda), una llave, un aplastamiento de cabeza vía "patapum p'abajo", un ascensor que se abre, un cruce de miradas, la bestia, la bella. Ella.

"LA PUERTA DEL CIELO": The good gone days

2011-12-30T07:11:00.000-08:00

Esta reseña contiene spoilers.

La Puerta del Cielo es la historia de un amanecer y una puesta de Sol. Concretamente, el periodo de tiempo que transcurre entre que Jim Averill (Kris Kristofferson) se gradúa en Harvard hasta su soledad en un yate. Las ilusiones de juventud, de amor y de fe en un país hechas añicos a tiros y explosiones. “Recuerdas los buenos tiempos?”, le pregunta su viejo amigo y bufón alcoholizado William Irvine (John Hurt). “Más claro y mejor, conforme voy haciéndome viejo”, le contesta Averill. Es en esos viejos y buenos tiempos donde cruzaba miradas cómplices con una hermosa chica (Rosie Vela), símbolo perfecto del sueño americano en general y de sus ilusiones en particular que en principio no parece relevante en la historia. Donde escuchaba los discursos bienintencionados del Reverendo Doctor (Joseph Cotten) sobre cómo la juventud (mejor dicho, los nuevos aristócratas de Estados Unidos) podía, con su influencia, ejercer la educación de una nación. Si hasta los compañeros del Reverendo emiten bostezos maldisimulados al oír sus palabras, imaginen lo que pensarán sus alumnos. Es mucho mejor bailar al son del “Danubio Azul” de Strauss con chicas guapas, y si es con la chica de la que te has enamorado, mucho mejor. Todo esto lo vemos en unas escenas donde la prodigiosa cámara de Vilmos Zsigmond va acompañando a las parejas de baile con gracilidad y energía. Tras una metafórica pelea entre estudiantes para conseguir una corona de flores en lo alto de un árbol y en donde se dan puñetazos y agarrones para conseguirla, toca cantar a las chicas con la única iluminación nocturna de las velas. “Tres hurras por nuestra querida patria”. Cimino, como con El Cazador (The Deer Hunter, 1978) en ese celebrado momento en el que se produce un corte de montaje que nos lleva del bar de los amigos a Vietnam, nos lleva del Este al Oeste 20 años después, en 1890, donde los inmigrantes europeos habitan en esa “Heaven’s Gate” llamada América.

A partir de ahí y hasta casi la segunda hora de metraje, tenemos tiempo de sobra para ir conociendo a los personajes, el paisaje, la trama de la Asociación de Ganaderos liderada por Frank Canton (Sam Waterston) para quedarse con las tierras de los inmigrantes acusándoles de anarquistas y ladrones, contratando un grupo de mercenarios para liquidarlos lista negra mediante y contando con la aprobación de los poderes fácticos, presidente de los Estados Unidos incluido. Para ir abriendo boca, la soberbia presentación de Nate Champion (Christopher Walken comenzando a interpretar a tipos turbios, aunque éste tenga su corazoncito), asesino a sueldo de la Asociación. Un inmigrante preparando la carne con sábanas rodeándolo. Vamos viendo poco la poco la sombra de Walken y el pobre inmigrante preguntando quién es. No hay respuesta. Vemos la silueta de Walken manejando un rifle…que va apuntando al inmigrante. “A la pieza hay que cobrarla de un solo disparo”, que diría Michael Vronsky. Un disparo, la ya viuda del inmigrante gritando como una posesa y vemos a Walken alejándose mediante el boquete que dejó en la sábana.

Ya en Casper, Wyoming, nos encontramos en una ciudad del Oeste. Literalmente. Cientos de caballos, extras, transeúntes, etc. mucho antes de ordenadores y CGI, dando la impresión de que “nos encontramos allí”, gracias en parte al perfeccionismo de Cimino y en parte al magnífico hacer del equipo técnico. Tras el triste reencuentro del sheriff Averill con su compañero de juventud y chistes y ahora acabado Irvine, los recuerdos sobre “los viejos buenos tiempos”, conocer los planes de la asociación y poner firme a Canton hostiazo mediante, toca intentar relajarse antes del estallido de la tragedia. Mientras bebe, John L. Bridges (Jeff Bridges encarnando a un antepasado real suyo) le suelta una frase demoledora: “Es peligroso ser pobre en este país”. Antes de que los inmigrantes conozcan lo que les espera, que se diviertan por un día. Averill va a ver a su amorcillo, Ella Watson (una Isabelle Huppert más hermosa que nunca y de cuerpo presente en todos los aspectos), una madame francesa que regenta su burdel cobrando en metálico o con ganado. Entre pasteles hechos con más voluntad que acierto y regalos de calesas, llegan los instantes más felices de la película. Viaje al poblado para que todo el pueblo la vea, un baño a la luz del sol y el gran baile sobre patines. Posiblemente lo más celebrado de la película, con una partitura contagiosa de David Mansfield (el violinista cejijunto) y casi todo el poblado bailando con alegría (¿Por qué Cimino no se animó a rodar un musical, si muchos de los mejores momentos de sus películas vienen de los bailoteos?). Más pobre que 20 años ha en Harvard, pero mucho más animado. Averill y Ella quedan solos y la banda toca para ellos un hermoso vals con la cámara de Cimino acompañando a la pareja.

Pero descubrimos que Ella también tiene un amante. Nate Champion. Averill y Nate no tardan en pelearse y Ella decide quedarse con Nate. “Tú me compras cosas, él me ha pedido que me case”. Si Averill no la ha pedido en matrimonio, es porque quizás tiene a alguien esperándola en el Este. Llegan los mercenarios de la Asociación. A partir de ahí, comienza la escabechina con el jefe de estación Curly (Richard Masur) como primera víctima. Averill informa a los inmigrantes de los planes de la Asociación y procede a leer los 125 nombres de la lista negra. Entre los nombres de esa lista está el del Ella. Casi todo el poblado en lo que parece ser un exterminio en toda regla. Ella es violada por tres mercenarios que se han cargado a las chicas del burdel en una escena incómoda como lo eran las partidas de ruleta rusa de El Cazador y es salvada a tiro limpio por Averill, que abate a dos de ellos. El tercero escapa, pero es rematado por un cabreado Champion, que renuncia a la Asociación. Será su sentencia para él y para su amigo Nick Ray (Mickey Rourke, descubierto para el cine por Cimino en un papel de nombre de homenaje claro), freídos a balazos los dos en una escalofriante ensalada de tiros, no sin que antes Champion deje una nota de despedida a Jim Averill y Ella.

El poblado se rebela contra su alcalde (Paul Koslo), quien antes decide retirar sus honores al sheriff Averill y va a enfrentarse a la Asociación en una batalla condenada de antemano. La batalla final es un puro caos de polvo, humo, muertos, caballos y carruajes que caen. Averill llega tras vacilar mucho y pensar si marchar de la zona para luchar con la gente a la que debe proteger. Canton huye para avisar al Séptimo de Caballería. Averill adopta una estrategia de los Romanos con barricadas hechas de madera y con ruedas. Muchísimas explosiones. Llega el Séptimo de Caballería justo a tiempo para rescatar a los de la Asociación. El Danubio Azul que 20 años antes sonaba con toda la fanfarria de una orquesta ahora es el lamento de una guitarra mientras vemos el suelo lleno de cadáveres de los inmigrantes con John Bridges lamentándose y asistiendo impotente al suicidio (muy realista) pistola en boca mediante de una inmigrante destrozada al tiempo que Averill se aleja solitario de la zona. Sopla el viento arrastrando polvo, como si quisiera borrar de los libros de historia la escabechina.

Averill se dispone a marchar con Ella con la ayuda de Bridges. Inesperadamente y con el sonido a todo volumen, una lluvia de disparos abate a Ella y John, pero Averill consigue acabar con Canton y sus secuaces menos a uno que huye a caballo. Un desconsolado Jim llora con el cadáver ensangrentado de Ella en sus brazos, recordando a Michael y Nick al final de El Cazador. 13 años después en Newport nos encontramos con un avejentado Averill en su yate y con la chica del comienzo de Harvard, ahora una sombra de sí misma. El símbolo perfecto de las ilusiones de juventud hecho trizas. La “mujer de Averill” le pide un cigarrillo, que Averill le da con parsimonia. Averill abandona el salón del barco para contemplar la puesta de Sol. Fundido en negro. Créditos.

Así es La Puerta del Cielo en su versión de 214 minutos (lástima que en España esté sólo comercializado el re-montaje de 143 minutos). Cuando acaba la película, el espectador tiene la impresión de que realmente ha estado en el Wyoming de 1890. A esta impresión contribuye la labor sobre todo de un Vilmos Zsigmond inspirado en fotografías de la época con un gran trabajo de iluminación utilizando un tono amarillento para los exteriores soleados y la luz de las lamparillas antiguas en las escenas en interiores nocturnos. Todo el dinero que se gastó se invirtió en el aspecto artístico, donde brillan vestuario y decorados ultrarrealistas y hechos con un perfeccionismo a lo Kubrick que sería lo que condenaría finalmente a un Michael Cimino sobrado en entusiasmo, megalomanía y ambiciones que ahogan la narrativa y usa mucho metraje para contar lo que puede resumirse en 100 minutos. Pero cómo rueda todo: Con unos movimientos de cámara con grúa aún hoy impresionantes para los momentos épicos y bebiendo de fuentes diversas como Kurosawa o Eisenstein (la madre con el niño en brazos Potmekiniana en plena batalla) para las escenas de batalla, Visconti (No es de extrañar que en su lista de autores predilectos siempre mencione su nombre) para ilustrar la decadencia y lujo de los ricos de América o John Ford y los viejos maestros para mostrar la belleza de los paisajes de Wyoming (aunque se rodó en Montana)

La segunda parte de una trilogía sobre América y la inmigración situada entre El Cazador y Manhattan Sur (Year of the Dragon, 1985), repleta de estallidos de violencia brutal, composiciones preciosistas en scope, ambigüedad en el comportamiento de sus personajes, un reparto de lujo donde brilla con luz propia una Huppert que rara vez estuvo más hermosa y una banda sonora a recuperar de David Mansfield con instrumentos de la época que poco a poco va recuperando prestigio después de ser masacrada por la crítica y público norteamericano de la época, unos posiblemente por ojeriza a Cimino y los otros por esperarse encontrar con David Lean en el oeste o bien un carrusel de tiroteos y escenas espectaculares. Un producto de los 70 estrenado justo cuando Reagan comenzaba su mandato. Al mismo tiempo, el auge y caída del “Nuevo Hollywood” de la generación de los 70.

"LA MATANZA DE TEXAS" para Ultramundo

2011-12-28T06:33:00.000-08:00

Con esta reseña de este clásico del terror setentero culmina mi aportación a este especial "slasher". En la foto, un Tobe Hooper relajándose en el "divertido" rodaje de la película.

Trate de arrancarla (la sierra) AQUÍ.

"PESADILLA EN ELM STREET 5" para Ultramundo

2011-12-23T13:45:00.000-08:00

Esta vez toca repartir palos para una de las peores secuelas de la saga. Alguna que otra virtud tiene, pero no bastan para dar el aprobado. El personaje estaba muy quemado.

Razones aquí.

"PESADILLA EN ELM STREET 4" para Ultramundo

2011-12-19T10:43:00.000-08:00

O de cómo una saga se fue al garete por culpa de los mandamases de la New Line Cinema, a saber: Robert Shaye y Rachel Talalay. Eso sí, el que mantiene la película despierta es el entrañable Renny Harlin, señor al que siempre tuve un cariño especial por ser ésta una de las películas que más me impactó de crío. Lo malo de ir madurando a base de ver cine es que uno va siendo más consciente de los fallos de las películas al tiempo que se es más puntilloso a la hora de reseñarlas.

Una reseña con garra AQUÍ. De propina, los Fat Boys cantando el rap de Freddy. Señal evidente de que el personaje empezaba a ser objeto de cachondeo más que de miedo.

"HELLRAISER" para Ultramundo

2011-12-14T11:39:00.000-08:00

Si no actualizo apenas el blog no es por vagancia ni mucho menos, sino porque mis obligaciones me impiden tener tiempo para postear con más regularidad. Eso sí, les doy buena noticia: A mediados de la semana que viene tendré vacaciones y más tiempo libre para comentar películas por aquí. Y, por qué no, retomar la sección de "La Semana más Larga" que quedó en interrupción debido justamente a estas obligaciones. Cosas de volver a los libros, aunque uno no pare de ver cine y andar por el Facebook del blog.

Continuando el especial "slasher", un título justamente mítico por el que la dueña de mi videoclub habitual ya extinto me preguntó por tres veces si estaba seguro de que me la quería llevar. Alquilar esta película en VHS en mi niñez es lo que tuvo.

Para leer la reseña, pinche (Je. Je. Je.) AQUÍ

"PSICOSIS III" para Ultramundo

2011-12-05T15:48:00.000-08:00

Continuando el especial "slasher", aquí tienen mi nueva reseña. Aunque pongo en duda su tagline, tiene su encanto. Nunca olvidaré el mal rollo que me daba la carátula del VHS de crío en el videoclub.

Para entrar y dejar parte de la felicidad que llevan consigo en el Motel Bates, hagan clic aquí.

"SCREAM 4" para Ultramundo.

2011-11-29T13:51:00.000-08:00

Mi nueva colaboración con Ultramundo es la primera de cuatro reseñas que corren por mi cuenta dedicadas al género slasher en un mes dedicado al terror en sus formas más variadas. Huelga decir que es un especial terrorífico con pesos pesados firmándolo que yo que ustedes no me perdería. De momento empiezo por la cuarta (y pinta que última) entrega de las andanzas de Ghostface, explicando un poquito por qué se resucitó la saga cuando en teoría debería haber sido trilogía para a continuación contar si merece o no la pena el retorno de Craven/Williamson a Woodsboro.

Para saberlo, tan simple como hacer clic AQUÍ.

"VIDOCQ" para Ultramundo

2011-11-17T05:56:00.000-08:00

Si en mis dos anteriores colaboraciones para Ultramundo hablé de dos buenas películas, esta vez es el turno de un bodrio desaprovechado. Qué desperdicio, salvo el cuerpo serrano de Doña Inés.

Pueden leer el porqué considero que esta película es mala aquí.

"RISKY BUSINESS": Aprende algo

2011-11-05T10:16:00.000-07:00

Paul Brickman era un guionista oriundo de Chicago que deseaba dar el salto a la dirección. Entre sus créditos como guionista figuraban películas como The Bad News Bears in Breaking Training y Handle With Care, ambas de 1977 y acababa de salir de una buena pelea con William Friedkin después de que el director cambiase de arriba abajo su guión El Contrato del Siglo (Deal of the Century, 1983) con la ayuda de un Robert Towne no acreditado. El muy mediocre resultado de la cinta de Friedkin dejó desanimado a Brickman, que acababa de firmar un guión sobre un joven estudiante que queda solo en casa mientras sus padres se van de vacaciones y que por vicisitudes varias acaba montando un burdel en su casa. Ninguna productora quiso el guión, pero el avispado magnate musical David Geffen olió que el guión podría ser la primera película que pondría en marcha su recién creada Geffen Pictures, que dependía de Warner Bros. Aceptó el guión y Brickman y su socio Jon Avnet empezaron a trabajar en Risky Business.

El casting dio muchos quebraderos de cabeza a Brickman y Avnet. Se hicieron pruebas a unos jovencísimos Tom Hanks y Nicolas Cage para el papel de Joel Goodson, pero la primera oferta en firme que hicieron a un actor fue a Timothy Hutton, quien rechazó el guión. Finalmente el elegido fue Tom Cruise, quien acababa de hacer papeles secundarios en T.A.P.S, Más allá del Honor (T.A.P.S., Harold Becker, 1983) y Rebeldes (The Outsiders, Francis Ford Coppola, 1983) y que venía de protagonizar Ir a Perderlo y Perderse (Losin' It, Curtis Hanson, 1982). Para el papel de la prostituta Lana se contactó con Kim Basinger, pero dio calabazas a Brickman. Años después, la rubia sex-symbol se arrepentiría de su decisión. El propio Tom Cruise durante el rodaje de Rebeldes intentó que Diane Lane hicera una prueba, pero los padres de la actriz se negaron a que su hija interpretase a una "puta de veintitantos años". La elegida al final fue la desconocida Rebecca De Mornay, figurante en Corazonada (One From The Heart, Francis Ford Coppola, 1982) y que hacía su debut en esta película. El resto del reparto fue completado por el posteriormente famoso Joe Pantoliano como el chulo Guido, Bronson Pinchot como el amigo de Joel Barry, Curtis Armstrong como su otro amiguete Miles o Richard Masur como el entrevistador.

Una vez comenzado el rodaje, las anécdotas más jugosas vinieron cortesía de Tom Cruise. El futuro cienciólogo tuvo que adelgazar varios kilos para después comer alimentos grasientos y así tener un look de adolescente más convincente. Para la famosa escena del baile en calzoncillos, el guión simplemente señalaba que "Joel baila al ritmo de Old Time Rock n' Roll de Bob Seger". Brickman le dio libertad absoluta para hacer el baile como quisiera. Afirmaba Bronson Pinchot muchos años después que el actor, sin que viniera a cuento, hacía declaraciones y frases homófobas del tipo "Hace un buen día, me alegro de que no haya gays por aquí" o "En caso de que no haya gays por aquí...¿Te apetece un helado?" (¡?). Bastante más química tuvo Cruise con Rebecca De Mornay, tanta que acabaron siendo pareja durante el rodaje y tras el mismo. Algo más tenso estuvo el ambiente en la sala de montaje a cuenta del final de la película. Mientras que Brickman quería uno pesimista (Joel no entra en la universidad y se pregunta junto a Lana que será de ellos en el futuro), David Geffen optaba por el que finalmente acabaría reflejado en la pantalla. No sería hasta la llegada de la Edición Especial en DVD y Blu-Ray cuando se pudo ver lo planeado originalmente por Brickman.

Risky Business tuvo un presupuesto estimado de 6.200.00 $ y se estrenó el 7 de agosto de 1983. Contra todo pronóstico, acabó siendo un taquillazo con 63.000.000 $ recaudados en suelo USA. La imagen de Cruise sonriente con sus gafas de sol se convirtió en una de las imágenes más características del cine "ochentero" y huelga decir que la película fue el primer taquillazo de su protagonista, que con la posterior Top Gun (Tony Scott, 1986) se convertiría en el rey de la taquilla en Hollywood y en genio de los negocios. Rebecca de Mornay tuvo su boom en los 80 y parte de los 90 para después caer en el olvido, motivado por fracasos varios y la temida para las actrices de allende los mares "edad de los 40 años", que provoca que los productores opten por actrices jóvenes para sus películas y dejen de contar con las de edad madura. Pero el caso más digno de estudio fue el de Paul Brickman. Todo parecía indicar que tendría una carrera envidiable, pero tardaría siete años en ponerse de nuevo tras las cámaras con Los Hombres no Abandonan (Men Don't Leave, 1990). Y ahí, prácticamente desapareció. Su nombre solo se volvió a ver en los créditos del guión de Ejecución Inminente (True Crime, Clint Eastwood, 1999) y en la TV-Movie dirigida por su amigo Jon Avnet Rebelión en Polonia (Uprising, 2001). Hay algunas conjeturas en Internet, como que se cansó de Hollywood y sus ejecutivos y se retiró. Otros señalan que en la actualidad ejerce como script doctor para aquellos guiones que estén llenos de problemas. Pocos parecen querer que realice un comeback a lo Malick.

Es curioso como mucha gente mete a Risky Business en el mismo saco de los Porky's, cursos excitantes y demás comedias adolescentes gamberras cuando no tiene nada que ver con estas. Tras esa fachada de film teenager al uso se esconde una cinta más inteligente, madura, oscura y ácida de lo común que diferencia a la película de otras coetáneas suyas. Un Tom Cruise que no volvió a estar tan natural como aquí acaba siendo un pariente lejano del Benjamin de El Graduado (The Graduate, Mike Nichols, 1967), bordando a ese Joel Goodson inocentón que irá "aprendiendo" más de cuatro cosas sobre la vida con la ayuda de la prostituta Lana (magnífica Rebecca De Mornay), un personaje positivo pero sin incurrir en el tópico de la "prostituta con el corazón de oro". Soberbia su presentación por cierto, llegando a la casa de Joel con el viento soplando y desvirgando al protagonista a cámara lenta mientras suena la fascinante banda sonora de los Tangerine Dream.

Aunque la película sea "hija" de su época a la vista de su estética, vestuario y selección musical, con una magnífica selección de canciones a cargo de Talking Heads, Prince, Phil Collins, Jeff Beck, etc., no es menos cierto que Brickman dirige con un estilo exquisito y, por momentos, arty (el coito en el metro con el "Love on a Real Train"). Algunas reseñas incluso apuntan a que si Michael Mann hubiera rodado una comedia teen, el resultado sería esta película. Nada descabellado, a juzgar por la fotografía de "neón" de las escenas nocturnas cortesía de Bruce Surtees y Reynaldo Villalobos, un gran gusto a la hora de componer ciertos planos o la persecución en coche entre los protagonistas y Guido el chulo asesino. Todo esto para crear una lúcida parábola sobre el capitalismo en los tiempos de Reagan más efectiva que titulos del cine "social" con pretensiones que, de propina, sirve en bandeja uno de los más sabios consejos que uno pueda recibir: En la vida, a veces hay que saber decir "¡Qué coño!"

Risky Business está disponible en DVD y Blu-Ray. Este post es una extensión corregida, mejoradísima y aumentada de esta minireseña que apareció en el antiguo blog.

"DANZAD, DANZAD, MALDITOS" para Ultramundo

2011-11-01T06:17:00.000-07:00

Mi segunda colaboración para Ultramundo versa sobre el primer gran éxito de Sydney Pollack, aquella lejana They Shoot Horses, Don't They? con la que empezó una carrera triunfal en Hollywood en líneas generales y que vista 42 años después de su estreno, sigue siendo una de las mejores películas de su director.

Para leer sobre la película, hagan clic aquí.

"LA COSA" para Ultramundo

2011-10-31T04:26:00.000-07:00

Si echan a faltar la sección de "La Semana más Larga" se debe básicamente a mi falta de tiempo para ver películas por asuntillos personales, aunque los Viernes, fines de semana y algún día suelto que otro sí que puedo ver cintas. Intentaré retomarla en cuanto el tiempo me lo permita. En otro asunto: Comienzo a colaborar para Ultramundo y podrán leer reseñas firmadas por mi. Para mi debut, un plato fuerte aprovechando, por un lado, el estreno de la precuela y, por otro, aprovechando que tenemos la fiesta de Halloween ya mismo: John Carpenter's The Thing. En un terreno sentimental, la primera vez que tuve constancia de su existencia fue anunciada por la tele a principios de los 90 (probablemente para aquel legendario "Alucine" de La 2). No la llegué a ver hasta que la alquilé en VHS. En la parte trasera de la carátula venía como foto la que ven arriba: Rob Bottin en pleno rodaje y pasándoselo en grande. En el post podrán leer anecdotario y reflexiones varias sobre la cima Carpenteriana. Si ya han visto la película, poco nuevo les voy a contar que no sepan ya. Si no, corran a verla.

Para leer sobre La Cosa, hagan clic aquí.

Louise Brooks: Lulu on the Tightrope (4): Pandora inmortal

2011-10-29T02:37:00.000-07:00

Louise Brooks acabó su periplo por Europa cosechando más fracasos que éxitos, por lo que no tardó en volver a su odiado Hollywood. Claro que las cosas no eran ya las mismas que cuando marchó de allí ¿Recuerdan que al final del primer post les hablé de una película que acababa de rodar llamada The Canary Murder Case? Aquella se había rodado en principio como una película muda. En 1927 llegó la revolución del cine sonoro con El Cantor de Jazz. Una de las consecuencias de esta novedad técnica que arruinaría carreras ancladas en el mudo fue que muchas películas mudas se convirtieron en sonoras doblaje mediante o rodando nuevas escenas. Paramount Pictures llamó a Brooks para que se metiera en la cabina de doblaje para doblar diálogos. La respuesta de Brooksie: "Iros a la mierda". Huelga decir que otra actriz tuvo que doblar los diálogos (penosamente) y que la Brooks acabó como persona non grata en todo Hollywood.

Las cosas se pusieron muy feas para Brooks. Los papeles no llegaban. Su última oportunidad para lograr de nuevo el estrellato perdido fue un papel co-protagonista al lado de James Cagney en El Enemigo Público Número 1, que dirigía William Wellman y que le ofreció ex-profeso tras su experiencia en Mendigos de Vida. Pero Brooks rechazó el papel para estar más tiempo con George Marshall y porque ya estaba cansada del mundo del cine en general y de Hollywood en particular. La rubia platino Jean Harlow consiguió el papel y la fama. A partir de ahí comenzó su declive en películas de ínfima categoría, de las que destacaremos dos: El corto Windy Riley Goes to Hollywood, que dirigió un tal William Goodrich, que no era sino un pseudónimo de otro ilustre blacklisted, Roscoe "Fatty" Arbuckle y Overland Stage Riders, western de serie B que protagonizó un tal John Wayne y en donde Brooks llevaba un pelo largo que la hacía irreconocible hasta para los pocos que se acordaban de ella. Tras este film, Brooks puso punto final a su carrera. George Marshall la dejó y se acabó el periodo de vacas gordas.

Brooks comenzó así un via crucis que duró muchos años. Sus problemas con el alcohol que arrastraba desde adolescente y que se agudizaron en sus peores momentos, trabajos en unos grandes almacenes por 40 dólares semanales y de prostituta de lujo, un intento de abrir una academia de baile en su Cherryvale natal y una paga mensual de uno de sus ex-amantes (William Paley, fundador de la CBS) que la dieron para ir tirando fueron su pan de cada día hasta mediados de los años 50. Cuando el experto en cine James Card descubrió su paradero en Nueva York en los años 50, la convenció para irse a vivir a Rochester, donde residía. Card jugó un papel importante en la reivindicación de su figura y películas y los críticos franceses reivindicaron su figura mediante exhibiciones de sus películas. Cuando Brooks visitó la filmoteca francesa con motivo de una retrospectiva sobre los 60 años que llevaba el cine de vida, una inmensa foto suya presidía la sala principal y su presidente Henri Langlois se le tiró a sus pies exclamando: "Ni Garbo ni Dietrich...¡Louise Brooks sólo hay una!". Y de esta manera comenzó el culto a Brooks hasta nuestros días.

Louise Brooks falleció en 1985 siendo una reputada escritora sobre cine mediante artículos varios, recopilados en el libro Lulú en Hollywood y convertida en un icono. Quien tenga más curiosidad por la figura de Louise Brooks encontrará un montón de webs dedicadas a su memoria y con material impagable en forma de artículos de la época y fotografías de todo tipo como las que han podido ver por los posts. Igualmente podrán encontrar por esos mundos de Internet un par de documentales imprescindibles, entre ellos Lulú en Berlín (entrevista a Brooks a mediados de los 70 donde se nota que los años no pasan en balde pero que aún conservaba su lucidez e inteligencia) y Looking for Lulu, narrado por Shirley MacLaine y con multitud de expertos y admiradores prestando testimonio. Guido Crepax reconoció abiertamente su inspiración para su mítica Valentina en el look de Brooks, cosa que a la actriz le encantó hasta el punto de mantener correspondencia con Crepax. Y para acabar, un detalle. En Julio del 2009 se proyectó La Caja de Pandora en un cine de Los Angeles con capacidad para 2.000 personas. Se colgó el cartel de "no hay billetes".

Louise Brooks: Lulu on the Tightrope (3): Pandora por Europa

2011-10-14T09:20:00.000-07:00

Pese al fracaso de La Caja de Pandora, Pabst y Brooks volvieron a colaborar en Tres Páginas de un Diario, adaptación de una novela polémica de Margarete Böhme en una trama en la que Brooks interpreta a Thymian Henning, la hija de un acaudalado farmacéutico que es seducida por su ayudante (Fritz Rasp, visto en Metrópolis y La Mujer en la Luna, ambas de Fritz Lang) y del cual tendrá un hijo no deseado. Como se niega a casarse, es expulsada de su hogar y enviada a un reformatorio femenino. En este momento del relato no debe faltar una directora de reformatorio rígida y malvada ni un ayudante bruto y malote. Con la ayuda de otra interna logra fugarse y, entre otras cosas, habrá reencuentro con papá (no así con su hijo), la Brooks hará gala de sus dotes para el baile en un burdel de lujo y se enamorará de un conde desheredado.

Como pueden ver, todo un argumento de telenovela mala elevado a los altares por Pabst y, sobre todo, su protagonista. Pabst sorprende a los espectadores de la época (y a los de la actual) tratando temas como la hipocresía de la sociedad y el sexo con franqueza insólita. Y, otra vez más, Brooks hace una gran interpretación con su naturalidad alejada de histrionismos propios de sus actrices contemporáneas. No hay duda de que la cámara la amaba y viceversa. Muy probablemente con otra actriz hubiera sido un film menos redondo. Quizás algún que otro personaje sea excesivamente caricaturesco (el ayudante calvo, alto y fornido del reformatorio) pero no deja de ser un mal menor.La película sufrió muchos recortes de censura, fue otro fracaso y Pabst y Brooks acabaron su legendaria colaboración mutua. Aunque esto no fue del todo cierto.

Precisamente Pabst volvió a ofrecer a la actriz una historia hecha a su medida. En este caso la de Lucienne, una tipista francesa que decide presentar sus fotos al certamen de Miss Francia resultando ganadora y poco después presentándose a Miss Europa, en un certamen que se celebrará ni más ni menos que en San Sebastián. El codiciado título de Miss Europa acabará siendo suyo, cosa que no causará ni pizca de gracia a su celosón novio, que en cuanto la encuentra le pide que vuelva a su lado en Francia. La Brooks después de dudar, acepta volver con el pobre diablo para recibir poco tiempo después una oferta para currar en el cine y ser una estrella del celuloide.A partir de ahí comienza la tragedia. Aparte de Pabst, otro célebre realizador que metió mano al guión de Prix de Beauté (1930) fue René Clair, al que se le ofreció la dirección de la cinta para rechazarla, siendole ofrecida la silla de director al italiano Augusto Gennina. Éste contaría años más tarde en sus memorias que la afición por la botella de Brooks puso las cosas difíciles en el set de rodaje, siendo necesario llevarla literalmente a rastro al plató para rodar a sus escenas. Añadió, además, que de no ser por esos problemas se habría convertido en la actriz definitiva. La cinta en un principio se concibió como muda, pero con el auge del sonoro en Francia se decidió llevarla a unos estudios de doblaje para grabar diálogos. Decisión desacertada, porque el doblaje es chapucero y los diálogos en francés no encajan en absoluto con los interpretes. Es mucho más adecuado verla con subtítulos y el audio en mute.

Otra de las pegas que se le puede poner es que la historia es predecible al 100 por 100. Pero no se preocupen: Merece la pena ver la hora y media que dura la película sólo por Brooks. La labor de Genina tras la cámara es correcta y alcanza su plenitud con el comienzo en la playa francesa donde en clave documental vemos estampas cotidianas de una ciudad playera cualquiera y donde la Brooks se mueve como pez en el agua tonteando con otros hombres para disgusto de su novio (Georges Chalia, adecuado y con un rostro impresionista que le va perfecto a su papel). Todo esto con un montaje de imágenes más acelerado de lo habitual y una cámara inquieta. El director de fotografía es otro nombre conocido: Rudolph Maté, que vuelve a hacer un gran trabajo. Pero el motivo por el que se recordará Prix de Beauté es por su final, que destripo a continuación: Brooksie está en la oscuridad de la sala de cine viendo sus primeras pruebas de cámara. Hasta el cine la ha seguido su novio paranoico y celoso perdido con un revólver. Consigue colarse en la sala. Ahí ve a Brooks contemplando fascinada su propia imagen en la pantalla al lado de un rico pretendiente. El novio aprieta el gatillo. Brooks es herida de muerte y no tarda en expirar ante la mirada desesperada del pretendiente. La película sigue proyéctandose en el cine, quedando la desdichada inmortalizada para siempre en la pantalla.

Historia del cine. El próximo post, la decadencia y resurrección.

LA SEMANA MÁS LARGA (26-02/09-10)

2011-10-03T13:01:00.000-07:00

MERDE (Leos Carax, 2008) El regreso de Leos Carax tras las cámaras después de Pola X y el mejor segmento, con mucha diferencia, del tríptico Tokyo! donde aportaron episodios Michel Gondry y Boon Joon-Ho. Un monstruo que odia a la humanidad y que ama al mundo que la lía parda por las calles de Tokyo en un plano secuencia de antología y que va a granadazo limpio una buena noche es juzgado, defendido por un abogado francés que es una de las tres únicas personas que habla el idioma del monstruo y condenado a muerte. Pero en la ejecución… Denis Lavant borda al decididamente entrañable monstruo, que no es sino el propio Carax, incomprendido y solo perdido en su propio lenguaje en un mundo que ama (el cine) pero en el que odia a los que lo llevan (los financieros). Lástima que no se materializase el proyecto, que realmente existió, de expandir las aventuras de Merde en largometraje allá por USA (Kate Moss iba a ser su “amada” a lo “Bella y Bestia”), como se promete al final del segmento.

VAMP (Richard Wenk, 1986) Una ochentada de tomo y lomo cortesía de la entrañable New World Pictures donde, a pesar de que su nombre e imagen son bien visibles en el poster, Grace Jones es desaprovechada durante buena parte del metraje. Un par de adolescentes buscan strippers para sus colegas de la universidad y, con la compañía de un joven chino cachondo, acaban en otro mundo y, lo peor de todo, en un local de striptease frecuentado por vampiros. Pese a sus deficiencias y el desaprovechamiento de la interprete de la mejor versión de “La Vie en Rose” de la historia (llega un momento que desaparece del metraje), la cinta acaba agradando por su sentido del humor, su look y fotografía inequívocamente “eighties” y los momentos protagonizados por una Jones comehombres, rematada con una caracterización impagable cortesía de Keith Haring. Dedee Pfeiffer (sí; “hermana de…”) es la chica buena y Andy Warhol diseñó parte del mobiliario del local.

IP MAN (Wilson Yip, 2008) Primera parte de una trilogía sobre el creador del arte marcial Wing Chun y maestro de Bruce Lee que arrasó en Hong Kong y China y cuya secuela se estrenó el año pasado. Una producción épica de un inusual derroche de presupuesto y cuidado en los aspectos artísticos con un magnífico Donnie Yen en su salsa con unas peleas coreografiadas y rodadas perfectamente por Sammo Hung. Uno desearía que los 100 minutos de película fueran exclusivamente de Donnie Yen repartiendo hostias a los “diablos japoneses”, pero tenemos de propina una historia de redención digna de los clásicos de artes marciales de los 70 que inevitablemente es comparada con aquella igualmente recomendable Fearless con Jet Li. En la siguiente película, Bruce Lee hace acto de presencia, cosa que en esta no.

COMANDO TXIKIA: MUERTE DE UN PRESIDENTE (José Luis Madrid, 1976): Cuatro cosas por las que la película pasará a la historia española del cine: Fue la primera película en tratar el tema de ETA; fue la primera película en tratar el asesinato de Carrero Blanco; Se oye la voz verdadera de Paul Naschy/ Jacinto Molina en el comienzo (haciendo un llamamiento al diálogo) y al final de la película (agradeciendo a la Policía la información para hacer la película); Y nuestro licántropo nacional y Juan Luis Galiardo hacen de improbables etarras. Sí. Paul Naschy y Juan Luis Galiardo de etarras. El director José Luis Madrid, cual William Friedkin pobretón, intenta dar un tono de “cinéma verité” a la preparación del magnicidio pero la película no acaba de cuajar por su indefinición ideológica e intento de objetividad (un tono ligeramente laudatorio en el prólogo sobre la vida de Carrero Blanco para que los franquistas no se cabreen y unos etarras “con corazoncito” para que los abertzales tampoco se pongan furiosos; Ni héroes ni villanos, vaya, que estamos con la Transición en pañales y la cosa está tensa en el país) y su progresivo desinterés. Maquetas y cochecitos de juguete servirán para recrear el histórico “vuelo sin motor” mientras Gillo Pontecorvo esperaba para hacer su Operación Ogro. Pese a la temática y época de estreno, fracaso total y amenaza de bomba en un cine de Barcelona. No sería el último movidón político de Naschy (véase la reivindicable El Francotirador)

JUMPER (Doug Liman, 2008) Una nadería que debió tener una postproducción más entretenida que la película en sí, a juzgar por la cantidad de guionistas que pasaron por allí (David S. Goyer entre ellos) y la escasa duración de 80 minutos sin contar créditos finales. Destinada al público teenager y “neng” y protagonizada por un antídoto contra el carisma llamado Hayden Christensen, el único fuerte de la cinta son las peleas entre “jumpers” desafiando al espacio rodadas por un Doug Liman desperdiciando su crédito y ver a Henry Lee Lucas (Michael Rooker) de padre alcoholizado del prota. Sosería, vacaciones en Roma, Samuel L. Jackson con el pelo platino cobrando el cheque, Diane Lane que pasaba por allí y Billy Elliot haciendo lo que puede. Tiene un pase en una tarde tonta y con el nivel de exigencia en estado muy abisal.

LA NOCHE DEL EJECUTOR (Jacinto Molina, 1992) Segundo intento tras El Aullido del Diablo por parte de Paul Naschy para resucitar su carrera, hecha polvo por la Ley Miró, declive en taquilla, cambio de gustos en el género fantástico por parte del público, etc. Con el género de justicieros urbanos a lo Charles Bronson en el punto de mira (en un guiño, dos macarras ven una película suya), Naschy interpreta a un pobre doctor al que, en el día de su 50 cumpleaños, cuatro macarras y una Marta Valverde "ChichaTatoyClodoveada" matan a su mujer, violan y matan a su hija y le cortan la lengua. Tras un entrenamiento a lo Rocky con música clásica pasada por sintetizador comprado en los 20 duros, comienza la venganza. Llena de diálogos cheli-inenarrables casi todos a cargo de los macarras (“las titis están dabuten”, “guay del Paraguay”, “vamos a montar un número que ni los de la Cicciolina esa”, “está más chutao que Ben Johnson”, “Hijoputón”) y con un reparto donde destacan las Valverde Sisters, la “recuperada” del destape Adriana Vega por la que siempre tuve una debilidad especial, Manolo Zarzo y Pepe “Avelino” Ruiz como fotógrafo gay (“¡pepinos arriba!”), la cinta se ve muy perjudicada por la falta de medios y abundancia de diálogos “whathefuck” pero consigue caer simpática por suponer un anacronismo en sí misma, por el gore pasado de vueltas y sin concesiones de algunos momentos (lenguas y genitales arrancados, un crío muerto de un disparo/petardazo) y por el evidente empeño puesto en Naschy para realizarla a pesar de tener todo en contra (presupuesto, coyuntura del cine español, las Valverde) aunque los resultados no acompañasen precisamente. No solo toma prestadas ideas del cine de justicieros: el villano de la función usa una mascarilla de oxígeno cual Frank Booth de Terciopelo Azul. Se rodó en 1989-1990 (en los créditos iniciales sale un cartelón de Arma Letal 2) y fue derechita al videoclub en 1992, justo cuando la moda Bronsoniana había pasado. Toda una rareza de nuestro cine disfrutable con el estado de ánimo adecuado donde Naschy se dobla a sí mismo su voz.

LA SEMANA MÁS LARGA (19-25/09)

2011-09-26T05:55:00.000-07:00

EDTV (Ron Howard, 1999) Una nadería anémica que remakeaba un film francés acerca de un reality show que sigue al personaje que interpreta McConaughey cual "Gran Hermano" que se estrenó poco después de "El Show de Truman". Escrita por dos desastres llamados Lowell Ganz y Babaloo Mandel (¡vaya filmografía!), Ron Howard dirige este anuncio de Pepsi estirado hasta las dos horas de metraje donde el único que conservó la dignidad intacta es Martin Landau. No se salva ni un Woody Harrelson necesitado de costo ni un Dennis Hopper mercenario como papá "con pasado". Estereotipos de todo pelaje, cameos de Michael Moore y Jon Stewart y el sempiterno Clint Howard pululan por un bodrio que fue el mayor hostiazo en taquilla de su director, quien no tardó en "resucitar" a base de purrias taquilleras y Oscars regalados. Coste: 80 millones de dólares.

GUERREROS DE ANTAÑO (Once Were Warriors, Lee Tamahori, 1994) El debut del neozelandés Lee Tamahori en la dirección, con el que se ganó su pasaporte a Hollywood. Drama sobre las vivencias de una familia maorí en los barrios pobres de Auckland y la brutalidad ejercida por el marido alcohólico (Temeura Morrison) sobre su sufrida esposa (Rena Owen). Nada nuevo bajo el Sol, pero rodada de forma realista, con escenas brutales (las palizas) y con un reparto en estado de gracia que eleva lo que pudo haber sido un telefilm malo de sobremesa a una cinta notable. Lástima que una vez abducido por Hollywood, Tamahori pasase de correcto artesano (Mulholland Falls, El Desafío) a bodriero de cuidado (XXX 2, Next)

HOMBRES FRENTE A FRENTE (At Close Range, James Foley, 1986) Los hermanos Penn, Christopher Walken, Mary Stuart Masterson, Crispin Glover después de que Darth Vader del Planeta Vulcano le visitase y un Kiefer Sutherland de la que empezaba protagonizan este drama paterno-filial basado en hechos reales rodado por un James Foley empapado de la estética MTV ochentera y escrito por Nicholas Kazan (hijo de). No por nada hay una delación en un momento clave. Lo mejor son las actuaciones del dúo protagonista, en especial un Walken dando su actuación quintaesencial como tipo siniestro, turbio y encantador al mismo tiempo, con un enfrentamiento final de antología. Aunque la cinta no ofrezca nada nuevo bajo el Sol, sorprende por tener más violencia (ese tiroteo en el coche) y menor falta de concesiones de lo esperado. Cancioncita al final de la ex-señora Penn en la época en que merecía la pena física y musicalmente hablando.

LA SEMANA MÁS LARGA (12-18/9)

2011-09-19T14:39:00.000-07:00

EL AULLIDO DEL DIABLO (Paul Naschy, 1987) Después de una serie de reveses profesionales y personales y con el fantaterror muerto y acabado a mediados de los 80 (Ley Miró, cambio de gustos en el público, etc.), Jacinto Molina/Paul Naschy intentó su “Comeback” en un homenaje a los monstruos clásicos y a sí mismo, criticando de paso a sus detractores. Peleas por la autoría del guión, problemas detrás de las cámaras y una distribución inexistente pasando a emitirse de tapadillo por la tele dejaron hecha polvo a la película. Pese a estar rodada con torpeza, acaba siendo un título simpático por la presencia de Caroline Munro y Howard Vernon, el efectivo maquillaje gracias al cual Naschy repasa a todos los monstruos clásicos, diálogos “whatthefuck” pronunciados en su mayoría por Naschy encarnando al malvado Héctor Doriani, la aparición de “Leatherface” en un sueño de la Munro, los guiños (más bien torpones) al slasher ochentero, el “homenaje” a La Profecía en su final y la evidente sinceridad con la que Naschy abordó la película aún con todo en contra.

CALÍGULA (Fotografía principal de Tinto Brass, escenas adicionales de Bob Guccione y Giancarlo Lui, 1979) Uno de los films-escándalos más célebres de la historia, con un rodaje caótico y una accidentada postproducción donde Tinto Brass, de profesión sus culos, fue despedido por el productor y dueño de Penthouse Bob Guccione, quien añadió de su propia cosecha insertos porno y una escena lésbica entre dos de sus chicas de portada. Reparto de lujo y una dirección artística y vestuario de Danilo Donati impresionante (aunque muchas de sus ideas quedaron en el limbo por peleas con Brass) para un show gore (partos reales incluidos) y porno montado desastrosamente y con un McDowell deliciosamente pasadísimo de rosca. Dos horas y media largas de purito eurotrash que acaban saturando, pero que tiene sus momentos bellos y todo: El uso de las piezas clásicas de Prokofiev y Khachaturian, algunos planos opulentos o Calígula sosteniendo en sus brazos el cadáver de Drusilla (Teresa Ann Savoy). Todo un guilty pleasure poco recomendable para delicados de estómago.

SALÓN KITTY (Tinto Brass, 1976) El pistoletazo de salida a la carrera de Tinto Brass como erotómano de pro y al subgénero de la naziexploitation, junto con Portero de Noche y las andanzas de la “loba” Ilsa. Inspirándose en un historia real, tomando prestado de La Caída de los Dioses de Visconti a la pareja protagonista (Helmut Berger e Ingrid Thulin) y con el diseñador de producción Ken Adam recreando convincentemente la Alemania nazi, Brass rueda una cinta en líneas generales no del todo perfecta (demasiados numeritos musicales y desnudeces que ralentizan la trama), pero con sus momentos a recordar: El casting para reclutar prostitutas 100% entregadas a la causa donde tendrán que participar en una orgía con miembros de las SS y, posteriormente, hacer el amor con enanos, judíos, personas de etnia gitana y deformes; El Triunfo de la Voluntad de Leni Riefehnstal proyectada en el torso de una de las chicas; La belleza de Teresa Ann Savoy; ciertas composiciones visuales de un Brass que empezaba a aficionarse al uso de espejos para las escenas eróticas y la convincente actuación de un Berger arribista. Busquen un cameo del “Presidente” del Saló de Pasolini (otro clásico de las "películas-escándalo" de arte y ensayo) como cliente pasándoselo en grande con un número musical.

Louise Brooks: Lulu on the Tightrope (2): Pandora desencadenada

2011-09-15T08:59:00.000-07:00

G.W. Pabst está desesperado en su oficina en Berlín. Había hecho un montón de pruebas a actrices alemanas y hasta cogió a chicas de la calle para ver si encontraba a la protagonista adecuada. Pero no había manera de encontrar a su Lulú en la adaptación cinematográfica de la obra de Franz Wedekind que estaba preparando. Todo un desafío al que tenía que encontrar la manera de salir victorioso ante un público alemán que tenía al personaje como una heroína trágica nacional. Todo parece indicar que acabará dando el papel a una actriz llamada Marlene Dietrich, pero no acaba de estar convencido al considerar a la actriz alemana demasiado mayor para el papel (25 años) y que no estará a la altura de las circunstancias que requiere el personaje. Así que espera en su oficina la llegada de un telegrama. Pabst había visto una película llamada Una Mujer en Cada Puerto (A Girl on Every Port, Howard Hawks, 1928) y había quedado impresionado con la joven actriz que interpretaba a la artista de circo y femme fatale que pone a prueba la amistad de dos marineros. Evidentemente, se trataba de Louise Brooks. Brooksie estaba descontenta con el sueldo que percibía de su estudio Paramount y de Hollywood en general. Deseaba cambiar de aires. Así que abandonó la Paramount y fue justo cuando se enteró de la oferta que le hacían desde Alemania. Viajó al país para reunirse con Pabst y pronto firmó el contrato. Habemus Lulú. Pero el anuncio de que una "extranjera" interpretaría al personaje no fue bien tomado por el público y comenzaron las primeras protestas antes de que comenzase el rodaje. Empezando por las de la propia Marlene Dietrich.

El director y su musa

El rodaje da comienzo en los estudios Nero Film y pronto comienzan los problemas, que venían de una misma fuente: Brooks. La diva se trae a George Preston Marshall de Estados Unidos y ambos se lanzan a explorar los cabarets y nightclubs más selectos de Berlín, llevando de "recuerdo" al set de rodaje unas considerables cogorzas y resacas que ponen de los nervios al director. Una semana después del inicio del rodaje, Marshall se va para alegría de Pabst, quien exige a la estrella más profesionalidad al tiempo que restringe más sus salidas nocturnas. No acabaron los problemas con la americana, puesto que el actor Frtiz Kortner acabó siendo "víctima" de Lulú/Brooks tanto en la propia película como en la vida real: Kortner se quejaba de que Brooks no era una actriz "seria", amén de que ponía sus nervios a prueba. Pabst pasaba su tiempo libre intentando consolar a su actor. Cuando tocaba rodar una escena en la que el personaje de Kortner debía sujetar y zarandear fuertemente a Brooks, éste se entregó a su interpretación con un "realismo" digno del método Stanislavsky al dejar las diez marcas de sus dedos en los brazos de Louise. Para "aliviar tensiones", Pabst organizó una orgía para el equipo de rodaje en el Hotel Eden con chicas del cuerpo de baile Tiller Girls de Londres. Sin sexo, alcohol ni nocturnidades con las que ocupar su tiempo libre, Brooks se dedica a leer a sus autores favoritos. Contaba la historiadora de cine Lötte Eisner que cuando visitó el set de La Caja de Pandora, se sorprendió al ver a Louise leyendo a Schöpenhauer...y aun más al comprobar que no se trataba de ninguna pose para hacerse la intelectual, sino que comprendía y admiraba la obra del filósofo. Ahí se dio cuenta de que Brooks era una persona culta, muy diferente del resto de sus contemporáneas fueran actrices o no.

La Caja de Pandora se estrena el 30 de Enero de 1929 en Berlín. El público no la apreció y se consideró un fracaso. Idéntica reacción se produjo en Estados Unidos. En Francia llegó a estrenarse en con un montaje muy alterado que cambiaba el final original donde Lulú moría a manos de Jack el Destripador por otro más "optimista" donde no había ni rastro del asesino y donde Lulú acababa en el Ejército de Salvación. Pocos entendieron la película y tendrían que pasar muchos años para que pudiera ser apreciada como el súmmun de las carreras de Pabst y Brooks. Demasiado adelantada para su época en su acercamiento a la sexualidad y la psicología femenina, La Caja de Pandora prácticamente no tendría razón de ser sin Louise Brooks, asociada/confundida con el personaje libertino, deshinibido, inconsciente e inocente que interpreta. Una Lulú/mantis que lleva inconscientemente a la ruina moral y a la perdición de cuanto hombre se cruza en su camino y que hipnotiza al espectador por muchos años que hayan pasado desde la realización de la película, en la que se abrió "la caja de Pandora" de la sexualidad abierta, la prostitución, el libertinaje y el lesbianismo.

Hay una escena que brilla con luz propia: La de la seducción de Schön en el backstage de la revista musical que protagoniza Lulú. Brooks pasa de hacer pataletas con tal de retener su amor a acabar besando a Schön justo cuando aparece por allí la prometida de Schön e hija de un ministro. Schön no tendrá más remedio que casarse con Lulú. El rostro alegre y expresión de victoria que muestra Lulú es cine de 100 kilates. Pero no solo Brooks destacaba: La aparición de la primera mujer lesbiana descrita en una pantalla en el impagable banquete de bodas, la muerte accidental de Schön, las dos huidas del juicio y del barco-casino donde Lulú está a punto de ser vendida al burdel de un egipcio y el tramo final en un Londres navideño neblinoso, con guiños al expresionismo alemán y en donde Lulú acabará siendo víctima de su mentalidad a manos de un Jack the Ripper mano ejecutora del destino acaban siendo merecedores de figurar en una antología del cine en general y de los años 20 en particular.

A pesar del fracaso, Pabst y Brooks continuaron su colaboración con otra película. Pero de eso, amén de otra aventura europea de Brooks, hablaremos en el próximo post dedicado a Brooksie.

LA SEMANA MÁS LARGA (5-11/9)

2011-09-12T04:11:00.000-07:00

FLIPADO SOBRE RUEDAS (Hot Rod, Akiva Schaffer, 2007) debut en el cine de la estrella de videos humorísticos interneteros que llamaron la atención del Saturday Night Live Adam Samberg y fracaso absoluto en su estreno, frustrando así una posible carrera cinematográfica. Entre los films de Buster Keaton y Jackass, esta historia de chaval empeñado en ser especialista en acrobacias peligrosas con la moto y que necesita 50.000 $ para pagar una operación de corazón a su padrastro y así poder vencerle en una pelea para conseguir su respeto. Sus amigos y el objeto de sus deseos (Isla Fisher) le intentarán ayudar, con mamá (Sissy Spacek) deambulando por ahí y manteniendo oculto el secreto de su padre, en teoría muerto al intentar hacer una acrobacia fallida. La calidad de los gags va variando y la inevitable moralina y "ternura" acaba apareciendo, pero momentos antológicos como el bailecito Footloosero y posterior caída inacabable por la montaña o el protagonista y amigos liderando una marcha de un grupo de habitantes del pueblo donde viven al ritmo de The Voice de John Farham que acaba como el rosario de la aurora acaban declinando la balanza a su favor. 80 minutos con profusión de temas de los 70 y 80 (sobre todo de los Europe de Joey Tempest) para un guión escrito por una de las cabezas pensantes de South Park (Pam Brady) que debía protagonizar en un principio Will Ferrell, experto en interpretar lo que por aquellos lares llaman Man-Childs.

ADIÓS SABATA (Indio Black, sai che ti dico: Sei un gran figlio di..., Gianfranco Parolini, 1971) Segunda parte, aunque solo en nombre, de la trilogía de Sabata, aunque con Yul Brynner sustituyendo a Lee Van Cleef. Originalmente se iba a llamar Indio Black como ven en este poster primerizo, pero se cree que por razones comerciales el director Giafranco Parolini (con el pseudónimo Frank Kramer) decidió rebautizar al personaje como Sabata. El calvo protagonista se va a por oro para ayudar a la revolución mexicana rodeado de una troupe donde caben un ladrón (interpretado por Dean Reed, el Elvis Rojo y “vida ejemplar” de aúpa cuyo mayor recurso interpretativo consiste en mostrar su “sonrisa Profidén”), Septiembre (Sal Borgese), que tira balas con el pie cual David Barral y Gitano (Joseph P. Persaud), que baila el “flamenco de la muerte” antes de que el líder Escudo (Ignazio Spalla) se cargue a alguien. Las escenas de acción son dinámicas y bien orquestadas por un Parolini que se lo pasó bomba rodándolas, amén de contar con una dirección dinámica en sus momentos más entusiastas (ojo al determinado momento en que la cámara empieza a dar vueltas como una lavadora), pero la historia en líneas generales es sosa y el interés decae mucho cuando no hay tiros y gente cayendo desde las alturas. Producción del prestigioso Alberto Grimaldi, música de Bruno Nicolai y homenaje inevitable a Leone con el plano final de uno de los personajes gritando “eres un hijo de…”.

GIVE'EM HELL MALONE (Russell Mulcahy, 2009) Homenaje al cine noir y las novelas pulp de los años 40 con las miras también puestas en Sin City dirigido por el director de la mejor película de jabalíes gigantes asesinos de la historia del cine (Razorback), Russell Mulcahy, sin su querido Christopher Lambert en el reparto pero con el hermano gemelo de éste, Thomas Jane. Tras empezar con un tiroteo espectacular y poco recomendable para quienes se mareen con la sangre, uno empieza a hacerse ilusiones con la cinta pero a partir de ahí comienza la cuesta abajo en interés, personajes y buenos momentos. Se salvan un Jane acertado y voluntarioso como tipo duro, el siempre estupendo Ving Rhames como mala bestia, los villanos Matchstick (Doug Hutchinsom) y Mauler (Chris Yen), pirómano “quemado” y prostituta que secciona miembros viriles con una cuchilla mientras realiza un blow job (¡ouch!) respectivamente y el gore de la acción, atípico de un directo a DVD de estas características. Mulcahy de paso homenajea a La Dama de Shanghai con la escena de los espejos como ya hiciera en su reivindicable La Sombra, otro homenaje a tiempos y géneros lejanos en el tiempo que, con sus carencias, era infinitamente superior a esta película. Qué lejos empiezan a quedar los tiempos no ya de Razorback y Highlander, sino de Ricochet y, sí, Resurrección.

YO SOY LA REVOLUCIÓN (El Chuncho, Quien Sabe?, Damiano Damiani, 1966) Un spaghetti western de izquierdas ambientado en la revolución mexicana. El comunista Damiano Damiani la dirigió y el guionista de La Batalla de Argel y Queimada Franco Solinas escribió la historia de un misterioso yanki (Lou Castel) que se une a una banda de revolucionarios liderada por Chuncho (Gian María Volonté) que se dedican a robar armas para la causa. El mensaje no llega mediante discursos plomizos, sino con tiros y explosiones bien rodados con un Volonté pasándoselo en grande, Martine Bestwick como la única fémina del gang y el gran Klaus Kinski como el hermano religioso de éste repartiendo “bendiciones” a granadazos y robando todas las escenas en las que sale, menos de las deseables (aunque me imagino por qué). Posible subtexto homosexual en la relación entre Chuncho y el yanki, banda sonora de Luis Enrique Bacalov supervisada por Morricone y una de las mejores frases finales de la historia del género: ¡No compres pan con ese dinero, hombre! ¡Compra dinamita!.

DESBOCADO (Rampage, William Friedkin, 1987) Probablemente el título más olvidado de su director, con continuos enfrentamientos entre William Friedkin y Dino de Laurentiis durante el rodaje ("Era un hombre muy arrogante y a mi la arrogancia no me gusta", Dino dixit) y con problemas de distribución en USA debido a la bancarrota del productor. Tardó cinco años en estrenarse, bajo la bandera de Miramax y con escenas adicionales y un nuevo final por deseo del director. Inspirándose en las tristes “hazañas” del “vampiro de Sacramento” Richard Chase, Friedkin divide la cinta en dos partes diferenciadas: La primera mitad está dedicada a los asesinatos y detención de Charles Reece (Alex McArthur), que mutila salvajemente a sus víctimas para después beber su sangre; la segunda mitad es puro cine de juicios, donde se debate si Reece está mentalmente sano para poder aplicarle la pena de muerte. Lo mejor de la cinta está concentrado en la primera mitad, con la imaginería de Friedkin para crear imágenes potentes funcionando a pleno rendimiento (las secuencias oníricas de Reece ensangrentado delante del tigre enjaulado, la entrada a la guarida de Reece con flashes de luces e imágenes macabras de miembros amputados y banderas nazis). La parte de juicios, aunque verdadero motor de la película, resulta más rutinariamente rodada exceptuando el “momento reloj” (y hasta ahí puedo contar). Buen reparto, con McArthur creíble como asesino que pasa perfectamente como persona normal y un excelente Michael Biehn como fiscal “con pasado” inicialmente contrario a la pena de muerte que va cambiando sus creencias a medida que transcurre el metraje. Nada es fácil en el mundo de Friedkin y este film no es la excepción: Abstenerse “nengs”, espectadores pasivos que lo quieran todo masticado y “señoras que” fácilmente impresionables con el gore. Música de Ennio Morricone y agradecida presencia de Deborah Van Valkenburgh, la chica de The Warriors, como esposa de Biehn.

PAULA-PAULA (Jesús Franco, 2010) Más que “una experiencia audiovisual”, una soberana paliza rodada en un par de habitaciones con el equipo técnico mínimo, dos actrices lesbianas (Carmen Montes y Paula Davis), un mirón que pasa por allí y una breve aparición de Lina Romay e inspirada en Jekyll y Hyde (o así) y en la magistral música jazz que los herederos de Friederich Gulda cedieron a Jess Franco. Jugando con la iluminación, efectos de cámara, imágenes distorsionadas y demás, lo mejor que se puede decir es que la banda sonora es una delicia (ojalá se edite en CD). El resto resulta un aburrido show lésbico que pone a prueba a los franquianos más curtidos en mil batallas y que tiene con su momento culmen en un polvo al ralentí de unos 20 minutos de duración. La culminación de Jess Franco de poder hacer un cine libre de ataduras. Para valientes. Y por una parte comprendo a los que la defienden.

Peor Imposible XIII Edición (Traca final: "Gymkata", "Zombie Nosh" y última película sorpresa)

2011-09-04T07:34:00.000-07:00

El ciclo Peor Imposible ha llegado ya a su inevitable fin. No he podido asistir a la proyección matutina de Wicked City ni al comienzo de la maratón con Cumpleaños Mortal de J. Lee Thompson. Sí que pude recuperar vía Youtube los dos últimos capítulos de El Capitán Marvel ("¡SHAZAM!"), entrañable serial de la Republic con Tom Tyler marcando paquete en sus luchas contra el Escorpión. También estuve en la mesa redonda sobre el exploitation, con la presencia entre el público del director de fotografía Raúl Artigot. Vamos sin dilación a las tres últimas películas:

GYMKATA (Robert Clouse, 1985) Purito producto de videoclub ochentero considerado "de culto" allende los mares. Una Metro Goldwyn Mayer desesperada por un éxito de taquilla en los 80 dio luz verde a este producto protagonizado por el campeón de gimnasia Kurt Thomas en el que se mezclaron los mundos de la gimnasia y las artes marciales para una historia propia de los años más duros del Reaganismo: Los Estados Unidos desean establecerse en el país de Parmistán para tener bases para el famoso programa "Star Wars" y deben competir en un juego mortal que consiste básicamente en una carrera de obstáculos. Nada mejor que mandar a nuestro gimnasta a repartir estopa contra los villanos árabes liderados por un Richard Norton habitual del cine de artes marciales. Un Robert Clouse lejanos ya sus tiempos de gloria con Operación Dragón y del que servidor recuerda la impresión que de crío le produjo su Nueva York Año 2012 rueda esta espesito y ocasionalmente tronchante título donde lo más destacable es una conversación "consigo mismo" que mantiene el protagonista a base de piruetas de un lado para otro, las peleas donde comprobamos por qué Kurt Thomas ganó multitud de campeonatos pero no de artes marciales precisamente y un por aquel entonces convencido y visto hoy en día "entrañable" patriotismo USA. Qué pena que no la produjeran Menahem Golan y Yoram Globus para darle mayor desvergüenza al asunto.

ZOMBIE NOSH (S. William Hinzman, 1988) Otro producto de videoclub hecho directamente para VHS. William Hinzman era el primer zombie que salía en la seminal La Noche de los Muertos Vivientes. Y de eso ha vivido prácticamente el resto de su vida, interpretando a zombies en todas aquellas películas baratas que querían "guiñar el ojo" al bueno de Romero y su saga. Convenciones de fanboys y documentales varios donde se analiza el fenómeno zombie son sus actividades habituales hoy en día. Con esa histórica credencial debió presentarse en la primera productora de directs-to-video costrosa que encontró y encontró la escasa financiación que necesitaba para dirigir su propia película de zombies. Lo de siempre: un zombie que revive en el bosque, muerde al infeliz que lo encuentra y a partir de ahí a comerse a bocados a los jovencitos estultos que se les pongan a tiro. Una pareja intentará huir del ataque. Sin mayores pretensiones y si perdonamos el estiramiento del metraje para poder llegar a los 90 minutos de rigor, su previsibilidad y la falta de sustos, un título tirando a aceptable para fans del género y en donde quienes hayamos visto el título de Romero podemos entretenernos en contar los saqueos a su obra: Gente refugiándose en una casa y clavando tablones de madera a puertas y ventanas, rednecks a escopetazos con los muertos vivientes y trágico final a balazos de los protagonistas.

HOBO WITH A SHOTGUN (Jason Eisener, 2011) La última película del ciclo y sorpresa final. Esta vez un homenaje a aquellos productos de videoclub ochentero con la mirada puesta en las películas de "vigilantes". La mayoría ya sabrán su origen: Concurso de trailers falsos que Robert Rodriguez y Quentin Tarantino celebran para promocionar su Grindhouse y el justo ganador es el de Hobo with a Shotgun. Pocos años más tarde, unos productores convencen al ganador de convertir en película su falso trailer con un bajo presupuesto y el protagonismo de Rutger Hauer. Fracaso en taquilla, pero culto asegurado por su premisa de vagabundo que llega a una ciudad (Fuck City) asediada por el crimen y que acabará impartiendo justicia a escopetazo limpio. Sin ahorrar salsa de tomate ni momentos de puro gore, un título entretenido con apenas 90 minutos que pasan volando y que brinda a Hauer una entusiasmada interpretación y un impagable monólogo viendo a unos bebés en el hospital sobre lo que será de ellos en un futuro. No apto para estómagos sensibles ni mentes políticamente correctas, el mejor momento curiosamente no viene de ninguna muerte brutal (decapitaciones, voladuras de "miembros viriles", piñatas humanas, cabezas descerrajadas a tiros), sino del titular de un periódico mientras el homeless "apatrulla" las calles: "Vagabundo deja de pedir. Pide cambio".

Después de seis días de festival, volvemos a la cruda realidad, más cutre que una película de Bruno Mattei pero infinitamente menos divertida. Una realidad donde los villanos no son los mad doctors y sus esbirros, no son los zombies, ni los "templarios", ni se llaman Gaos, ni "Lupas Mannaras", ni "escorpiones", ni las brujas, ni las momias ni Drácula, sino que se llaman "paro", "corrupción", "crisis" y "delincuencia", entre otros "villanos" que quieran añadir. Y me temo que ni Santo, ni Blue Demon, ni Gamera, ni el exorcista, ni Billy el Niño, ni Red Eagle, ni el vagabundo de la escopeta ni el Capitán Marvel estarán ahí para ayudarnos. Un final de post y de crónicas quizás demasiado apocalíptico, por lo que prefiero quedarme con las sabias palabras de Blue Demon oídas el Jueves: "El mal nunca triunfará sobre el bien".

Ojalá pueda seguirles narrando lo sucedido en el Peor Imposible del año que viene. Gracias a Chus Parrado por el festival y gracias a ustedes por el éxito en visitas de los posts. Esto es todo, amigos. Shazam.

Peor Imposible XIII Edición (Día 5: "Frankenstein's Castle of Freaks", "La Lupa Mannara" y "Drácula en Pakistán")

2011-09-03T04:47:00.000-07:00

Nos estamos acercando al final del "Peor Imposible" y lo que parecía ser el día más psicotrónico acabó en media decepción por dos de las películas, compensado por la segunda cinta y la mesa redonda. Lleno prácticamente absoluto en la excelente mesa redonda con Javier G. Romero y Tomás Fernández Valentí y para la última sesión. Donde ya no estaba tan lleno era para la primera película. Cómo envidiamos los que estuvimos padeciendo lo que sigue a los que estaban fuera...

FRANKENSTEIN'S CASTLE OF FREAKS (Terror! Il castello delle donne maledette, Dick Randall, 1974) Con el pseudónimo de Robert H. Oliver, el director Dick Randall dirige (o eso piensa él) un bodrio amorfo y prácticamente carente de argumento. Algo no necesariamente malo si al menos hubiera imprimido algo de parodia autoconsciente a este caos con el buen doctor, su ayudante enano que acaba siendo la "estrella" de la película, la hija del doctor, su novio y una amiga (el despelote femenino está así asegurado) y un neandertal que pasa por allí (nombre artístico del actor que lo interpreta: Boris Lugosi. Je, je, je). Momento glorioso: el enano y el neandertal raptan a una chica y el acondroplásico le enseña al cavernícola "los placeres de la vida" mientras procede a toquetear y quitar la ropa a la fémina. Un desastre. No es opinión. Es afirmación.

LA LUPA MANNARA (Rino di Silvestro, 1976) Por el título y el poster parece que nos vamos a encontrar con el enésimo exploit de hombres (mujeres en este caso) lobo, pero eso sólo ocurre al principio en una secuencia en la que la trastornada protagonista sueña con un hecho acaecido 200 años antes de la acción principal, donde la vemos bailar desnuda de noche y a la luz de la Luna y la vemos transformarse en Mujer-Lobo para ser ajusticiada por pueblerinos. Creyéndose una Mujer Lobo por lo ocurrido 200 años atrás con una mujer de extraordinario parecido y por hechos escabrosos del pasado (una violación cuando era niña), nuestra protagonista (Annik Borel) se lanza a una locura homicida en un delirante título que "toma prestado" de los géneros de mayor moda en aquel entonces, terror aparte: Las películas de "exorcismos" (secuencia con la "lupa" atada a una cama y diciendo obscenidades), el softcore lésbico (la maníaca sexual que toquetea y acabará sacando a su pesar a la "lupa" del hospital) y, sobre todo, las películas de "violación y venganza" (justo cuando parece que la "lupa" será feliz al lado de un stuntmen del que se enamora, vienen tres malnacidos y matan al novio y la violan. Habrá venganza). Gore, agradecidos desnudos de la protagonista, escenas de amor de vergüenza ajena, diálogos tronchantes ("es un caso de sexofobia") y una entusiasmada y entregada actuación de la Borel servido todo ello por Rino di Silvestro, especialista en exploits varios. Carlo Rambaldi colaboró en los efectos gore, la película fue mutiladísima en su estreno en USA y Quentin Tarantino la adora.

DRÁCULA EN PAKISTÁN (Zinda laash, Khwaja Sarfraz, 1967) Sobre el papel, la primera película de terror rodada en Pakistán prometía una divertida sesión, pero nada más lejos de la realidad. Más o menos siguiendo la novela de Stoker y las películas de la Universal y la Hammer adaptándolas al folklore pakistaní, este título acaba siendo más bien pesado y espeso. Sin embargo pueden destacarse algunos aspectos para recomendar su visionado aunque sea como curiosidad y para poder decir que uno vio la primera película pakistaní de vampiros: El Conde es originalmente un científico a lo Jekyll que tras ingerir una de sus pócimas para buscar el elixir de la eterna juventud se transforma en chupasangre; los interminables números musicales están a la orden del día estirando metraje y la banda sonora está compuesta, entre otras composiciones, por "El Barbero de Sevilla", "Granada, tierra soñada por mí" o "La Cucaracha" (lo juro) y un duelo final a puñetazo limpio que casi merece verse por sí solo, sin necesidad de ver los 90 minutos anteriores. Para curiosos y completistas del personaje.

Hoy es el último día. No acudiré a la sesión matutina (ya acabó mientras escribo esto) en la que se puso la producción de Tsui Hark Wicked City ni a la primera sesión, con el último capítulo de El Capitán Marvel ("¡SHAZAM!") y Cumpleaños Mortal de J. Lee Thompson. Sí que estaré con Gymkata, Zombie Nosh, la mesa redonda dedicada a la exploitation y a la última película, que será sorpresa.

Peor Imposible XIII Edición (Día 4: "Santo y Blue Demon Contra los Monstruos", "La Endemoniada" y película sorpresa)

2011-09-02T05:04:00.000-07:00

Otro día más de festival con presencia infantil habitual cada vez que se proyectan kaiju-eigas (películas de monstruos japoneses como Godzilla o Gamera) o de luchadores mexicanos. Hay que reseñar los llenos prácticamente absolutos a la segunda sesión y a la película sorpresa. Una ambiente como siempre agradable, donde el público puede reírse sin parar con peligro de tener problemas respiratorios. O eso pudimos comprobar los asistentes a la primera sesión...

SANTO Y BLUE DEMON CONTRA LOS MONSTRUOS (Gilberto Martínez Solares, 1970) Presencia habitual todos los años en el ciclo, Santo y Blue Demon no podían faltar este año. Esta vez el mad doctor de turno resucita de entre los muertos con la ayuda de sus esbirros y resucita a monstruos tan famosos como Drácula, el Hombre-Lobo, el Cíclope, la Momia o "Franquestain" (no es errata, no; así sale acreditado en los impagables créditos iniciales), entre otros. Huelga decir que los disfraces de los monstruos se compraron en los "todo a un peso" más selectos de México D.F. También hay que destacar que la continuidad entre escenas brilla por su ausencia: se pasa alegremente de escenas nocturnas a diurnas, pudiendo verse perfectamente cielos rasos. Pero esto que comento no es necesariamente malo ni mucho menos: La cinta es muy disfrutable con sus carencias que dan un toque "entrañable" al producto, que está lleno de peleas del Santo contra los monstruos y contra un Blue Demon controlado por el villano. Esta vez no se rellena metraje con peleas sobre el ring, sino con un número musical a lo Gene Kelly/Stanley Donen. De los títulos más divertidos y psicotrónicos de los añorados luchadores...que fieles a la tradición no se quitan sus máscaras ni cuando salen a la calle ni cuando están en sus casas.

LA ENDEMONIADA (Amando de Ossorio, 1975) Muchos fueron los exploits de El Exorcista que se rodaron poco después del clásico de William Friedkin, sobre todo en Italia, patria de los plagios hechos con bajo presupuesto, desvergüenza y alegría. España no se quedó al margen ni mucho menos. El plagio más conocido quizás sea Exorcismo (1974), rodada por Juan Bosch con un Paul Naschy que juraba y perjuraba que escribió su guión mucho antes de tener noticia del título de Friedkin. El otro más conocido entre quienes gusten de explorar lo que se llamó el "fantaterror hispano" es la película que nos ocupa, rodada por un Amando de Ossorio alejado de templarios. En una jugada cachonda, contrató para hacer de niña poseída no por el diablo sino por una bruja que sacrifica bebés a Marián Salgado...la niña que dobló a Linda Blair en el doblaje español de El Exorcista. Evidentemente, no faltan los plagios y saqueos a la cinta original, "tomando prestado" momentos como la "cabeza giratoria" (en este caso "tronco giratorio"), la niña levitando y diciendo cosas procaces, el ataque de los objetos de la habitación, el cura (Julián Mateos) con problemas de fe y "con pasado" (dejó a su novia para hacerse sacerdote y ésta, despechada, se convierte en prostituta), la "caída por la ventana", en esta ocasión protagonizada por la bruja malvada y el que la madre (Lone Fleming) tenga que recurrir a la iglesia allí donde los médicos no pueden hacer nada. Sacrificios de bebés, una "impagable" castración al amante de la madre de la niña, diálogos besugos y humor involuntario para un titulo mal considerado por muchos, pero con su encanto. Como vengo diciendo últimamente, "disfrutable con el estado de ánimo adecuado". Por cierto, quien quiera saber qué opina Marián Salgado de la película, de Ossorio, de su participación en Quién Puede Matar a un Niño, de Chicho y alguna anécdota del doblaje de El Exorcista, clic aquí.

RED EAGLE (Wisit Sasanatieng, 2010) La película sorpresa. Red Eagle (no lo escribo en castellano para que no haya confusiones con cierto personaje televisivo patrio) era un personaje popular del cine thailandés de los años 60 cuya saga de películas concluyó con la muerte en accidente de helicóptero de su actor protagonista (Mitr Chaibancha) durante el rodaje de su última película. El año pasado se decidió resucitar al personaje con todos los medios del cine actual y cambiando algunos aspectos, por ejemplo, si en los años 60 el personaje era alcohólico, aquí es un adicto a la morfina y "héroe con pasado". También se trata el tema de los políticos corruptos e hipócritas, a los que el héroe se dedica a hacer picadillo. En principio todo prometedor, pero al acabar la película uno no tarda en localizar dos de los defectos que más teme en el cine. A saber: Un exceso de metraje (130 minutos) donde una poda de unos 30 o 40 minutos era necesaria y, lo que es peor, peleas montadas con planos muy cortos y montaje demasiado trepidante de la escuela MTV/ Nolanera que malogran en parte los duelos entre Red Eagle y su némesis Diablo Negro. Y si no están malogrados del todo es por la agradecida brutalidad y ocasional sentido del humor (momento ascensor y SWATS) con que están rodados. Con todo se deja ver sin mayor esfuerzo, aunque al público le frustre ese final abierto a secuelas varias. Secuelas que me temo no veremos nunca, debido al descalabro en las taquillas thailandesas y mercado internacional del reboot en cuestión. Lo que no consiguieron accidentes ni villanos, lo logró la dictadura en muchas ocasiones cruel de la taquilla: Cargarse al héroe.

Hoy palabras mayores con la presencia de Javier G. Romero y Tomás Fernández Valentí en la prometedora mesa redonda de esta noche. Aparte del Capitán Marvel ("¡SHAZAM!"), hoy tenemos Frankenstein's Castle of Freaks, La Lupa Mannara y Drácula en Pakistán. Posiblemente el día más psicotrónico.

Peor Imposible XIII Edición (Día 3: "Vudú Sangriento", "La Puerta del Infierno" y "La Guarida del Gusano Blanco")

2011-09-01T04:52:00.000-07:00

Al contrario que en los dos días precedentes, esta vez la asistencia de público menguó y ya se podían ver asientos libres. De todas maneras, los reunidos en la sala de proyecciones, que no somos pocos, estábamos listos para una nueva sesión de cine. Claro que con la primera película envidiamos y mucho a los que prefirieron quedarse fuera en la playa o tomando algo en las terrazas de los bares.

VUDÚ SANGRIENTO (Manuel Caño, 1974) Y es que Jesús Palacios en su guía Goremania no podía estar más acertado a la hora de calificar este engendro amomiado: "Un patético pretexto para que el equipo de la película se pagara unas vacaciones de lujo, con crucero por el Caribe incluido". El mítico secundario del spaghetti western Aldo Sambrell (D.E.P.) a lo largo de su carrera se metió en "fregados" como el que nos ocupa, protagonizando esta historia de la momia enamorada de la reencarnación de su amada. Su actuación y algunos toques gore es lo único que puede salvarse de este despropósito aburrido en líneas generales y de desarrollo torpón, escrito por el actual presidente de la SGAE mientras escribo estas líneas, Santiago Moncada. Ceremonias y bailes tribales y vudús, decapitaciones más o menos logradas y un divertido Fernando Sancho como inspector intentan revivir el asunto. Existen dos montajes: uno patrio y otro con vistas al mercado internacional. El que vimos fue este último y se puede deducir por los pseudónimos en los créditos iniciales ("Ferdinand Sancho", "S. Monkada", "Eva Lion") y las inevitables escenas de desnudos. Título internacional: Vodoo Black Exorcist. Había que mamar de la teta del gran éxito de la época.

LA PUERTA DEL INFIERNO (Le porte dell'inferno, Umberto Lenzi, 1989) Aunque el poster prometa ver a monstruos acechando a mujeres hermosas en la cama, olvídense de tan prometedora premisa: Un espeleólogo quiere batir el récord de permanencia de un hombre en una cueva. De repente, grita a sus compañeros que "quieren matarle" y, naturalmente, bajarán para ayudarle. Lo que sigue a continuación es la venganza de siete monjes maléficos que en 1289 practicaban brujerías varias. Siete siglos después (1989), a masacrar a aquellos que no sean católicos...precisamente los espeleólogos, entre los que hay protestantes y Testigos de Jehová. A un Umberto Lenzi que añoraba y mucho sus más lejanos tiempos de poliziescos setenteros y caníbales ochenteros le dieron prácticamente cuatro liras de presupuesto para que plasmase en imágenes el guión escrito por su propia mujer Olga Pehar y a la actriz Barbara Cupisti, musa de Michele Soavi. Debió pensar que, a falta de presupuesto (ojo a las explosiones dignas de las fiestas de "Valdeculete de Arriba") e historia, bueno sería abordar la cinta con sano sentido del cachondeo y gore marca de la casa, con desmembramientos gráficos de ojos, hachazos a la cabeza, arañas y apuñalamientos. Ya puestos, también debió pensar que no estaría mal homenajearse a sí mismo repitiendo la jugada del "giro final" de su mítica La Invasión de los Zombies Atómicos (1981). Chapucerilla, pero para disfrutar con el estado de ánimo adecuado.

LA GUARIDA DEL GUSANO BLANCO (The lair of the white worm, Ken Russell, 1988) Ahora los "nengs" ingleses sólo le recuerdan como participante en una edición del Gran Hermano VIP británico (sí, en serio), donde tuvo una trifulca gorda con la afamda Jade Goody, pero a la hora de hablar de Ken Russell hay que destacar un logro: Es el director británico con más números 1 en taquilla consecutivos en su país natal junto con Alfred Hitchcock. Experto en "liarla parda" entre censores, críticos, público y conservadores, la suya es sin duda una "vida ejemplar" con títulos muy recomendables como su censuradísima Los Demonios (1970), Tommy (1975), Lisztomania (1975; eso sí, sólo para muy "curtidos"), Viaje Alucinante al Fondo de la Mente (1980) y una debilidad personal: La Pasión de China Blue (1984) con un Anthony Perkins poco menos que de antología. Del cine o del disparate...eso depende del espectador. La que nos ocupa pilló al cineasta con sus días de gloria algo lejanos y algo más calmado de sus locuras y obsesiones varias, pero no por ello perdió su sentido del cachondeo a la hora de adaptar para Vestron Pictures el relato de Bram Stoker. Una reptiloide/vampiresca Amanda Donohue se dedica a escupir veneno a crucifijos y comerse el "pichulín" (ouch) de pobres boy-scouts al mismo tiempo que busca vírgenes de buen ver para sacrificar a su dios mientras un Hugh Grant mucho antes de protagonizar insufribles comedietas románticas será el encargado de emular las hazañas de un antepasado suyo partiendo a reptiles/vampiros a la mitad con su espada. Russell no renuncia a sus secuencias oníricas como el ver en sueños a soldados romanos violando monjas al tiempo que una gran serpiente amenaza a un Cristo crucificado o a Hugh Grant contemplando en sueños una pelea a bordo de un avión entre féminas al tiempo que un bolígrafo que sujeta se va "levantando" metafóricamente. Añadan encantamientos de "serpientes" a ritmo de gaita y la entusiasta actuación de Donohue y el resultado es una cinta de justo culto que bien puede servir para ir introduciendo poco a poco al espectador desconocedor de su cine a Ken Russell.

Mencionar también que antes del "Gusano Blanco" se celebró una interesante mesa redonda. Para hoy Santo y Blue Demon Contra los Monstruos, La Endemoniada y la peli sorpresa, que por las pistas dadas es una de "hostias y chinos".

Peor Imposible XIII Edición (Día 2: "Gamera Vs. Gaos", "Zombi 3" y "El Trío Heróico")

2011-08-31T05:30:00.000-07:00

Al igual que ayer, lleno absoluto para la primera sesión, aligerándose un poquito para la segunda. Les aconsejo que sean puntuales, so pena de quedarse sin sitio. Un ambiente estupendo otra vez más con el respetable público listo para ver...

GAMERA Vs. GAOS, EL TERROR DE LA NOCHE (Daikaijû kûchûsen: Gamera tai Gyaosu, Noriaki Yuasa, 1967) En el "Peor Imposible" hay dos géneros que año tras año se repiten sí o sí. Uno es el de las películas de luchadores mexicanos con Santo y Blue Demon a la cabeza. El otro es el Kaiju-eiga, o sea "películas de monstruos" dándose guantazos y destrozando maquetas. La cinta que nos ocupa es la tercera de la saga de la entrañable tortuga Gamera, la respuesta de la productora Daei al todopoderoso Godzilla de la Toho. En esta ocasión se enfrenta a Gaos, un monstruo volador que gusta de partir aviones con sus rayos (animados), mandar a "tomar vientos" a tanques (de juguete) y arrasarlo todo básicamente. Donde los tiros no alcanzan para vencer al bicho, allí estará Gamera para intervenir en el último momento. Y donde sus llamas no alcanzan para vencer a Gaos, bueno será un "canto rodao". Añadan a un crío inevitablemente fiel aliado de Gamera y la gloriosa frase dicha por un científico en relación a Gaos "Ya que ni es un pájaro ni es un reptil...llamémosle monstruo" y tenemos una película recomendable para fans del género y, por qué no, para toda la familia.

ZOMBI 3 (Lucio Fulci, Bruno Mattei y Claudio Fragrasso, 1988) Oficialmente Lucio Fulci está acreditado como único director de esta secuela, solo en nombre, de su Zombi 2 (Nueva York Bajo el Terror de los Zombis). En realidad, Fulci abandonó el rodaje por sus problemas de salud aunque se rumoreó que tuvo problemas varios con actores y productores. El guionista Claudio Fragrasso echó mano de su amigo Bruno Mattei para completar el rodaje en Filipinas, donde Mattei rodó algunos de sus títulos más célebres (Strike Commando a la cabeza). Cuando Fulci vio el resultado final, montó en cólera y exigió la retirada de su nombre en los créditos, sin conseguirlo. Mattei juró y perjuró que Fulci rodó el 60% de la película y que Zombi 3 es más del "abuelo" Lucio que de él. Sin embargo, las imágenes parecen desmentir sus afirmaciones: Los zombis que caminan lentamente y el glorioso momento en que la cabeza de un zombi sale del frígorífico son obra de Fulci mientras que los que corren que se las pela son "Matteístas", amén de casi todas las peleas tróspidas, persecuciones y final con el helicóptero, inequívoco plagio marca de la casa del Dawn of the Dead (1978) Romeriano. Momentos estos que conforman el grueso del metraje. Protagonizada por el futuro director Deran Sarafian (hijo de Richard "Punto Límite Cero" C. Sarafian y realizador de Libertad Para Morir, Gunmen y Sin Escrúpulos), Zombi 3 es perfectamente disfrutable sabiendo de antemano lo que se va a ver: Actuaciones tirando a lamentables, gore a raudales, situaciones whathefuckeskas, científicos sobreactuados, zombis en llamas, tiros, explosiones y todo eso que el público del festival espera ver para aplaudir ante lo contemplado ante la pantalla. Ideal para juergas.

EL TRÍO HERÓICO (Dung fong saam hap, Johnnie To, 1993) El nombre de Johnnie To sin duda es reconocido entre aquellos cinéfilos que gustan de frecuentar el cine asiático y más concretamente su cine "noir" y de acción. Mucho antes de ser encumbrado en festivales como Venecia y Cannes, ya le acompañó una fama como cineasta de culto gracias a El Trío Heróico, una fantasía de superheroínas y acción en la que contó con la ayuda del célebre Ching Siu Tung (Una Historia China de Fantasmas) para las secuencias de acción y el protagonismo de Michelle Yeoh, Anita Mui (D.E.P.) y Maggie Cheung. Los bebés de Hong Kong desaparecen misteriosamente y las tres guerreras acabarán aliándose contra el poderoso villano y sus esbirros. Momentos para el recuerdo: La motocicleta de una Maggie Cheung muy alejada de sus papeles para Wong Kar Wai "volando" y dando vueltas en la estación de tren; La presentación de Cheung y su manera de entrar en un edificio sitiado por criminales: con un poco de dinamita y sentada sobre un barril, va "volando" a acabar con sus fechorías; Anita Mui corriendo por las líneas de cable telefónico; el duelo final con el villano saliendo de entre las llamas a lo Terminator viéndosele solo el esqueleto y cerebro y poseyendo a Michelle Yeoh, enfrentándose contra su voluntad a sus compañeras. Luz azulada esteticista en ciertos momentos y excelente acción por cable en un producto que recomendaría para todos, de no ser por una algo chirriante escena donde un bebé no es salvado a tiempo y muere al clavarsele un clavo en su cabeza. Tuvo secuela (The Heroic Trio II: Executioners) pero fue un fracaso entre los fans y la posibilidad de una franquicia se hizo añicos.

Para hoy, Capitán Marvel ("¡SHAZAM!") e interesantísima mesa redonda aparte, Vudú Sangriento, La Puerta del Infierno de Umberto Lenzi y La Guarida del Gusano Blanco de Ken Russell.

Peor Imposible XIII Edición (Día 1: "Billy the Kid vs. Dracula", "La Isla de Frankenstein" y "Los Nuevos Bárbaros")

2011-08-30T04:36:00.000-07:00

Había escrito que lo más probable es que no hubiera crónicas diarias del festival, pero mi portátil "milagrosamente" se recuperó y puedo decirles que diariamente tendrán comentarios sobre lo visto en el Centro de Cultura Antiguo Instituto. La novedad este año es que antes de las películas, podemos ver los capítulos del serial de la Republic Las Aventuras del Capitán Marvel (1941), considerado un clásico del género y de las primeras adaptaciones de superhéroes. Como siempre, la primera proyección fue lleno absoluto para posteriormente ir aligerándose de público. Y me alegro por los que se fueron, porque se perdieron una "joya" que comentaré después de...

BILLY EL NIÑO CONTRA DRÁCULA (Billy the Kid Vs. Dracula, William Beaudine, 1966) Rodada en 8 días por William "One Shot" Beaudine, uno de los directores más prolíficos de la historia del cine debido fundamentalmente al modo en que rodaba sus películas (a la primera toma, como indicaba su simpático apodo), la cinta que nos ocupa fue su penúltima película. Puro y duro producto de los Drive-Ins estadounidenses de los años 50 y 60 que formó programa doble precisamente con la última película de Beaudine, Jesse James meets Frankenstein's Daughter (1966). El pobre John Carradine interpreta al aristócrata de Transilvania poniendo cara de añorar los tiempos en que era un fijo de los repartos de John Ford mientras deambula por el Oeste encaprichado de la novia de un Billy el Niño ya talludito y cuarentón (Chuck Courtney) que quiere cambiar de vida. Huelga decir que lo mejor de la película es la divertida actuación de Carradine, con mención especial a los momentos en que "hechiza" a sus víctimas abriéndo mucho los ojos y volviénsode su rostro de color rojo anaranjado. Murciélagos que vuelan gracias a la inestimable ayuda de los hilos, iluminación tercermundista en escenas "oscuras", efectos especiales y trucos de montaje dignos de Ed Wood y un duelo final impagable que les destripo en el video de abajo para un título no por malo menos simpático.

LA ISLA DE FRANKENSTEIN (Frankentein's Island, Jerry Warren, 1981) Cuatro individuos y el chucho que les acompaña que quieren batir un record de distancia en globo acaban estrellándose en una isla en apariencia desierta (todo esto lo sabemos mediante planos de archivo de una competición de globos y voces en off; recursos necesitados ante la falta de presupuesto) pero en la que pronto descubren a unas amazonas que, entre otras cosas, gustan mucho de fumar hierba en calaveras; unos esbirros zombificados con exceso de ropaje y gafas extraordinariamente grandes por aquello de que son alérgicos al sol; un lobo de mar con parche en el ojo incluido alcoholizado y, según los expertos en la materia, el actor que lo interpretaba (Steve Brodie) estaba realmente borracho perdido; un capitán de un barco hecho prisionero; la esposa del Dr. Frankenstein (Katherine Victor, que interpretase para el director Jerry Warren a "Batwoman" en su anterior The Wild World of Batwoman; tiene "buena" pinta), que quiere mantener con vida al ayudante del doctor, que tiene 200 años de vida y que se llama Von Helsing (je je); el espectro de Frankenstein (John Carradine de nuevo), del que solo vemos su cabeza mientras grita risiblemente "¡el poder! ¡el poder! ¡el poder!"; y, last but nor least, la criatura de Frankenstein apuntándose a una antológica pelea final entre esbirros, amazonas, los cuatro héroes y el chucho que convierte en obras maestras a los típicos "combates preparados" de los críos de 6 años de Karate y Tai-Jitsu. Y lo que les he contado es lo más normal que sucede. Pregunten a cualquiera que haya visto la película y ya verán cómo les entran sudores frío a la hora de explicarla coherentemente. Fue la última película de su director, curtido en series Z infames. En esta web, se intenta explicar la película al completo, ideal para curtidos en mil batallas y para quienes quieran comprobar los poderes que tienen los tridentes de demonio comprados en la tienda de los chinos para carnavales. Madre de Dios.

LOS NUEVOS BÁRBAROS (I Nuovi Barbari, Enzo G. Castellari, 1983) Imagino que el nombre del director ya les sonará más. El autor de Mátalos y Vuelve (1969), Keoma (1976) o El Último Tiburón (o Tiburón 3, titulo original de la cinta que le valió un juicio con Universal Pictures por adelantárseles y "pisarles" el titulo) justo en plena fiebre de los clones de Mad Max II (1981), esto es, cine postapocalíptico rodado en lugares deshabitados y en canteras de prestigio. Rodada entre su anterior 1990: Los Guerreros del Bronx y su posterior Fuga del Bronx, la cinta en cuestión es uno de los exploits más divertidos y disfrutables del clásico de George Miller, con el héroe solitario en cuestión de nombre Escorpión (Giancarlo Prete, acreditado como Timothy Brent) enfrentado a una banda que se hace llamar "los templarios" que quiere erradicar a la humanidad o, como su líder One (George Eastman) dice, "erradicar el semen del hombre". A Escorpión le ayudan Nadir (el mítico Fred Williamson), armado con sus flechas explosivas, Alma (Anna Karakis), con la que el héroe tendrá una escena de coito con iluminación verde-artístico y un crío genio mecánico (Giovanni Frezza, chavalín visto en Aquella Casa al Lado del Cementerio o Manhattan Baby, ambas de Lucio Fulci) y su devastador tirachinas. El momento más inolvidable viene cuando los "templarios" apresan a Escorpión. Cuando el público está dispuesto a presenciar lo que parece ser una escena de tortura a lo Gibson o Brando...One le baja los pantalones y ¡¡¡procede a sodomizarle!!!. Lo han leído bien. Glub. Pero no se preocupen: habrá venganza en forma de "taladro grande y largo" en la persecución final en los coches. ¡Ouch! A destacar también que Castellari no se olvida de su querido spaghetti-western en muchos planos del duelo final con los "templarios" y en el homenaje a Por un Puñado de Dólares (1964), el poncho y la plancha metálica, adelantándose a Regreso al Futuro II (1989). Tampoco se olvida de su querido Sam Peckinpah utilizando su también querido recurso del slow motion a la hora de plasmar explosiones, caídas y demás escenas de acción al ritmo de la excelente banda sonora de Claudio Simonetti. Recomendable para una noche de pizzas y cervezas con los amigos.

Para hoy, Gamera Vs. Gaos, Zombie 3 (oficialmente de Lucio Fulci pero extraoficialmente...ya les explicaré esto) y El Trío Heróico de Johnnie To.

Peor Imposible XIII Edición: El Terrario (este año sí) estará allí

2011-08-25T12:10:00.000-07:00

Quien haya seguido el anterior blog cuando estaba ubicado en La Coctelera, sabrá que una de las secciones más esperadas era la del seguimiento del festival Peor Imposible que se celebra en Gijón desde 1999. El año pasado no pude comentar nada debido a (benditas) obligaciones laborales. Para esta edición sí que puedo decirles que podré cubrir el certamen, espero que para los seis días que dura, del 29 de Agosto al 3 de Septiembre en el Centro de Cultura Antiguo Instituto. Les aviso que en esta ocasión lo más probable es que no haya crónicas diarias (el portátil desde donde las escribía está "griposo", así que muy posiblemente vaya comentando las incidencias diarias en la página de Facebook por el ordenador grande), reservando mis opiniones sobre el ambiente, tertulias y proyecciones para un post especial que escribiré la semana después del certamen. Ya veremos. Aquí tienen el programa al completo. Si lo desean, podrán verme por allí. Que San Al Adamson, patrón de los cineastas patosos nos proteja.

LA SEMANA MÁS LARGA (8-14/8)

2011-08-15T05:13:00.000-07:00

MÁSCARA (Mask, Peter Bogdanovich, 1988) La Universal Pictures quería su propio Hombre Elefante (The Elephant Man, David Lynch, 1980), igualmente basado en una historia real (la de Rocky Dennis) y ficharon a un Peter Bogdanovich que intentaba levantar cabeza profesional y personalmente. El resultado fue una apreciable cinta que si bien es carne de telefilm de sobremesa, compensa sus limitaciones con dos grandes actuaciones por parte de un Eric Stoltz sepultado por un magistral maquillaje de Michael Westmore como el chaval de cráneo más grande de lo normal y una Cher motera, drogadicta y madraza que demuestra que cuando le daba la gana podía ser una gran actriz. Hay carrusel de tópicos: El dire del instituto reacio (en principio) al chaval, la puta de buen corazón, la cieguecita de la que se enamora Rocky Dennis (Laura Dern a punto de irse a vivir a Lumberton). Pero todos ellos son servidos con corrección y sin querer cargar demasiado las tintas en la "deformidad". Bogdanovich volvió a triunfar en taquilla después de muchos años, pero sus peleas con Cher en el set de rodaje y en la postproducción con Universal (Bogdanovich quería canciones de Springsteen y el estudio decidió cambiarlas por temas de Bob Seger) malograron su comeback.

LAS CHICAS DEL TANGA (Jesús Franco, 1983) Las cosas que hacían Jesús Franco y su troupe habitual de principios de los 80 (Lina Romay, Antonio Mayans, José Llamas, el director de fotografía Juan Soler) allá por Benidorm. Una especie de comedia erótica sobre tres parejas y sus destinos cruzados. Impagable actuación de Lina como la folklórica con problemas con hacienda Lola Clavijo (je je), Mayans seduciendo a turistas francesas y un holandés por ahí haciendo fotos a edificios "horrendos" (claro precedente de "Satán es mi señor") para una tesis sobre arquitectura que es "acosado" por una bella patinadora. Mucho cuerpo femenino desnudo pero casi no hay escenas de sexo. También pululan por ahí un par de críos que engañan a la gente pidiendo dinero con su madre detrás de ellos y su padre con una doble vida como travestido en un night club y un culturista bruto y machista que reacciona de mala manera cuando se entera que su amada tiene..."pichurrín". Cuando Franco decía que la peli tenía "una fuerte carga social", debía referirse a esto. Ah, la dirección está acreditada a Lina Romay con su verdadero nombre (Rosa Almirall), pero en realidad es de Franco.

ATRAPADOS EN EL MIEDO (Carlos Aured, 1983) Cosas a rescatar de este bodrio: a) El Tagline. b)Unos créditos animados con banda sonora a golpe de bajo. c) Adriana Vega y Sara Mora. d) Una cita "whatthefuck" a Lovecraft al final de la cinta. El resto acaba siendo un anodino y alargado coñazo deudor de las slasher movies americanas en el que brillan por su ausencia los sustos y la originalidad rodada con desgana por un Carlos Aured que se despidió de la dirección de películas oficialmente con este titulo. El propio Aured reconoció años después que la peli era "bastante mala".

EJECUTOR (Raw Deal, John Irvin, 1986) Típica peli que uno ve de crío y "le flipa" y a la hora de revisarla de adulto se le desmorona por completo. Protagonizada por Arnaldo Esbarcenáguer y sus puros, el austriaco hace papilla a la mafia chicagolense en un titulo digno de McBain al que le eliminaron los chistes, los villanos carismáticos (y sí, Robert Davi pasa por alli), el ritmo y, lo que es peor, las escenas de acción a recordar salvo cuando vacía plomo a los malos en su coche a ritmo del "Satisfaction" de los Rolling Stones. A anotar también el "¿Quién crees que soy, Harry el Sucio?" que Arnie suelta a su ex-jefe en un guiño a su íntimo amigo Clint . Dirige el correcto y aplicado artesano en sus días buenos y el plano y anodino director en sus días malos John Irvin y produce el mítico Dino De Laurentiis. Para completistas.

EJECUTIVO AGRESIVO (Anger Management, Peter Segal, 2003) Lo que tiene que hacer el pobre Jack Nicholson para poder pagarse el asiento VIP en el Staples Stadium y poder hacer "Juramentos", "Schmidts", etc. Protagoniza una de las desgracias de Hollywood que atiende por Adam Sandler y dirige el impersonal "yesman" Peter Segal. A falta de buenos chistes y que Nicholson básicamente pasa por allí arqueando las cejas, tenemos papeles secundarios de Marisa Tomei, Luis Guzmán y John Turturro (otros que necesitan el dinero) cameos de gente como Woody Harrelson como travestido, Heather Graham y John C. Reilly de ex-bully y monje budista (el único gag aprovechable). Sabes que tu blockbuster está en problemas cuando ni Jack le imprime energía. Otro bodrio taquillero de los de ir adivinando qué va a pasar cada poco. Qué lejos queda la reivindicable Little Nicky (Steven Brill, 2001).

HANCOCK (Peter Berg, 2008) Blockbuster veraniego al servicio de un Will Smith decidido a ser la versión negra de Tom Cruise pero olvidándose de fichar por directores "de prestigio" y eligiendo a "yesman" que sepan colocar la cámara y no protesten mucho a la estrella (pregunten a Tarantino por qué lo descartó como prota para su futura "Django Unchained"). Si bien podía sacarse petróleo de la historia de superhéroe acabado, resacoso y que causa destrozos y cuantiosos daños materiales a la ciudad de L.A., lo cierto es que la cinta se deja ver sin problemas con momentos afortunados como el comienzo en la autopista, lo que ocurre cada vez que alguien le llama "capullo" (esa cárcel ) o cuando descubre el secreto de Charlize Theron. A partir de ahí se da un giro a la historia del que conviene no decir mucho. Peter Berg es de la escuela de montar a lo videoclip, pero la acción puede seguirse. Agradecida duración (80 minutos sin créditos) y producción de Michael Mann, cameo incluido.

HARRY EL FUERTE (Magnum Force, Ted Post, 1973) Inevitable secuela de la saga del policía más duro de San Francisco sin Don Siegel pero con Ted Post en la dirección. Y lástima. La maestría del primero es aquí una dirección tirando a plana. Hinchada de metraje hasta las casi dos horas y que pierde su interés justo después de la escena del avión, se intentó rebatir las futiles acusaciones de fascista del personaje poniéndolo a enfrentarse a un grupo de polis que se toman la justicia por su mano con los criminales a los que la justicia deja libres. Tiene buenos momentos como el de la escena del avión o el atraco (curiosamente aquellos que no tienen que ver con la trama), pero todo se alarga innecesariamente. En el guión, un John Milius que pensaba más en su magistral debut Dillinger (1973) que en Harry y un primerizo Michael Cimino que fue el encargado de humanizar a Callahan y al que se le atribuye la frase de "un hombre debe conocer sus limitaciones". Clint quedó tan impresionado con Cimino que le preguntó si tenía algún guión que pudiera dirigir y éste le entregó el de Un Botín de 500.000 Dolares (Thunderbolt & Lightfoot, 1974), que tras mucho comer el coco a Clint acabaría dirigiendo el italoamericano. Magnífica BSO de Lalo Schifrin y grandes títulos de crédito.

HARRY EL EJECUTOR (The Enforcer, 1976) Clint se dio cuenta de que el segundo titulo de la saga era demasiado largo y ahora la duración es de hora y media. Los villanos ahora son hippies terroristas con jefe veterano del Vietnam y esta vez al bueno de Harry le asignan un compañero de aventuras...que resulta ser una mujer habituada al trabajo de oficina pero con nulo contacto con la calle. Cosas de que el Alcalde quiere acabar con el machismo en la poli de San Francisco. Muy preferible a Harry el Fuerte y con momentos estelares como una persecución a pie que se desarrolla por los tejados y que acaba en el set de una peli porno setentera, el atraco del comienzo con Harry atendiendo a las peticiones de los atracadores en una licoreria de que les den un coche (adivinen donde "aparca" y los desperfectos que causa) o los "duelos" con su compañera (acertada Tyne Daly). Filmada con corrección por el hombre de confianza de Malpaso James Fargo y sin Lalo Schifrin, muchas protestas de público y criticos "a la izquierda" pero nuevo éxito de taquilla. En homenaje a Charles Bronson, uno de los personajes se llama Buchinski (apellido verdadero de Charlie). Bronson "devolvió" el favor a Clint en Death Wish 3 (1985): Ambas películas tienen gloriosos bazookazos en ciertos momentos.

LA LISTA NEGRA (The Dead Pool, Buddy Van Horn, 1988) El capítulo final de la saga y condición indispensable de la Warner para que Clint pudiera rodar Bird (1988). Con más chistes que nunca y ya con el personaje casi casi como autoparodia, el hombre de confianza de Malpaso y legendario coordinador de especialistas Buddy Van Horn dirige esta historia de "porra necrológica" de famosos con director de cine de terror como principal sospechoso (Liam Neeson). De paso, crítica al periodismo sensacionalista con subtrama amorosa con periodista (Patricia Clarkson) y el inevitable compañero de Callahan listo para acabar como el rosario de la aurora (mi compañero de aventuras en El Salvador nada más empezar "V" Evan Kim, en un guiño a las minorías "mayoristas"). No hay mucho que destacar, salvo una soberbia persecución paródica de Bullitt (1969) por las calles de San Francisco protagonizada por un coche de juguete teledirigido con explosivo, un primerizo Jim Carrey, presente también en El Cadillac Rosa (Pink Cadillac, 1989) haciendo de rockero heroinómano víctima del asesino y cantando "Welcome to the Jungle" y la "venganza" de Clint contra la crítica de cine Pauline Kael con el asesino cargándose a una sosias de ésta. Es que en sus críticas decía que Clint era un facha descerebrado y tal. Lalo Schifrin vuelve a poner música, pero desgraciadamente con el piloto automático.

Louise Brooks: Lulu on the tightrope (1)

2011-08-11T18:13:00.000-07:00

"Tengo un don para cabrear a la gente, pero si te aburro, será con un cuchillo". Louise Brooks.

El 14 de Noviembre de 1906 en el pueblecito del Kansas más profundo llamado Cherryvale nacía la hija del abogado Leonard Porter Brooks y Myra Rude, a la cual pusieron de nombre Mary Louise Brooks. Con papá ausente del hogar debido a su trabajo, Myra Rude fue la encargada de educar a Louise y hermanos. Myra Rude era una persona con grandes inquietudes culturales que se encargó de pasarlas a sus hijos, como por ejemplo enseñarles las obras musicales de Debussy y Chopin. También era una mujer, por decirlo suavemente, con todo un carácter que pensaba que sus hijos debían ser capaces de valerse por sí mismos. A nadie debía extrañarle que años después Louise fuera recordada como una persona de gran cultura y con todo un temperamento que le valió el rechazo de Hollywood. Pero no adelantemos acontecimientos. Con tan solo nueve años de edad sufrió un hecho que la marcaría de por vida y que tristemente se produce a diario en todo el mundo: Fue violada por un depravado. Cuando años después se lo contó a su madre, ésta le respondió que la culpa fue suya "por provocarle".

Cuerpo de baile de la Academia Denishaw. Brooks es la segunda por la derecha.

Flash forward hasta 1924 en Los Angeles, California. Estamos en la Academia de Baile Denishaw, donde futuras grandes bailarinas como Martha Graham se formaron. En la sala de ejercicios se produce un enfrentamiento dialéctico entre la jefa Ruth St. Denis y una Louise de solo 18 años que actúa como una diva caprichosa sin haber hecho méritos para serlo. St. Denis le enseña la puerta de salida cansada del divismo de su alumna, al tiempo que le dice "¡te despido porque quieres la vida en bandeja de plata!". Louise no estará en el paro por mucho tiempo: Su buena amiga Barbara Bennett (hermana de Joan) le consigue un puesto para actuar de corista en Broadway. Concretamente en los George White's Scandals, show de variedades donde hicieron carrera gentes como Ann Miller, los Three Stooges o un futuro compañero de reparto cinematográfico de Louise: W.C. Fields. De allí fue directa al show por antonomasia de Broadway: Ziegfeld Follies, donde músicos, cómicos y bailarinas entretenían al público de unos roaring twenties alegres y felices. Una de sus compañeras de baile era Paulette Goddard, futura musa y esposa de la persona con la que Louise pasaba su tiempo libre. Y es que el verano de 1925 estuvo lleno de visitas a la cama del entrañable pichabrava Charles Chaplin.

Brooks & Fields

Después de un contacto con Hollywood tan "íntimo", era cuestión de tiempo que llegara otro contacto con la Babilonia del siglo XX...aunque más profesional. Un productor y cazatalentos de la Paramount se interesó por Louise y esta aceptó hacer las maletas para viajar a la Costa Oeste. Tras firmar un contrato leonino de cinco años con el afamado estudio de la montaña nevada, los ejecutivos decidieron que su nueva promesa se fuera fogueando en cintas de poca monta y bajas expectativas comerciales. De entre estas películas, hay que destacar I'ts The Old Army Game (1924) por un par de razones: juntó en la pantalla a W.C. Fields y Brooks (ambos por cierto con demasiado gusto por la botella) y durante el rodaje Louise conoció al que sería su primer marido, el director de la película Edward Sutherland, que empezó su carrera como actor y más concretamente como uno de los famosos Keystone Cops. Charles Chaplin vuelve a cruzarse en el camino de esta historia por la casualidad de que Sutherland fue dirigido en Una Mujer de Paris (A Woman of Paris, 1923). Lejos de ser un matrimonio feliz, éste estuvo lleno de infidelidades varias tanto de Brooks como de Sutherland, por lo que no es de extrañar que el divorcio llegara pronto. Concretamente cuando Louise conoció al millonario George Preston Marshall, un propietario de una cadena de lavanderias con el que pronto empezaría a socializar en los círculos más privilegiados de Hollywood.

Brooks & McLaglen.

1928 fue el año del lanzamiento de Louise. Por fin un director de categoría como era Howard Hawks se fijó en ella para un papel de rompecorazones en Una Chica en Cada Puerto (A Girl in Every Port, 1928). La historia de dos marineros rivales al principio (Victor McLaglen y Robert Armstrong) y amigos después a base de darse una ensalada de sopapos cuya amistad se pone a prueba cuando conocen a una artista de circo (Brooks) especialmente arpía. Aparte de ser recordada por ser pionera en muchos de los temas a los que Hawks volvería en futuras ocasiones, fue la película con la que Estados Unidos "descubrió" el talento innato de robaescenas de Louise. Pronto llegarían a los kioskos revistas de cine y moda varias con Louise ocupando la portada. Era el momento de darle a la chica del "casco negro" un papel protagonista.

Brooks & Arlen: Hobos with an ego.

Otro nombre ilustre de Hollywood como William Wellman se interesó por Louise para su drama sobre tres vagabundos que huyen de la justicia Mendigos de Vida (Beggars of Life, 1928). El papel de Louise daba para muchas posibilidades dramáticas al interpretar a una joven desdichada que mata a su padrastro en defensa propia cuando este intentaba violarla. Además, estaría rodeada de dos estrellas del estudio como eran Wallace Beery y Richard Arlen. Todo parecía indicar que no habría problemas durante el rodaje, pero pronto estallarían los egos. Louise empezaba a tener la vida "en bandeja de plata" y el estudio la pagaba un magnífico sueldo, cosa que hizo poca gracia, por no decir ninguna a su co-estrella Richard Arlen, que consideraba que Louise era una recién llegada a Tinseltown que no merecía cobrar una buena fortuna...sobre todo si cobraba más que él. Arlen no tardó en quejarse de su situación en voz alta durante la filmación y pronto comenzaron las batallas verbales entre los dos divos. Un rodaje "divertido" que sin embargo no empañó la química que mostraba en pantalla la pareja. Mendigos de Vida es un titulo recomendable para todo aquel cazador de películas de los años 20 no muy conocidas y una cinta obligatoria para fans de la Brooks. Aparte de la presencia de Louise disfrazada de chico por exigencias del guión, hay escenas sobresalientes como el perturbador flashback donde Brooks narra el intento de violación y muerte de su padrastro mientras vemos su rostro superpuesto, Arlen enseñando a Brooks cómo subirse a un tren en marcha (escena rodada sin dobles), los dos protagonistas solitarios en un pajar (ojo a las emociones que expresan sus rostros), la convincente actuación de Beery como líder de un grupo de vagabundos que querrá a Louise para él solo o el climax final con los protagonistas enfrentados a la policía en pleno tren en marcha. Todo ello mientras vemos una "América profunda" pre-Gran Depresión polvorienta y nada glamourosa filmada con la impecable fotografía de Henry Gerrard. Aunque el bloque central de la película tire a espesito, las virtudes acaban sobreponiendose para confirmar a Mendigos de Vida como un clásico de culto. Sobre todo al ser una de las primeras películas al experimentar con el sonido, todavía en pañales pero firmemente asentándose en las salas de todo el mundo.

Brooks realizó posados desnuda, como éste de 1924.

Mientras tanto, Louise se lo "pasaba en grande". Aunque oficialmente su pareja era el millonario Marshall, extraoficialmente visitaba camas de hombres y mujeres conocidos o no para saciar su legendario apetito sexual ("Hacer el amor es sólo una forma petulante de pasar el tiempo esperando la llamada del estudio de cine"). La propia Brooks dijo que la mismísima Greta Garbo tuvo un rollete de una sola noche con ella y que fue una amante "encantadora y tierna". Pero no sólo el sexo fácil era una de las ventajas del estrellato: Fue habitual de la mansión de William Randolph Hearst y Marion Davies y de sus legendarias fiestas, donde disfrutaba peligrosamente de los placeres del alcohol que causarían futuros quebraderos de cabeza a sus directores. Afirma Kenneth Anger en su primer Hollywood Babilonia (o sea que hay que coger esta anécdota con pinzas) que posiblemente se deba a la lenguatera Brooks el que se filtrase por los mentideros de Hollywood un secretillo de alcoba que le contó Davies: Su viejo y millonario marido llamaba "rosebud" a una parte de su anatomía muy íntima. Si "gracias" a Louise Orson Welles tuvo el nombre para la clave de la vida de su Charles Foster Kane en Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941), la actriz se merece con más motivo su lugar en la historia del cine... Lo que sí podemos asegurar al 100 % es que el futuro guionista de Kane Herman J. Mankiewicz fue uno de los guionistas de la siguiente película de Brooks en Paramount, The Canary Murder Case. Al acabar el rodaje, a Louise le llegaron noticias desde Alemania sobre el interés de un director por sus servicios como actriz.

LA SEMANA MÁS LARGA (1-7/8)

2011-08-08T04:10:00.000-07:00

NECRONOMICÓN (Jesús Franco, 1968) Si el propio Jess Franco no es capaz de describir la trama de la peli, ¿lo voy a hacer yo? No. Tiene que ver en cómo se funden la fantasía y la realidad de una performer girl de un show sadomasoquista y cómo se van confundiendo en uno de los titulos más celebrados internacionalmente de Franco. Con libertad absoluta para hacer lo que quisiera dentro del estrecho margen que le dejaba el presupuesto, la cinta es un "trip" psicodélico entre fiestas bizarras con invitados actuando como perros, lesbianismo, sexy shows marca de la casa franquiana, personajes soltando nombres al azar (Buñuel, Fritz Lang, Godard…por ejemplo), influencias del cómic y el amado jazz de Jess y hasta el mismísimo diablo…¿o está todo dentro de la mente del personaje de una deliciosa Janine Reynaud? Presencia de los míticos Jack Taylor y Howard Vernon, pretenciosidad y desenfado y banda sonora jazz de Friedrich Gulda para un film no apto para cualquier tipo de público y, casi casi, reservado estrictamente a “franquianos” de pro. Por cierto, Fritz Lang felicitó públicamente a Jess tras ver la peli comentando que fue la única peli erótica con la que se quedó en la butaca hasta el final.

ALEXANDER NEVSKI (Sergei M. Eisenstein, 1938) Sergei Eisenstein tardó un par de años en rodar la épica historia de un principe ruso que librará una dura batalla con los malignos conquistadores teutones (echan a niños a la hoguera y todo). Básicamente el motivo de que tardara tanto en filmarla se debió a su meticulosidad en rodar las impresionantes batallas entre ejércitos en la nieve y lagos helados. Batallas copiadas posteriormente por directores de todo tipo y pelaje, desde David Lean en su Zhivago hasta Antoine Fuqua en El Rey Arturo. Realizada con fines claramente propagandísticos (cambien el siglo XIII por el XX y a los invasores por los nazis) y con la estrecha colaboración de Prokofiev en la banda sonora, un título indispensable para cinéfilos, aunque pueda “indigestarse” al espectador “corriente” con su estatismo.

S1M0NE (Andrew Niccol, 2001) Hay películas como decía Carlos Pumares que son mejores contadas que vistas. Un Andrew Niccol con todas las buenas intenciones del mundo tras Gattaca y El Show de Truman decide hacer el tercer capítulo de una especie de trilogía sobre lo que es real y lo que no realizando un remake, salvando las distancias, de La Mujer Explosiva con una fábula con moraleja sobre un director “artista” (“Patxi”) que va de fracaso en fracaso y cuyo remate es el abandono de la actriz protagonista (Winona Ryder) por no satisfacer sus demandas (el trailer más alto, m&m’s rojos separados del resto). Su carrera va al garete, pero conoce a un inventor excéntrico enfermo terminal (Elias Koteas) que le deja un programa informático al morir. Con él creará a la actriz perfecta. Pero se convierte en megaestrella y. por supuesto, no existe en el mundo real. Más que reflexionar sobre lo real y lo virtual, los tiros van a satirizar Hollywood y la farándula que lo rodea (paparazzi, mass media, ejecutivos cómo fabricar una estrella) tirando por los caminos previsibles y con citas cultas de chinchinabo (S1m0ne cantando Natural Woman de Aretha Franklin, la hija de Pacino leyendo…Pigmalión). Demasiado larga y con un tramo final que huele a bloqueo creativo solucionado “porque sí”, se deja ver de todas formas, pero la oportunidad perdida es de las gordas.

TENDER FLESH (Jesús Franco, 1997) La primera de las producciones de Jesús Franco con One Shot Productions .Y según todos, la mejor/más presentable/menos mala, dependiendo a quién pregunten. Protagoniza la bella Amber Newman y completan el reparto Lina Romay y un pobre Aldo Sambrell más perdido que una convención de fans de Burt Reynolds en el club "La Ostra Azul". Vendida en principio como una variante más de la historia de El Malvado Zaroff, en realidad es un pretexto para filmar escenas softcore de lesbianismo, masoquismo, canibalismo y un largo etc. que produce más somnolencia que excitación. Los últimos 10 minutos se dedican a la "caza a la macizorra" por los bosques malagueños, pero para entonces uno se pregunta "total...¿para qué?" Ojo al sexy show del comienzo, con una Newman que podía haber sido una magnífica musa franquiana, pero malos hábitos de salud (alcohol y drogas) hicieron a Franco casi prescindir de ella y una "impagable" escena donde la esclava sexual de los ricachones de la isla donde se desarrolla la acción hace pis en una pota...sin trampa ni cartón. Adivinen qué hará el cocinero con ella. Que aproveche.

DÍAS REBELDES (American Anthem, Albert Magnoli, 1986) Tras el espectacular éxito de Purple Rain (la película), los ejecutivos de Lorimar ficharon a su director Albert Magnoli para rodar una imitación/plagio del clásico protagonizado por Prince: Joven con un don extraordinario (allí la música, aquí la gimnasia), con problemas familiares (en las dos los padres son la fuente principal de los problemas, enfrentamientos físicos incluidos), con novia cuyas relaciones van de lo maravilloso a lo desastroso (allí Apollonia, aquí Janet Jones), con rivales que al final y en el fondo son “buena gente” (allí Morris Day & The Time, aquí los del gimnasio rival…chino malencarado incluido), con traumas que vencer en el final (allí en el escenario, aquí en una competición para designar a los representantes del equipo olímpico americano). Claro que al menos Prince tenía presencia ante la cámara y sabía actuar un poquito; el gimnasta olímpico Mitch Gaylord no se diferencia mucho de un mueble interpretativamente hablando y su carisma es cero. Todo un carrusel de tópicos para ir adivinando conforme avanza el metraje rodados con la misma estética de Purple Rain (luces de neón, niebla, fotografía “flashdancera”, montaje “mtvochentero”) pero sin las virtudes de aquella. Que no eran solo las canciones precisamente. La carrera de Magnoli como director de serie A terminó aquí, si descontamos su labor como sustituto no acreditado en Tango & Cash tras el despido de Andrei Konchalovsky y se dedicó al masoquismo: Fue asistente personal de Prince durante dos años.

LA SEMANA MÁS LARGA (25-31/7)

2011-08-01T06:42:00.000-07:00

CLERKS 2 (Kevin Smith, 2006) Tras el batacazo de Jersey Girl, Kevin Smith intentó recuperar el prestigio perdido tirando por la solución más fácil: Secuela de la película que le lanzó a la fama, ahora en color y con más medios y estrellas invitadas (sus amiguetes Ben Affleck y Jason Lee). Cambiando la tienda por una hamburguesería y sin muchas pretensiones, Smith sabe cómo contar chistes y nos da momentos impagables como las coñas con El Señor de los Anillos o El Silencio de los Corderos, el momento protagonizado por un burro, más andanzas de los teóricamente acabados Jay y Bob el Silencioso ("the fuckin' holy bible!") y un entrañable homenaje a los Jacksons 5 con una coreografía del "ABC". Olvídense de ver a Smith intentando imprimir algo de estilo visual a la cinta tras sus intentonas con el formato scope en Dogma o colaborando con Vilmos Zsigmond en Jersey Girl. Se ve, se disfruta y se olvida. Eso sí, si tienen fresca la Clerks original, anden atentos a los guiños.

JUEGO DE AMOR PROHIBIDO (Eloy De La Iglesia, 1975) Un Eloy De La Iglesia mucho antes de convertirse en el cronista del lumpen y los desarraigados de la España de principios de los 80 dirigió esta historia de profesor rico que da clases exclusivamente por placer y que recoge a dos de sus alumnos que estaban haciendo autostop para fugarse de casa. Los invitará a quedarse en su mansión, donde no les faltara de nada, pero no tardará en encerrarlos en compañía de otro alumno que lleva dos años allí (Simón Andreu, habitual de Eloy y coproducciones varias), comenzando así una serie de juegos y relaciones que desembocarán en una rebelión. Metafórica como ella sola y mutilada por la censura en pleno 1975, es una cinta que se deja ver gracias a las buenas actuaciones de Javier Escrivá como el profesor "facha" que escucha a Wagner todo el tiempo y de una lolitesca Inma De Santis. Atrevidas esecnas eróticas para la época, tríos en off y masoquismo con velas incluido para un titulo que bien merece un pequeño rescate.

LAS VAMPIRAS (Vampyros Lesbos, Jesús Franco, 1970) Probablemente la película de Jesús Franco con mayor culto en el mundo y con razón. Adaptando a su manera la historia de Bram Stoker y dando la vuelta a algunos de sus elementos (ejemplos: la vampira toma el sol alegremente, Renfield es una mujer y el Dr. Seward no busca destruir a la vampira sino "ser uno de ellos"), Vampyros Lesbos convirtió a la finada Soledad Miranda en un justificado mito del cinema bis siendo de paso la musa por antonomasia franquiana junto con Lina Romay. Baste con verla en algunos de los sexy-shows aderezados con la soberbia música jazzie con sitar y sonidos bucales de Mannfred Hübler y Sigi Schwab y el magnetismo que tenía con la cámara para comprobarlo. Por si eso no bastase, la fotografía colorista de Manuel Merino, una atmósfera manlsana y onírica y el papelito de Jess como zumbado justifican de sobra la visión de la película. Olvídense de noches siniestras, universos góticos y todas las películas de vampiros que hayan podido ver antes y abrazen el sol del Mediterráneo, los nightclubs de Estambul y una cinta de vampiras como no se ha hecho ni se hará jamás, aunque el propio Jess volviera a variaciones del mismo tema sin el éxito de antaño.

THE BOX (Richard Kelly, 2009) Al pobre Richard Kelly le dijeron tras la maravillosa Donnie Darko que era el David Lynch de su generación. Se lo creyó y quiso demostrar que era el "auteur del futuro" con la locura Southland Tales (que yo me atrevo a defender, aún consciente de sus gordos defectos). Su proyección en Cannes fue un desastre histórico , se añadieron nuevos efectos especiales, se recortaron 20 minutos, se estrenó malamente y casi nadie fue a verla, convirtiéndose Kelly no en el nuevo Lynch, sino en el Michael Cimino del fantástico. Realizada para reconciliarse con la industria, con una pareja taquillera (la casi siempre insufrible Cameron Diaz y James Marsden) y dejando apartadas la locura e ínfulas de su anterior película (aunque no del todo), Kelly adapta un relato de Richard Matheson que fue episodio de la Twilight Zone ochentera y se atreve a ir más allá, con la NASA, Marte, túneles de viento, "el más allá", papa noeles en la carretera, gente zombificada, referencias nada sutiles a Sartre y Arthur C. Clarke y un excelente Frank Langella desfigurado metidos en la trama. Con momentos de tensión lograda como la escena de la biblioteca, The Box exige verse sin hacerse muchas preguntas sobre los agujeros de la trama durante la proyección y dejándose llevar por el buen hacer de Kelly. Y cuidado si les sangra la nariz.

VAMPIRESAS 1930 (VOLANDO HACIA LA FAMA) (Jesús Franco, 1960): ¿Jesús Franco dirigiendo una película de cuplés propia del "Cine de Barrio" de Parada (de los monstruos)? En los inicios de su carrera como director rodó dos cintas de este tipo: La Reina del Tabarín y la que nos ocupa. Cogiendo básicamente la trama de Cantando Bajo la Lluvia sin desdeñar otras películas (de El Cantor de Jazz hasta Con Faldas y a lo Loco), toda una curiosidad con Antonio Ozores y Lina Morgan secundando a la cantante Mikaela. Papel para Manuel Alexandre como director sufridor y crédito destacado por empeño de Franco para el mítico pianista de jazz Tete Montoliú. Alternando buenos momentos como el comienzo en un rodaje de una película de vampiros o una improvisada jam session en un restaurante con otros soporíferos, hay que destacar un tramo final donde los protagonistas se hacen pasar por negros. De haberse rodado ahora, le prohibían la peli al bueno de Jess.

EL CAMINANTE (Jacinto Molina, 1979) El diablo adopta forma humana y se da un garbeo por la tierra circa la edad media para descubrir que el hombre puede ser más cabrón que él. Protagonizada y dirigida por Paul Naschy y considerada por él mismo y por sus fans como una de sus mejores películas, oficialmente se realizó para condenar y lamentar "la condición humana" (que también), pero otro de los propósitos de su existencia era aprovecharse de la moda del destape, alegrando la vista al espectador con generosos desnudos de guapas como Silvia Aguilar y Blanca Estrada...y del propio Naschy. Elementos positivos: la fotografía de Alejandro Ulloa, el sueño del acompañante del diablo/Naschy donde ve el futuro negro de la humanidad (guerras, bomba atómica) después de que exprese su optimismo sobre la misma, el inolvidable plano con el diablo crucificado ante la imagen de Cristo y evidentemente las bellezas femeninas. Lástima que el desarrollo sea tirando a torpón. Aún así, un titulo estimable aun con sus endebleces. En la inmediatamente posterior Madrid al Desnudo Naschy exploraría/explotaría aún más el filón del destape.

INFRAMAN (Zhong guo chao ren, Shan Hua, 1975) La Shaw Brothers hongkonesa produce esta tróspida mezcla de Ultraman, las monsters movies a lo Godzilla y el cine de artes marciales en una cinta muy divertida. Lo mejor de la película son los monstruos con traje de goma que sirven de esbirros a la villana megalómana de turno que pueden mutar de tamaño, lanzar rayos (pintarrajeados en la pantalla) o machacar wolkswagens escarabajos. Menos mal que por alí anda Inframan, un soldado que al ser inyectado con adrenalina se convierte en todo un superhéroe dispuesto a salvar al mundo. Un ritmo trepidante y la aparición de Bruce Le (clon de...) en un papel secundario redondean una cinta de la que los creadores de los Power Rangers bebieron bastante. En este sitio indispensable de la blogosfera la tienen comentada pormenorizadamente.

LA SEMANA MÁS LARGA (18-24/07)

2011-07-25T05:27:00.000-07:00

OBJETIVO MANHATTAN (aka NICK FURIA, AGENTE DE S.H.I.E.L.D.) (Nick Fury: Agent of S.H.I.E.L.D., Rod Hardy, 1998): Adaptación televisiva de las aventuras del personaje de Marvel de la que algunos dicen que era un episodio piloto para una serie que nunca se hizo. Escribe el guionista de Libertad Para Morir y la saga Blade David S. Goyer y producen Stan Lee y Avi Arad mucho antes de que se convirtieran en dos de los amos del Hollywood de hoy en día con sus millonarias películas de superhéroes. Lo mejor del asunto es su protagonista David Hasselhoff. Aunque a algunos les parezca una comedia, lo cierto es un perfecto Nick Furia con toques a lo Snake Pliskeen (y no solo en el parche en el ojo) y se lo pasa en grande en la tv-movie. Ojalá pudiera decirles que el resto está a la altura de su protagonista, pero la desgana, el aspecto barato de FX, decorados y demás acaban por inclinar la balanza en contra. ¿Soy el único que piensa que Hasselhoff se merece una oportunidad a lo grande y ser rescatado de las garras del frikerío que solo lo conoce por sus tróspidos y gloriosos videoclips en Youtube?

EL HOTEL ELÉCTRICO (Segundo de Chomón, 1908): Cada vez que alguien dice que gente como Zack Snyder es un "visionario" (como no sea en el aspecto de abusar del ralentí y la pantalla azul), siempre es bueno echar la vista atrás y recordar a gente que de verdad innovó con la narrativa y el lenguaje cinematográfico en tiempos anteriores a la fría era de los ordenadores. Por ejemplo, Segundo de Chomón, un aragonés que junto con el más famoso Georges Méliés realizaron los primeros cortos con argumento y efectos especiales. Su corto más famoso es el que nos ocupa, donde se mejoró y perfeccionó el sistema de "paso de manivela" (lo que vulgarmente se llama stop-motion) y se dibujaron en los fotogramas efectos de rayos. Una joya obligada para quien desee explorar la historia del cine.

CADA VER ES (Ángel García del Val, 1981): Una rareza del cine español que prácticamente no se vio en su momento y que con el tiempo ha adquirido cierto culto. Documental sobre Juan Espada del Coso, solitario encargado del depósito de cadáveres de la Universidad de Valencia allá por 1981. Variada selección musical (de Pendercki a Bernard Herrmann), recursos de película "arty" (inserto de imágenes de Los Pájaros incluidos) e imágenes que se quedan en la retina, como el tétrico comienzo, la piscina de formol con cadáveres y cuerpos varios de todas las edades. El director Ángel García del Val consigue un documental "fascinante", por decirlo así, pero les advierto que la copia que vi es tróspida a más no poder (Deficientísimo sonido e imagen de purito vhs ochentero). Evidentemente, no apto para todos los estómagos. Del mismo "género", también tienen otra rareza como la centroeuropea Camino del Edén.

LA COMTESSE NOIRE (Les Avaleuses, Jesús Franco, 1973): El primer papel protagonista de Lina Romay en una película de Jesús Franco. Encarna a una vampira que necesita del semen y sangre de sus víctimas...y ese es básicamente el argumento, con Lina trincándose a hombres, mujeres y hasta almohadas por igual en escenas de puro softcore (en algunos montajes de la cinta se insertaron planos hard). Eternamente desnuda, salvo por una capa, botas y cinturón, tiene su mejor momento justo en su presentación saliendo de la niebla y del bosque de Madeira, avanzando hacia la cámara de su futuro compinche cinematográfico/personal Franco, el cual se regodea (y nosotros con él) en la por aquel entonces espléndida anatomía de la actriz. El tema del Eros y el Thanatos en su máxima expresión para una película que va de la fascinación al sopor con un epílogo metafórico donde por fin la vampira aparece totalmente vestida. El siempre estupendo Jack Taylor mostrándolo "todo" y Franco en un crucial papel secundario completan el reparto. Machacona banda sonora de Daniel J. White.

UNDERWORLD (George Pavlou, 1985): El pobre Clive Barker escribió esta historia de chica del gángster raptada por criaturas subterráneas con su ex contratado para rescatarla. El director George Pavlou, firmante también de otro desastre con libreto de Barker que atiende por Rawhead Rex, intenta suplir su manifiesta falta de talento jugando a ser el Ridley Scott/Alan Parker esteticista del pobre (luz azulada, neones) sin conseguirlo, provocando en el sufrido espectador sopor. En el último cuarto de hora se intenta obsequiarnos con el gore y monstruitos de rigor, pero justo en ese momento es cuando uno se pregunta: "Total...¿para qué?" Una cosa positiva: Clive Barker acabó tan cabreado con los resultados de las dos películas que en ese momento decidió que dirigiría y/o supervisaría las adaptaciones al cine de sus propias historias. Así surgieron Hellraiser, Razas de Noche o Candyman.

LA REBELIÓN DE LAS MUERTAS (León Klimovsky, 1973) Paul Naschy escribe y protagoniza con León Klimovsky en labores de dirección una psicotrónica historia de magia hindú, vudú, muertas vivientes, asesinos enmascarados, gurús y hasta el mismísimo Señor de las Tinieblas. El bueno de Molina se reserva hasta tres papeles en una muestra de versatilidad/egocentrismo (dependiendo a quien pregunten por la cinta)...aunque encarne al gurú hindú más improbable desde Marlon Brando en Candy. La historia va perdiendo fuelle, se recrea poco convincentemente Londres (planos de archivo y rodaje en estudio) y la banda sonora no pega ni con loctite (jazz a lo "Disco Stu"), pero en el estado de ánimo adecuado divierte.

LAS ORGÍAS INCONFESABLES DE EMMANUELLE (Jesús Franco, 1982) Uno de los softscores que Jesús Franco rodó a principios de los 80 para Golden Films. Cuenta el "Tío Jess" que los productores le obligaron a poner el "Emmanuelle" en el título por aquello de que el nombre era sinónimo de éxito de taquilla y reclamo para multitud de espectadores curiosos/morbosos. En vez de erotismo, lo que hay aquí es aburrimiento a raudales con polvos (fingidos, que para eso es un soft) rodados con desgana y de duración inacabable. Cosas a rescatar: El comienzo en la casa de muñecos de cera, el impagable personaje de Tony Skios parodiando la típica imagen de macho ibérico (santiguándose antes de "entrar en acción") y la música de Daniel J. White. El paso del soft al hard (o sea porno puro y duro) para Jess estaba a la vuelta de la esquina. Ah, y de orgías en la peli...nada. Para curtidos.

A QUEMARROPA (Point Blank, John Boorman, 1967) ¿La "nouvelle vague" meets las "macho pictures"? Pues si. John Boorman (señor que bien se merece una reevaluación y estudio concienzudo de su carrera) pone patas arriba el cine noir y sus arquetipos y lugares comunes al tiempo que obsequia a Lee Marvin con el papel de su vida (nota: un actor no necesita hacer el numerito del Actor's Studio ni realizar parlamentos grandilocuentes para realizar grandes interpretaciones. A veces menos es más). Puede verse como película de acción, pero resulta más divertido volver a verla repasando las capas de lectura que ofrece. Narración fragmentada, nightclubs psicodélicos, una deliciosa Angie Dickinson como femme fatale, peleas badass y un magnífico uso de las localizaciones de Alcatraz y L.A. para un titulo seminal del neo noir del cual muchos futuros directores pillarían cacho (¿a que sí, Soderbergh?). Mel Gibson hizo el remake Payback, que está bastante entretenido como peli de "hostias y tiros"...pero que definitivamente juega en ligas inferiores.

EL FRANCOTIRADOR (Carlos Puerto, 1977) Una suerte de Taxi Driver castizo, prostituta incluida. A un relojero de pueblo y viudo (Paul Naschy alejado de hombres lobo y criaturas sobrenaturales) le mata su hija un coche oficial que evitaba un atentado. Afectado, decide cargarse al mismísimo Franco (de ahí el título; je je je), trasladándose a Madrid para preparar el magnicidio el 1 de Mayo, día de la Demostración Sindical en el Santiago Bernabéu. En sus andanzas por la capital se topará con una prostituta de buen corazón y mejores atributos físicos (Blanca Estrada; sobra decir que no faltarán las ya clásicas escenas de cama) y un grupo terrorista que lo usará para sus propios fines. La cinta consigue mantener el interés durante buena parte del metraje con ambientación thriller y una buena actuación de Naschy. Es en la segunda mitad cuando comienzan las señales de flaqueza de la película, centrándose en la historia de amor con la prostituta y postalitas varias con paseos por barca en el Retiro y escenas de cama sobreiluminadas. Menos mal que el director debutante Carlos Puerto consigue remontar con un final de lograda tensión. Rodada en 1977 con el cine español con carta blanca para hacer lo que justo dos años antes no se podía hacer, a Carlos Puerto y Naschy les llegaron amenzas de ultraderechistas durante el rodaje (la masacre de los abogados de Atocha les pilló en mitad del mismo para añadir más tensión si cabe) que finalmente acabaron en nada. A recuperar para ver al licántropo haciendo otras cosas y para los estudiosos del cine español.

"CHANGELING": Got to get your finest out

2011-07-24T10:18:00.000-07:00

En el año 2007 se publicó la autobiografía de un Michael Gordon Oldfield que por aquel entonces estaba enfrascado en la creación de su último álbum (por ahora) Music of the Spheres. La música clásica era lo último que le faltaba por hacer e insinuó una posible retirada del negocio musical, por lo que muchos nos temimos que con este libro y el disco se pusiera la campanada final a su carrera. Parece que no es así: en los últimos años se dedica a remasterizar sus discos ahora que el catálogo de la Virgin Records le vuelve a pertenecer mientras que su mujer Fanny Oldfield realizó unas declaraciones en las que aseguraba que su marido estaba empezando a trabajar en su retiro dorado de las Bahamas en un nuevo álbum de título provisional Telecaster (¿otro álbum conceptual con las guitarras como protagonistas como aquel de esclarecedor título Guitars?). En cualquier caso, con la publicación de Changeling, Oldfield daba carpetazo a una parte de su vida y abría una nueva página para formar una nueva familia con Fanny y dos hijos mientras que en entrevistas futuras se negaba a contestar preguntas que emepezasen con un "¿Why"? (¿Por qué?) al tiempo que se ponía echo un basilisco. Actitud maleducada la del nativo de Reading injustificable...aunque comprensible leyendo el libro.

Justo cuando acabó de publicar Tubular Bells en 1973, Oldfield concedió una entrevista a Melody Maker. Primera pregunta del periodista: "¿Por qué escribió Tubular Bells?". Oldfield se quedó 20 minutos en silencio sin saber qué contestar. El resto de la entrevista continuó por los mismos cauces y mismas preguntas que emepzaban por Why?. Para Oldfield fue muy doloroso que el mundo quisiera saber tantos detalles sobre su vida y obra y decidió no conceder entrevistas jamás de los jamases, perdiendo así la oportunidad de ser el portavoz de una revolución musical heredera del idealismo de los años 60 y de la que muchos críticos y expertos coincidían en señalar a Tubular Bells como su culminación y consagración. Para comprender la reclusión del joven Oldfield, hay que remontarse a su infancia y adolescencia desdichada, con todo tipo de fobias desarrollándose y con su familia haciendose pedazos, sobre todo a raíz del nacimiento de un hermano con síndrome de Down que falleció prematuramente, a raíz de lo cual su madre Maureen acabó adicta al alcohol y barbituricos. El único refugio para Oldfield era su pasión por la música, con la que tocando temas folks en pubs obtuvo aplausos y reconocimiento del público. No tardaría en abandonar la escuela para formar con su hermana Sally el dúo Sallyangie, con el que grabaron el disco Children of the Sun allá por 1968. Por cierto, que en esa época Oldfield conoció al mismísimo Mick Jagger debido a que su novia Marianne Faithfull era íntima amiga de Sally. El dúo no duró mucho y Oldfield se unió al sinpar Kevin Ayers y su Whole World Band como bajista. Allí trabó amistad con el teclista David Bedford, figura esencial en los primeros tiempos Oldfieldianos.

En los ratos libres que sus ocupaciones con la banda le permitían, Oldfield se concentraba en hacer su propia música. Cuando puso la demo de lo que luego sería Tubular Bells a sus compañeros de banda, la reacción fue negativa con la excepción de Bedford. La llevó a un buen número de casas discográficas pero la respuesta era la misma: no era "material comercial". Hasta llamó al legendario John Peel para ver si la podía emitir en su programa, pero la demo nunca llegó a la emisora. Oldfield llegó a pensar a irse a vivir a la Unión Soviética al tiempo que trabajaba como bajista en las representaciones del musical Hair en Londres y era músico de sesión para Arthur Louis en The Manor, un estudio de grabación montado en una mansión en pleno campo. Pero en esas grabaciones con Louis es cuando conoce a los ingenieros Simon Heyworth y Tom Newman, quienes escuchan la demo y quedan encantados. Oldfield les pregunta si podría grabar en The Manor y los ingenieros le contestan que primero deben hablar con el propietario, un tal Richard Branson. Mandan la demo a sus oficinas y Branson queda para una reunión con Oldfield donde le pregunta qué es lo que necesita para empezar a grabar. Oldfield facilita la lista de instrumentos y material técnico a Branson y éste le concede una semana para que empiece a grabar la primera parte de su música.

Como el libro explica al detalle la grabación de Tubular Bells y hay un montón de páginas web dedicadas al tema, nos limitaremos a decir que entre los títulos que se barajaron estaban los de Opus One y Breakfast in Bed y que todas las compañías discográficas a las que se ofreció el disco lo rechazaron. Branson tuvo la idea de ser él mismo quien distribuyera el disco creando Virgin Records a tal efecto. Branson sugiere (por no decir que obligó) a Oldfield que el disco debería interpretarse en directo, por lo que organiza una función en el Queen Elizabeth Hall. Un Oldfield con sus fobias e inseguridades a cuestas exige a cambio el Bentley de Branson, a lo que el barbudo tycoon accede. Mick Jagger en el backstage es el encargado de animar a un aterrorizado Mike y el concierto se desarrolla sin problemas, pero con un Oldfield descontento, según él, por cuán diferente y peor sonaba Tubular Bells en directo en contraste con su versión en estudio. La experiencia lo volvió peor de lo que ya estaba. Al mismo tiempo, Mike firma un contrato leonino con la Virgin que lo ata para 10 discos y muy pocos royalities a cambio. Branson se había convertido en una especie de figura paterna y tenía miedo de perderla. Comenzaron a llegar las primeras críticas entusiastas al disco y las ventas comenzaron a aumentar poco a poco. El boom definitvo llega cuando un William Friedkin que acababa de despedir de malas maneras a Lalo Schifrin durante la post-producción de El Exorcista (The Exorcist, 1973) empieza a poner un disco tras otro mientras ve en la moviola las imágenes de su película. Pone en el tocadiscos el Tubular y suenan los famosos compases de piano. Una nana para Regan al tiempo que una música misteriosa que va como anillo al dedo para la cinta. Llamada de la Warner a las oficinas de la Virgin para pedir permiso para usar la música y un Branson oliéndose dinero fresco lo concede sin consultar antes a Mike. El Exorcista se convierte en una de las películas más taquilleras de todos los tiempos y el fenómeno Tubular explota en todo el mundo. Cuando Oldfield vio la película muchos años después, rió a carcajadas.

Para pocas carcajadas estaba en 1974 con su madre de mal en peor y distanciado con su padre. Se retiró a la campiña inglesa y fue presionado por Branson para que hiciera otro disco y rápido. De mala gana se pone a grabar Hergest Ridge, inspirado por el cerro y ambiente bucólico en que se encontraba. Fue número 1 en las listas de U.K. durante tres semanas y apeado del primer puesto por...Tubular Bells, convirtiéndose así en el tercer artista en ser "derrotado" de esta manera tras Bob Dylan y The Beatles. Un Oldfield peligrosamente adicto al alcohol exige tener su propio estudio en su nueva casa y Virgin le da todo lo que le pide para empezar a grabar Ommadawn. Al contrario que con Hergest, Oldfield está pletórico de ideas y graba en euforia hasta que su hermana Sally le comunica el fallecimiento de su madre. Hundido, graba el apoteósico final de la primera parte del disco. El resto de la grabación, con Paddy Moloney de artista invitado, transcurre tranquilamente y Ommadawn es otro éxito, aunque menor que el de los dos discos anteriores. Oldfield se dedica durante una buena temporada a malgastar su fortuna en caprichos caros y en aislarse del mundo exterior. El furor punk se adueña del país y los músicos como Oldfield son considerados "dinosaurios" y ridiculizados en la prensa. Todo esto le pilla por sorpresa mientras Virgin cambia de mentalidad empresarial, se olvida de los "artistas alternativos" y empieza a fichar grupos punks, sobre todo a los Sex Pistols. Una delegación de la compañía se dirige a la mansión de Oldfield a escuchar los primeros 20 minutos de su nueva obra Incantations y deciden que Oldfield es historia. Nadie querrá ya escuchar esa música "pasada de moda".

Oldfield oye hablar de unos seminarios que imparte un tal Robert D'aubigny basados en la exégesis que piensa que le servirán para superar sus fobias y ataques de pánico. Se presenta en un hotel habilitado para el seminario con la identidad falsa de "Mick" y durante tres días se "cura", con una recreación literal de su nacimiento doloroso que es donde él cree que vienen sus problemas. Parece que, como el Alex de Large de La Naranja Mecánica (A Clockwork Orange, Stanley Kubrick, 1971), estaba "cured all right". Con su mentalidad cambiada y tras finalizar Incantations concede entrevistas, se lanza a su primera gira europea con una orquesta al completo incluida, toma clases de pilotaje de avionetas y hasta posa desnudo en una revista. Oldfield volaba en una nube de la que bajó cuando se quedó en números rojos tras la cara gira. Una ruina a la que puso fin con el lanzamiento del doble álbum en directo Exposed y comenzando a publicar música más a la moda de finales de los 70. Por ejemplo el single discotequero Guilty, que nadie se esperaba y donde colaboró Steve Winwood. En discos como Platinum y QE2 pediría ayuda constante a los músicos de sesión y a productores al quedarse sin ideas. Un accidentado viaje en avión por los Pirineos en plena tormenta durante la gira del QE2 le da la inspiración para Five Miles Out. Poco después con la ayuda del batería y productor Simon Phillips comienza a grabar lo que sería el Moonlight Shadow en una ardua tarea de grabación donde todo el mundo estaba en el lugar y momento adecuado. Éxito inmenso en toda Europa, incluso en U.K. Tras renegociar aquel contrato férreo con una mejora de los royalities y dando a Virgin tres discos más, Richard Branson le pide que sus discos posteriores sean como el exitoso Crises con profusión de canciones, pero el éxito de Moonlight Shadow no se repitió. Las relaciones con la compañía eran inexistentes y, con la excepción de su banda sonora para Los Gritos del Silencio (The Killng Fields, Roland Joffé, 1984) y el Amarok de 1990, no consigue trabajar con plena libertad. Antes la negativa de llamar a Amarok el más comercial Tubular Bells II, Virgin se niega a promocionar el disco. La libertad llegaría en 1991 (Mike lloró la Nochevieja de 1990 sintiéndose libre) con la publicación del Heaven's Open, que como el fan sabe culminaba con un "fuck off".

Asociándose con Trevor Horn en labores de producción, Oldfield graba en Los Angeles Tubular Bells II para su nueva compañía Warner. Huelga decir que Mike saboreó de nuevo las mieles del éxito...y que no volvería a repetirse. Entre discos que pasan desapercibidos, una estancia en Ibiza de la que pasa por puntillas los motivos de su abandono de la isla (excesos con las drogas e incidentes varios), un macroconcierto en Berlín para celebrar la llegada del nuevo milenio en donde un eufórico Mike toca para cientos de miles de alegres alemanes en un hecho que en los 70 sería incapaz de hacer, experimentos con la realidad virtual y videojuegos, regrabaciones innecesarias de su primer disco y la consecución de su ansiada felicidad con su nueva familia mientras lamenta la degradación de la cultura en general y de la música en particular ponen punto final a una autobiografía escrita con la ayuda de Jon Collins (se utilizó la clásica formula de extensa entrevista y narración novelada de las respuestas). Hay que advertir que su núcleo principal son los primeros años de Oldfield y la grabación de sus primeros cuatro discos, las llamadas "opus". A partir de Incantations, Oldfield se detiene muy poco (con la excepción de Moonlight Shadow y un poquito la grabación de The Killing Fields) en su discografía posterior tratándola casi de pasada (al igual que con sus relaciones sentimentales y sus hijos, a los que ni siquiera pone nombre en el libro para preservar su intimidad), poniéndo más énfasis en aspectos de su personalidad y vida privada, como su consumo de LSD en su juventud que le valió un buen susto, opiniones sobre la psiquiatría y su fallida aventura a la hora de crear una fundación para personas que no podían pagarse tratamientos psiquiátricos, sus andanzas en la avioneta, la vez que fue poseedor de un león teniendo posibilidades de ser devorado y un muy divertido viaje en globo con Richard Branson. Un libro que sirve como complemento para quien quiera saber más sobre el incomprendido Oldfield, pero que en absoluto es el libro definitivo sobre su figura. Libro que aún está por escribirse.

LA SEMANA MÁS LARGA (11-17/07)

2011-07-18T04:15:00.000-07:00

Tomo prestado el título de la excelente historia de Superlópez para una nueva sección en la que, cada Lunes, servidor comentará de manera breve las películas que va viendo la semana anterior. La idea no es nueva. En los excelentes blogs que deben visitar sí o sí Moon in the Gutter y Esbilla Cinematográfica Popular llevan haciendo esto durante una buena temporada, aunque la periodicidad varía: Uno cada mes y otro cada 15 días. He tomado ejemplo y me animo a escribir mis impresiones sobre lo visto en el Facebook del blog primero y en este rincón después. Manos a la obra.

SUPERAGENTE 86 DE PELÍCULA (Get Smart, Peter Segal, 2008): Adpatación cinematográfica de las entrañables aventuras televisivas del agente Maxwell Smart rodada con el habitual despliege de medios que caracterizan los remakes, reboots y demás sacacuartos que usa Hollywood. Un acertado reparto donde destacan Steve Carrell en el papel protagonista, una Anne Hathaway que llama la atención de la cámara sin mucho esfuerzo y un James Caan haciendo de trasunto del ex-presidente Bush Jr. con meteduras de pata lingüisticas incluidas para una producción anodina en lineas generales a la que salvan algunos chistes efectivos, ver a Terence Stamp ganarse el té haciendo de villano y el cameo de Bill Murray. Como diría Sananda Maitreya en su anterior encarnación como Terence Trent D'arby: Neither fish nor flesh.

ATRAPADO POR AMOR (Serious Moonlight, Cheryl Hines, 2009): El último guión que escribió Adrienne Shelly (La Camarera) antes de morir. Y con pinta de ser el primer borrador del guión, con vistas a una necesitada pulida. Meg Ryan y su botox, acompañada por Timothy Hutton, Kirsten Bell y Justin Long en un amago de comedia negra sobre una abogada que, tras descubrir que su marido la dejará por otra mujer más joven y atractiva, lo noqueará y atará a un water, intentando recuperar su amor. Dirección plana y televisiva de Cheryl Hines, personajes tirando a antipáticos y un progresivo desinterés para una oportunidad desperdiciada. Vean mejor La Camarera o recuperen los trabajos de Shelly como actriz a las ordenes de Hal Hartley (La Increíble Verdad, Trust). Dura sólo 80 minutos.

EL JOROBADO DE LA MORGUE (Javier Aguirre, 1973) Una de las mejores películas de Jacinto Molina/Paul Naschy con nuestro licántropo nacional encarnando al jorobado Gotho, al que todo el mundo humilla (burlas, críos tirándole piedras). Una chica enferma de la que se enamora muere y Gotho acaba en contacto con un mad doctor para que la reviva, pero el doctor usará a Gotho para sus propios fines. Llena de referencias a otras obras (El Jorobado de Notre Dame, Maupassant y hasta el Necronomicón), su atmósfera malsana, la actuación de Naschy y escenas que han pasado a la historia del fantaterror como el ataque de las ratas (reales) al desdichado Gotho la convierten en un título a estimar, sobrepasando defectos. Por cierto, que ni aún jorobado ni feo el bueno de Naschy se priva de sus clásicas escenas de amor y cama con beldades diversas, marca de la casa.

BOSQUE DE SOMBRAS (Koldo Serra, 2006) Armado con sus DVDS de Perros de Paja y Deliverance, el debutante Koldo Serra realiza un thriller rural ambientado en el Pais Vasco "profundo" a finales de los 70 con nada menos que Gary Oldman encabezando el reparto, que incluye a "La Regenta" Aitana, Paddy Considine y la inexpresiva Virginie Ledoyen (aka "la chica de La Playa con DiCaprio"). Lo malo es que el olor a déja vu y déja ecoute es muy profundo, se producen situaciones whatthefuckescas y tienen que ser Oldman y el excelente Lluis Homar los que tengan que salvar la papeleta de la función. Buena fotografía de Unax Mendía en las escenas en el bosque con lluvia, una dirección correcta con alguna escena destacable (cuando sale el conejo básicamente) y un doblaje tróspido por aquello de la mezcolanza de conversaciones en inglés y castellano y que nuestros actores patrios a la hora de doblarse a sí mismos normalmente producen resultados desastrosos (Aitana Sánchez-Gijón). Se recomienda ver en versión original subtitulada.

DRÁCULA CONTRA FRANKENSTEIN (Jesús Franco, 1972) Jesús Franco coje los personajes más célebres de Bram Stoker y Mary Shelley y hasta al hombre lobo ya que estamos en una obra psicotrónica solo apta para valientes. Rodada casi sin diálogos y de narración más bien dispersa (por intentar expresarlo así), contiene momentos memorables: Paca Gabaldón/Mary Francis como trasunta de Renfield o la resurrección de Drácula convertido en murciélago al que se le vierte la sangre de una alegre cabaretera (no falta un número musical marca de la casa "franquista") en un tarro. Por cierto, la banda sonora reutiliza la que compuso Bruno Nicolai para una cinta anterior de Franco, El Conde Drácula. Para curtidos en mil batallas.

MARQUIS DE SADE'S JUSTINE (Jesús Franco, 1969) La primera adaptación de Jesús Franco de su idolatrado Marqués de Sade. Con el mayor presupuesto de su filmografía (tampoco mucho) y un reparto all-star (Jack Palance, Mercedes McCambridge, Akim Tamiroff, Klaus Kinski y la mismísima Romina Power de protagonista), acaba siendo en líneas generales una oportunidad desperdiciada. Entre la cantautora de "Felicitá" y una muñeca hinchable no hay muchas diferencias interpretativas (aún hoy en día Franco echa pestes de la ex de Al Bano, a la que impusieron los productores), el interés va de más a menos y la empresa le quedó demasiado grande a Jess, pero la cinta tiene virtudes: la fotografía de Manuel Merino, el buen uso de las localizaciones en Barcelona y la dirección artística en general, las escenas de Juliette (Maria Rohm) en contraposición con las de Justine, donde los vicios tienen su recompensa mientras que la virtud tiene sus "infortunios", la actuación muda de Kinski como Sade encerrado en su celda con alucinaciones donde escribe la historia de la cinta y el habitual cameo de Franco despelotando a la hija de Tyrone. Aquí más detalles.

BATWOMAN, LA MUJER MURCIÉLAGO (René Cardona, 1968) Una consecuencia del éxito de la entrañable serie televisiva del hombre murciélago y las películas de luchadores mexicanos con Santo El Enmascarado de Plata a la cabeza. René Cardona padre dirige el psicotrónico asunto con Batwoman enfrentándose al mad doctor de turno empeñado en crear su propio hombre anfibio (nombre del barco donde hace sus experimentos: "Reptilius". Je, je, je) y entrenando y luchando en el ring en sus ratos libres. Maura Monti encarna a la curvilínea heroína y su falta de calidad interpretativa queda sobradamente compensada con sus luchas en bikini. Peleas de baja calidad, luchas bajo el agua, señores con disfraces de monstruo comprados en el "todo a 1 Peso" y franca diversión para los aficionados a las aventuras de Blue Demon y sus amigos.

EL GRAN AMOR DEL CONDE DRÁCULA (Javier Aguirre, 1974) Con el mismo equipo de El Jorobado de la Morgue, director Javier Aguirre incluido, Naschy encarna al célebre vampiro. Mucho antes del Drácula de Coppola, Naschy se apuntó un tanto convirtiendo al Conde en un ser atormentado por amor (llora y todo). Mujeres de buen ver, Drácula peleando a puñetazos, escenas repetidas hasta...cuatro veces (los créditos del principio con el porteador cayendo por las escaleras; el otro porteador que palma es Álvaro de Luna) y aburrimiento generalizado para una de las cintas de Naschy más respetadas en el extranjero.

KILLER BARBYS (Jesús Franco, 1996) Subterfuge Records desea promocionar a una de sus bandas, los Killer Barbys, con Silvia Superstar liderándola. Pensaron que había que hacer una película a lo Hombres G para los jóvenes "guays y enrrollados"...pero mejor. ¿Por qué no recuperar a Jess Franco, paradigma del director rebelde, independiente, casposo y vejete cachondo jijí jajá? Con la adición de un Santiago Segura en la época de "Evilios" y cuando era satánico y de Carabanchel en un papel secundario (pero bien que lo pusieron bien visible en el poster), esperaban poco menos que "la película más dabuten de la década como poco". Lo que Franco les devolvió a cambio fue una historia a lo Scooby-Doo (camioneta incluida) con una Condesa que necesita de sangre joven para rejuvenecer. Vista con el ánimo adecuado, uno se entretiene con la siempre agradecida presencia del gran secundario Aldo Sambrell (D.E.P.) como villano de la función, viendo a Mariangela Giordano (La Noche del Terror) como Condesa desnudándose y cubriéndose de sangre alegremente a sus 60 años por lo menos o comprobando que Jess aún sigue siendo todo un voyeur. Como comentan algunos críticos, si la cinta se hubiera hecho en los 70, Franco no habría dudado en asumir el papel de Segura como esbirro psicópata y zumbado de Sambrell, que mata a jovencitos después de contemplarlos en "plena faena". Machacona música punk a base de repetir dos temas de la banda durante toda la película. Por cierto, tuvo secuela (Killer Barbys Contra Drácula) pero los que la vieron dicen que es espantosa...y después de ver algún Youtube suelto por ahí, no seré yo quien les quite la razón.

PIRAÑA 2, LOS VAMPIROS DEL MAR (Piranha II, The Spawning, James Cameron, 1981) Debut oficial en la dirección del camionero canadiense y futura luminaria del cine de acción James Cameron, aunque no tuviese ni voz ni voto durante el rodaje y montaje. El que mandaba en realidad era el productor de bodrios mil Ovidio G. Assontis (y luego la gente se queja de Bay y Boll) señor al que hay que desviar las culpas por el desastre de película. Un aburrimiento mortal y (apenas) risible del que puede rescatarse la siempre agradecida presencia del hoy en día desperdiciado Lance Henriksen como trasunto del Quint de Tiburón y comprobar lo mucho que ya le gustaban al director las escenas bajo el agua que perfeccionaría en Abyss o Titanic. Quién le iba a decir a Cameron que con el tiempo sería la personalidad más poderosa de Hollywood y que finalmente lograría, 28 años después de su realización en 1981, convertirse en el George Lucas de la generación neng y "ni-ni". Cómo está el mundo. El gran Tomás Fernández Valentí disecciona magistralmente el cadáver aquí.

EL DESPERTAR DE LA MOMIA (Dawn of the Mummy, Frank Agrama, 1981) Otro bodrio que tuvo multitud de problemas durante el rodaje. El director original era Armand Weston pero abandonó el rodaje y fue sustituido por el productor y co-guionista Frank Agrama. Y mejor para el bueno de Weston que lograse que su nombre no estuviera vinculado a este petardo donde un fotógrafo de moda neoyorkino y sus modelos son atacados por momias en el desierto egipcio. Ritmo nulo y continuas miradas al reloj del espectador donde solo los últimos 15 minutos al más puro estilo "peli de zombis italiana chusca" aportan algo de vidilla (no mucha) al mamotreto. Las visitas al Nilo durante el rodaje, eso sí, seguro que fueron más divertidas.

Carátulas: "Glen or Glenda"

2011-07-17T08:54:00.000-07:00

Adquirida al mismo tiempo que Plan 9 From Outer Space. Como bien dicen en la parte trasera de la carátula, merece ser visionada repetidamente. Y tengan cuidado con el viejo y gran dragón verde que a menudo se sienta en su puerta. Pull the strings!

"EL CONDE DRÁCULA": Vampiro, Cola de Gusano

2011-07-13T06:03:00.000-07:00

Seguramente sea el título que nos ocupa la cinta más conocida en este país de Jesús Franco, quien se propuso una meta que ni él mismo debía creerse durante el rodaje: Realizar la primera adaptación fiel de la obra maestra de Bram Stoker, cuyas adaptaciones cinematográficas nunca han sido fieles al 100%, ni siquiera el afamado Drácula de Coppola (1992), al que la gente que no se tomó la molestia de leer la novela considera la representación más fiel. Con la financiación a cargo principalmente del pintoresco productor inglés Harry Allan Towers además de productoras italianas, alemanas y españolas, se eligió a un reparto de ensueño: Para encarnar al Conde transilvano, la elección de Christopher Lee fue obvia debido a sus anteriores colaboraciones con Franco y su estrecho vínculo con el personaje, si bien el inglés ya estaba cansado del personaje (pronto comenzaría a hartarse del personaje hasta el punto de negarse a hablar de él en entrevistas o firmar autógrafos con su figura chupeteando cuellos). Para convencerlo, Franco le aseguró que sería la primera adaptación fiel del personaje. Con eso y su amistad con Alan Towers, acabó aceptando. La primera opción de Franco para Van Helsing era Vincent Price, pero éste tenía un férreo contrato con la American International Pictures. La segunda opción, Dennis Price, estaba enferma. La tercera opción sí estaba disponible, Herbert Lom. Para Renfield, el mejor acierto de casting: Klaus Kinski, del que cuenta la leyenda que rodó sus escenas sin saber a qué película iba a pertenecer pero que el propio Franco desmintió. Para Quincey Morris, el incombustible Jack Taylor. Para Harker, Fred Williams. Y para Mina y Lucy, Maria Rohm y la malograda Soledad Miranda que comenzó aquí su ciclo de películas con Franco que la convertirían en mito.

Rodada en 51 dias a finales de 1969 en Barcelona, Alicante y Munich por castillos y localizaciones reales a excepción de las escenas en el manicomio con Kinski rodadas en estudio, hay que destacar que durante el rodaje ni Lee ni Lom ni Kinski compartieron día de rodaje o plano alguno, siendo resueltas sus secuencias a base de contraplanos, todo un logro de la película al hacernos creer que sí que están los personajes juntos. Durante el rodaje, Pere Portabella filmó no un making of al uso, sino una especie de experimento llamado Vampyr-Cuadecuc (1970) casi mudo y que hoy en día está considerado objeto de culto (pueden verse algunos extractos en Youtube). El Conde Drácula franquiano no tuvo una gran distribución aunque, como suele ocurrir con el cine de Franco, adquirió la condición de "película de culto" gracias a la fama de su director y el reparto all-star de la cinta.

Por mucho que el rótulo inicial nos informe de que esta película represente por primera vez con absoluta fidelidad la novela de Stoker , la realidad es que esa promesa solo se mantiene en líneas generales en la primera media hora, que resulta ser lo mejor de la película. La llegada al castillo de Harker en el carruaje atravesando el oscuro bosque infestado de lobos, el conde recordando los orígenes de sus ancestros o las "novias" de Drácula a punto de atacar a un desmayado Harker interviniendo el conde para ofrecerlas un bebé están cargadas de una atmósfera tétrica y malsana que dan la impresión de que la hora siguiente estará a la misma altura. Pero el escaso presupuesto (que se nota sobre todo en los efectos especiales en la escena de los animales disecados, los pastores alemanes que pretenden ser lobos o ese murciélago con hilos que canta la traviata), el interés decreciente y el progresivo aumento de zooms característicos de Franco acaban haciendo de la película una cinta irregular, pero con virtudes que justifican su visionado. Dos son los actores que destacan: Klaus Kinski en un sorprendente underplaying en un papel que se prestaba para que hiciera "su numerito" y que acaba siendo un Renfield memorable casi mudo y comiendo moscas y Soledad Miranda como la desdichada Lucy siendo seducida y mordida por Drácula y atrayendo niñas para hincarles el diente.

Lee es la encarnación perfecta del conde, aunque aquí se le de poco tiempo de metraje (en la novela de Stoker tampoco aparecía mucho, pero su presencia rondaba el relato) para dedicarnos su mirada de rojo sangre y, en comparación con las películas de la Hammer, se le vea aburrido si exceptuamos la mencionada escena donde explica sus orígenes. Un acierto: se ve al personaje volviéndose más joven a medida que pasa el tiempo, detalle incluido en la novela de Stoker. La fascinante música de Bruno Nicolai a golpe de cítara contribuye a crear desasosiego en una obra más sobria y alejada de los efectismos y desbarres de su director y recomendable (con sus reparos) como uno de los títulos ideales para aquel que no se sienta especialmente atraído por su controvertido director y quiera empezar con algo "ligerito". Aunque los "franquistas" sepamos que Franco tiene mejores cintas con más chicha para morder.

El Conde Drácula está editada por Divisa en una edición manifiestamente mejorable. La mejor edición hasta la fecha es la de Dark Sky Films con una entrevista de media hora a Franco, Lee leyendo extractos de la novela de Stoker y un texto sobre Soledad Miranda. Vampyr-Cuadecuc ni viene como extra ni está editada en DVD mientras escribo esto.

Carátulas: "Plan 9 From Outer Space"

2011-06-17T05:24:00.000-07:00

Conseguí los VHS de Glen or Glenda y Plan 9 From Outer Space por un precio razonable allá por el año 2000. La colección Ed Wood fue editada en España por aquella entrañable Strong Video que editaba el tan cacareado ultragore alemán y rarezas varias. Hablamos de la época anterior a las descargas en Internet, donde no bastaba con hacer clic repantingado en el sofá para descargar cómodamente este tipo de películas, sino que había que salir a los videoclubs y tiendas especializadas para hacerse con ellas. La semblanza de la vida, obra y milagros de Wood venía sólo en esta película si no ando errado. Por cierto, que en la carátula de arriba del todo tenemos que hablar de publicidad engañosa, porque no venía el trailer original de cine ni la cinta en cuestión es "casi definitivamente la peor película de todos los tiempos". Afirmación típica de quien piensa, por ejemplo, que Michael Bay es el anticristo o Uwe Boll el peor director de la historia. Las películas de los Hermanos Calatrava o las dirigidas por John Liu les ponía yo para que se quejaran por algo.

Carátulas: "Ciudad del Crimen"

2011-06-16T07:46:00.000-07:00

Inauguramos la sección "The Vault" donde iremos viendo tesoros (VHS, DVD, Libros y demás) que uno tiene por su casa. Para empezar, el VHS original de Ciudad del Crimen. En el extremo superior derecha pone que es del videoclub "Costa Verde" de Gijón, aunque yo lo adquirí en una tienda de segunda mano. Aclarar que la Cannon no la produjo, sino que simplemente se limitó a distribuirla en nuestro país.

"EL PATRULLERO": Pagar impuestos es participar

2011-06-16T05:20:00.000-07:00

Durante la preproducción de Walker allá por principios de 1987, buscando localizaciones en México, Alex Cox y el productor Lorenzo O' Brien escucharon anécdotas de su chófer referidas a su etapa como patrullero por las carreteras menos recomendables del país. Esas historias se les quedaron metidas en la cabeza durante mucho tiempo. Flash-forward hasta 1991. Almería y Nicaragua dejan hecha polvo la carrera en Hollywood de Cox y los estudios le ponen, según él, en una "lista negra" y sus proyectos quedan acumulando polvo. Entre ellos, una adaptación al cine de las aventuras del personaje de la Marvel Dr. Strange co-escrita con Stan Lee, una épica sobre la Contra nicaragüense co-escrita con Rudy Wurlitzer de título Zero Tolerance o la adaptación al cine de los cromos Mars Attacks (que Tim Burton rodaría años más tarde). Para ganarse la vida se vio obligado a introducir películas de culto para la BBC y a colaborar con Dennis Hopper como consultor creativo para sus proyectos como director, interviniendo sobre todo en el guión de Camino sin Retorno (1990). Pueden leer todos estos guiones y muchos más en la recomendable web de Cox. Así transcurrieron las cosas para el director hasta que decidió refrescar su memoria con las historias que le contó aquel ex-patrullero y, con la ayuda de Lorenzo O' Brien, se fue a México a rodar el título que nos ocupa con actores y técnicos del país. La distribución mundial fue más bien pobre, casi limitándose su exhibición en festivales (entre ellos el de San Sebastián, donde consiguió el premio a mejor actor para Roberto Sosa) aunque para los pocos críticos que la vieron Cox logró recuperar parte del prestigio perdido.

El cadete Pedro Rojas (Sosa) se encuentra en la academia de formación de la policía mexicana. "Si ven un vehículo en la carretera, primero lo detienen y luego le buscan la infracción", le "enseñan" en clase. Primera señal de que su idealismo e inocencia no funcionarán en su nuevo trabajo. Se gradúa sin la asistencia de su padre, que esperaba que cursara estudios de medicina. Es transferido al desierto de Durango, donde pagará su inexperiencia y tendrá que empezar a convivir en un sistema donde la vista gorda, la "mordida" y las influencias para sacar de problemas a malcriados hijos de papá que faltan al respeto a la ley es el pan de cada día. Rojas se casa con Griselda (Zaide Silvia Gutiérrez), a la que deja embarazada y no tardará en liarse borracho con una prostituta drogadicta (Vanessa Bauche). Es disparado en una pierna por un conductor borracho y quedará cojo para el resto de la película. Su coche chatarrero falla justo cuando se dirige a salvar a su mejor amigo de unos traficantes de droga. El enfrentamiento final es inminente.

Quien espere con este argumento una ensalada de tiros y acción (aunque haya un poco de eso), que se olvide de verla. Quien conozca un poco la obra de Cox y busque la anarquía e irreverencia de Repo Man (1984), Sid y Nancy (1986) y Walker (1987), será mejor que busque en otro sitio (les aconsejo que no lo hagan en su reciente y lamentable Repo Chick, 2009, demostración palpable de que cualquier tiempo pasado fue mejor). Para El Patrullero, Cox apuesta por el realismo utilizando numerosos planos-secuencias que a veces duran varios minutos (la llegada a casa de Rojas tras su "noche loca" con la prostituta, donde el padre de Griselda está dormido viendo...Robocop 2 y el posterior cabreo monumental de Griselda solo aplacado cuando ve el dinero "ganado honradamente" por su marido) y que hoy en día se agradecen en una época como la nuestra donde la norma es efectuar numerosos cortes de plano por segundo. No es de extrañar que, como señalan algunos, en ocasiones recuerde los mejores momentos del Traffic (2001) de Steven Soderbergh, que eran las escenas en méxico con Benicio del Toro. Un Roberto Sosa presente en casi toda la película ayuda con su rostro naive a dar la inocencia que el personaje necesita para poco a poco tener rostro de desencanto. La frase con que Cox definió la película ("la imposibilidad de imponer el bien a la gente") queda retratada en un final implacable.

El Patrullero fue editada por Filmax en DVD, pero actualmente está descatalogada. En U.K. está editada por el BFI. Entre los extras, destacan un audiocomentario de Cox y O' Brien y un docmental retrospectivo. Pueden leer más sobre El Patrullero y Cox en este excelente y exahustivo post.

"CIUDAD DEL CRIMEN (FEAR CITY)": Nueva York al desnudo

2011-05-30T09:19:00.000-07:00

Servidor aún no ha podido ver Go-Go Tales (2006), cinta en la que su director Abel Ferrara volvía al mundo de los locales de striptease más de 20 años después de la película que nos ocupa y que permanece inédita en España por esos extraños vericuetos del mundo de la distribución en los que los tótems de los 90 son los "apestados" de los 00's. No es por falta de oportunidades para adquirirla, bien sea mediante compras al extranjero o por esos mundos de Internet, sino por la decadente trayectoria de su director desde los tiempos de El Funeral (1996). Como muchos afirman, lo peor que pudo pasarle a Ferrara fue su encumbramiento como auteur con aquel mítico Teniente Corrupto (1992) y que el volcánico y etílico cineasta neoyorkino se lo creyese. Titulos como New Rose Hotel (1998), R-XMAS (2001) o Mary (2005) no eran totalmente malos, pero qué quieren que les diga: uno añora los viejos tiempos en los que Ferrara era un director de explotation potente carente de pretensión alguna que nos regaló Ms. 45 (1982), China Girl (1987), capítulos varios de Miami Vice, su obra maestra El Rey de Nueva York (1990)... ¿por qué no?, su remake de Body Snatchers (1993) y, según cuenta la leyenda, la versión íntegra de El Cazador de Gatos (1989) de tres horas de duración con la que obsequia a los invitados a su casa siempre que se lo pidan y que: a) Es una obra maestra a decir del director y los afortunados espectadores y b) Contiene escenas mucho más fuertes con Kelly McGillis de lo que en un principio se estrenó.

Mientras esperamos el improbable día en que Ferrara acceda a que el resto del mundo pueda ver esa versión íntegra, siempre podremos recuperar a golpe de DVD o VHS costroso su Ciudad del Crimen (Fear City) en la que, gracias a su prestigio en el ámbito underground con Driller Killer (1979) y Ms. 45, consiguió un presupuesto mayor de lo habitual y un reparto de actores de prestigio como unos Tom Berenger y Melanie Griffith a punto de convertirse en estrellas de los 80 para luego apagarse como fuegos de artificio, bien secundados por Billy Dee Williams, Rae Down Chung o Jack Scalia. Berenger es Matt Rossi, un ex-boxeador con vínculos con la mafia y "con pasado" en forma de contrincante muerto en el ring que se dedica a regentar una cadena de locales de striptease en los bajos fondos neoyorkinos con la ayuda de Nicky Parzeno (Scalia). Pronto aparece un serial killer experto en artes marciales que tiene a las strippers en su punto de mira y a las que aterroriza y mutila para que no trabajen más (curiosidad: la primera victima es Ola Ray aka "la chica del video de "Thriller" con Michael Jackson). La policía con Al Wheeler (Williams) a la cabeza quiere que Rossi se aleje de sus competencias, pero será inevitable el enfrentamiento final con el asesino cuando el objeto de sus deseos Loretta (Griffith) puede ser la próxima en caer.

Un Ferrara conocedor del ambiente como la palma de su mano rueda con corrección el guión de su "Paul Schrader" particular Nicholas St. John recreándose especialmente en los locales, la noche, las chicas y en, sobre todo, una Griffith mucho antes de que la cirugía la echase a perder. "Chicha" aparte, hay que destacar los flashbacks en el ring con la pelea causante del complejo de culpa de Rossi, las apariciones del psicópata con el que Ferrara va al grano enseñando su rostro desde el principio sin jugar a las pistas falsas y en donde el gore y la sangre fluye a borbotones y las visitas a la guarida del perturbado donde el director se regodea con el perturbado haciendo ejercicios marciales tal como vino al mundo. Si encima la cinta culmina en un duelo final a hostia limpia en un sucio callejón el grado de diversión está asegurado mientras el espectador "añora" ese Nueva York de neón, traficantes, prostitutas y sordidez pre-Rudy Giuliani que inspirase Taxi Driver (1976) y muchas otras desde la comodidad de su casa. Para aquellos que alquilaban thrillers sucios de videoclub y los veían a altas horas de la madrugada.

Ciudad del Crimen está editada en DVD por Manga Films en un pack conjunto con El Cazador de Gatos.

"LOS OJOS DEL DIABLO": Hay una explicación lógica para todo

2011-05-18T10:55:00.000-07:00

Mucho antes de la aparición de Masters of Horror, ya hubo un intento de reunir a mitos del cine fantástico para que dirigieran una serie de adaptaciones de Edgar Allan Poe para la televisión por cable estadounidense. El encargado de supervisar el proyecto fue Dario Argento, que llamó a sus íntimos amigos George A. Romero, Michele Soavi y Richard Stanley para que dirigieran los primeros capítulos de la serie. Argento se reservó el relato "El Gato Negro" mientras que Romero se ocuparía de "La Verdad sobre el Caso del Señor Valdemar", Soavi de "La Máscara de la Muerte Roja" y Stanley de "El Barril de amontillado", para el cual ya había contratado a Michael Gambon y Jonathan Pryce. Tristemente, de los cuatro episodios pactados solo se llegaron a rodar dos, los de Argento y Romero, y la serie se canceló. La solución fue hacer la post-producción en Roma y estrenar los dos capítulos completados como una película conjunta. Fue un fracaso con el que muchos aficionados al género habían puesto expectativas demasiado desmesuradas por el nombre de los dos directores, pero que vista en la actualidad tiene sus virtudes, sobre todo en lo que al episodio de Argento se refiere.

En "La Verdad sobre el Caso Valdemar", Jessica (Adrianne Barbeau, ex-musa Carpenteriana que ya colaboró con Romero en Creepshow, 1982) es la esposa del Sr. Valdemar (Bingo O' Malley), un anciano rico ya muy enfermo al que el Dr. Robert Hoffman (Ramy Zada) mantiene hipnotizado para aliviar su dolor. Jessica y Hoffman mantienen mientras tanto un romance al tiempo que esperan que Jessica cobre su herencia. Como el asunto va para largo, hacen que el hipnotizado Valdemar firme papeles que acelerarán el proceso, pero éste muere. Su mente no... Romero acomete el encargo sin muchas pretensiones, con cierta desgana y corrección y convierte la historia de terror en algo parecido a su propia versión de una soap opera en la que no pueden faltar zombies, gore cortesía de Tom Savini y el cameo de su mujer Christine Forrest.

Lo "bueno" se reserva para el episodio de Argento. Rod Usher (Harvey Keitel) trabaja como fotógrafo en escenas de crimenes. Un buen día, su novia Annabel (Madeleine Potter; como pueden ver, los homenajes a Poe están a la orden del día en este segmento) trae a casa un gato negro que inmediatamente odia a Usher y viceversa. Usher coge al gato para realizar una serie de fotografías "artísticas" y macabras y el felino desaparece. Tras una trifulca con Annabel y una pesadilla surrealista donde Usher es sacrificado en un rito pagano medieval que nos trae a la memoria la escena más célebre de Holocausto Caníbal (1980), comienza el descenso a la locura de Usher, donde el asesinato, el encubrimiento de cadáveres y pruebas y un espectáculo grandguiñolesco final adornan el episodio. Argento se lo pasa en grande colocando la cámara en los lugares más insospechados (en un péndulo mortal, homenajeando el célebre relato de Poe) o usando la cámara subjetiva para adoptar el punto de vista del gato o de Usher, en un gran trabajo técnico del operador Nicola Pecorini, futuro colaborador estrecho de Terry Gilliam. Tom Savini tiene mucho más lucimiento (y un cameo) en el apartado de maquillaje ocupándose de cadáveres descompuestos, cuerpos cercenados y cuchilladas a manos. Al final, poco importa que la historia tenga lógica: Lo que importa es cómo te la vende Argento. Una buena actuación de Keitel, apariciones de Matin Balsam, Sally Kirkland y Kim Hunter y ver a Julie Benz como jovencita violinista acaban proclamando ganador del "duelo" a un Argento que pronto comenzaría su triste decadencia, con visos a que siga hundiéndose en el fango.

Los Ojos del Diablo está disponible en DVD por Tribanda, sin extras. En el extranjero está comercializada una edición especial con entrevistas a los directores, Adrienne Barbeau y Tom Savini.

MOVIEDROME

2011-05-16T07:38:00.000-07:00

De 1988 a 1994, la BBC2 emitió en Inglaterra un programa semanal durante el verano llamado Moviedrome, en el que se emitían películas de culto y de difícil acceso para los cinéfilos en una época donde Internet era poco menos que una utopía. El encargado de introducirlas y comentarlas brevemente era el director Alex Cox, quien se encontraba en esos momentos en "la lista negra" de Hollywood tras sus aventuras por Nicaragua y que seguramente estaba necesitado de libras esterlinas. Sobre lo que no tenía poder era para seleccionarlas en su mayoría, por lo que no estaba garantizado que elevase a los altares todo lo que se emitiese (Ejemplo: tenía en muy baja estima el cine de John Carpenter), aunque procurase encontrar aspectos positivos en todas las películas. El programa se acabó tras el descontento de Cox con la BBC por no emitir cine en versión original subtitulada y Moviedrome quedaría en el recuerdo de los cinéfagos ingleses como una añorada institución donde poder ver spaghetti westerns, clásicos de videoclub, clásicos de Kurosawa, Coppola, Godard y cine británico fantástico. En 1997 se intentó resucitar el programa con Mark Cousins (del Festival de Cine de Edimburgo), pero los comentarios generalizados eran que "sin Cox no es lo mismo". Con la lista de películas emitidas, algunas introducciones de Cox para Wicker Man (primera versión), Rabia, Django y La Invasión de los Ultracuerpos y los PDFs gratuitos con las presentaciones de las películas que se encuentran en la web de Cox (1 y 2) recordamos un programa que, con los tiempos que corren por España en televisión, bien podría tener su versión autóctona, aunque tengamos La Sexta 3 para intentar ver en prime time algo distinto a los blockbusters y los "Pretty Womans" de turno que se emiten en las demás cadenas. "El cine que a la mayoría de gente le importa" dicen.

"LA NUEVA LEYENDA DEL GRAN JUDO": Apartando las piedras del camino

2011-04-19T07:09:00.000-07:00

Con el éxito de La Leyenda del Gran Judo (1943) y tras haber rodado La Más Bella (1944), Akira Kurosawa ya estaba consolidado como director. Aunque aún carecía de poder como para negarse a los deseos del estudio Toho y de las autoridades japonesas de rodar una secuela con nuevas aventuras de Sanshiro Sugata (Susumu Fujita). Para complacer al estudio, se puso manos a la obra, pero sin el mismo entusiasmo que cuando rodó la primera entrega, cosa que admitió en su autobiografía. Al igual que en la primera película, no hubo incidentes reseñables en el rodaje, excepto, otra vez más, en el momento de rodar la pelea final en una montaña nevada, con condiciones climatológicas adversas y muchas dificultades para técnicos y actores. Pocos cines quedaban ya en Japón en 1945 por los motivos que ya saben y la película fue un fracaso, quedando relegada a "curiosidad" entre los fans del director.

Aparte de los deseos del estudio de ganar mucho dinero, había otra motivación detrás de la realización de la secuela. No es difícil adivinar cómo eran los sentimientos hacia los Estados Unidos por parte de Japón en pleno 1945 justo antes de Hiroshima y Nagsaki. Si ya en la primera entrega había apuntes de crítica hacia el "diablo occidental" con la indumentaria del villano Higaki, aquí tenemos toda una subtrama dedicada a satanizar a los estadounidenses. Ya desde el comienzo vemos a un marinero americano golpeando y humillando a un conductor de rickshaw, el cual de libra de una paliza mayor por intervención de Sanshiro Sugata. Poco después, Sanshiro es invitado a pelear contra un boxeador americano (nombre de guerra: William "The Killer") en una confrontación de estilos de lucha y cuando llega al recinto se muestra horrorizado ante la sed de sangre del público occidental (todos feos y viejos) mientras observa como un practicante de jiu-jitsu totalmente acabado (por culpa de Sanshiro y el resultado de sus combates en la anterior película) es apalizado por el boxeador americano, lo que creará un complejo de culpa en el judoka. Una de las escenas más reseñables de la película.

Para añadir problemas, aparecen los dos hermanos menores de Higaki (Ryunosuke Tsukigata; también uno de los dos hermanos, Teshin Higaki), lisiado de por vida tras su épico enfrentamiento con Sanshiro, dispuestos a la venganza. Así, Sanshiro tendrá nuevos combates y nuevas enseñanzas que aprender aunque se haya ganado buena fama de invencible con niños que cantan la grandeza de Sanshiro. Muchos expertos señalan a La Nueva Leyenda del Gran Judo como "la peor de Kurosawa"...y servidor, a falta de ver dos de sus películas de su primera etapa, no les quitaría la razón. Por momentos hecha con desgana, no faltan aún así elementos de interés, como la ya mencionada lucha final (aunque el estado de la copias que se conservan de la película es lamentable) donde Kurosawa vuelve a usar los elementos de la naturaleza como recursos dramáticos, el inevitable combate contra el americano con occidentales y japoneses jaleando a sus hombres en el ring y en donde Kurosawa intenta repetir el "truco" de congelar la imagen, esta vez con planos del asombrado público que se asemejan fotografías. Claro que aquel que desee explorar aún más en la relación maestro-alumno y en la de Sayo (Yukiko Todoroki) tendrá que conformarse con la primera cinta.

La Nueva Leyenda del Gran Judo, al igual que la primera parte, está disponible en España en la colección "Maestros del cine japonés" de Filmax y en el extranjero en un pack de Criterion con las primeras películas de Kurosawa.

"LA LEYENDA DEL GRAN JUDO": El camino por recorrer

2011-04-18T06:49:00.000-07:00

A principios de los años 40, un joven guionista y ayudante de dirección japonés ambicionaba dirigir su primera película. Estuvo buscando una historia que adaptar y un buen día se encontró un artículo en el periódico en el que se comentaba la novela de próxima aparición Sanshiro Sugata, del novelista Tsuneo Tomita, sobre las vicisitudes y pruebas que debe superar un joven aprendiz de judo en el siglo XIX. El futuro director tuvo una corazonada con la historia y pidió a los estudio Toho que le dejasen rodarla. Otros estudios querían comprar los derechos de la novela, señal de que la corazonada del futuro director podría traer el éxito. El mismo día que se publicó la novela, Toho compró los derechos. Akira Kurosawa ya podía escribir el guión y ponerse inmediatamente a dirigir su primera película, La Leyenda del Gran Judo.

El rodaje se inició el 13 de Diciembre de 1942 con Susumu Fujita como protagonista, un actor habitual del cine bélico propagandístico japonés de la época. Tocaba rodar la escena en que Sanshiro (Fujita) y su maestro Yano (Denjirô Ôkôchi) observaban a Sayo (Yukiko Todoroki), la hija de Murai (Takashi Shimura, el otro actor legendario que colaboró con Kurosawa, Mifune aparte) rezando por su padre en un santuario. Kurosawa estaba acostumbrado a su anterior trabajo como director de segunda unidad en otras películas y, por lo tanto, no estaba nervioso en su primer día de rodaje. Pero a la hora de gritar "acción" por primera vez como director "de verdad", su voz sonó un tanto rara. Ahí comenzó la carrera del, quizás, mejor director de la historia del cine. El rodaje transcurrió sin mayores incidencias excepto a la hora de rodar la justamente recordada escena del duelo final en la ladera de una montaña con fuerte viento. En un principio se rodó en estudio, pero a Kurosawa no le gustó lo que vio. Propuso a Toho rodar la crucial escena en exteriores y el estudio aceptó, otorgándole tres días de plazo. Los "dioses" fueron generosos y el viento sopló alegremente. Bastante más complicado fue obtener el visto bueno de los censores, que cortaron 17 minutos de metraje hoy dados por perdidos. Yasujiro Ozu, que trabajaba en la junta de censores, defendió la película y La Leyenda del Gran Judo se estrenó en Japón el 25 de Marzo de 1943 con notable éxito de público y crítica. En Occidente no se estrenaría hasta la década de los 70, cuando Kurosawa era ya una leyenda en vida del cine.

Hay quien definió La Leyenda del Gran Judo como un Karate Kid (1984) hecho por un "artista" y no le falta razón, sobre todo en la relación maestro-alumno. Vemos al principio como Sanshiro utiliza sus conocimientos de judo para reventar las fiestas de un pueblo, siendo un indisciplinado, con la consiguiente desaprobación de Yano, que se niega a seguir enseñándolo. Para demostrar su lealtad, Sanshiro se sumerge a un estanque agarrado a un palo durante todo el día. Consigue aguantar y se "ilumina" (con la visión de una flor de loto abriéndose ante sus ojos, en una nada sutil metáfora), pidiendo el perdón de su maestro. A partir de aquí, tendrá que combatir por tres veces con seguidores del jiu-jitsu en la lucha por ver qué arte marcial será la que utilice la policía de la ciudad: Con el peligroso Kodama (Ranko Hanai), con el ya mencionado y más benévolo de lo que parece a simple vista Murai, de cuya hija se enamora y, sobre todo, con Higaki (Ryunosuke Tsukigata), con el que mantendrá el duelo final.

Aun siendo una "primera película" y lamentando los cortes de censura teniendo que disimularlos con rótulos explicativos, se nota que Kurosawa hizo los deberes en su etapa de aprendizaje, sorprendiendo con detalles como por cómo ilustra el paso del tiempo a través de un zapato, por cómo "congela la imagen" tras el final de uno de los combates con los espectadores "congelados" como si de un cuadro se tratase y cómo rueda los combates. Donde otro hubiera tenido la tentación de exagerarlos, las peleas aquí son secas, realistas y sin perder tiempo con florituras. El uso de los elementos de la naturaleza para fines dramáticos, los barridos y el humanismo que caracterizaría la obra posterior de su director tienen su germen en esta película que quizás nos sepamos de memoria pero a la que Kurosawa vuelca todas las buenas enseñanzas que recibió, logrando 80 minutos que sin duda influenciaron en posteriores películas marciales. Tuvo multitud de remakes japoneses...y hasta su propia secuela oficial, de la que hablaremos en el siguiente post.

La Leyenda del Gran Judo fue editada por Filmax en su recomenabilísima colección (aunque falta de extras) "Maestros del cine japonés". En el extranjero está editada por Criterion, formando parte de un pack con las primeras películas de Kurosawa.